Opera

a Wikipedia-ból, a szabad enciklopédiából
Opera csillag Maria Callas

Mivel az opera (az olasz opera in musica , "zenei alkotás") 1600-ra utal (a barokk kor kezdetével), 1639 óta a színház zenei műfaja . Továbbá az operaházat (az előadás helyét vagy a produkciós intézményt) vagy az előadó társulatot operának is nevezik .

Egy opera áll beállítást a drámai költemény a zenével egy ének együttes , egy kísérő zenekar, és néha egy kórus és balett együttese . Az ének mellett a színészek drámát és táncot adnak elő olyan színházi színpadon , amelyet festészet , építészet , kellékek , világítás és színpadi technika segítségével terveznek . A színészek szerepét a maszk és a jelmezek világossá teszik . A karmester a zenei, a rendező a vezetés és a díszlettervező a gépek működnek művészeti igazgatók . A háttérben támogatja a dramaturgiát .

Elhatárolások

Az operát a tánc, a musical és az operett összefoglalja a zenés színház kifejezés alatt . A kapcsolódó műalkotások határai gördülékenyek, és minden korszakban mindig újrafogalmazódnak, főleg bizonyos nemzeti preferenciák tekintetében is. Ily módon az opera mint műfaj életben marad és folyamatosan új ötleteket kap a színház legváltozatosabb területeiről.

Opera és dráma

Az a szigorú értelemben vett dráma , hogy az emberek csak a színpadon beszélnek, ritka a színház történetében . A zene, a szavalat és a tánc vegyes formái voltak a szabály, még akkor is, ha egyes esetekben az írók és a színházi emberek igyekeztek megmenteni vagy megreformálni a drámát. A 18. század óta kevert formák között a dráma és opera alakultak a különböző fajták Opéra-Comique , mint a ballada opera , Singspiel vagy bohózat énekkel. Mozart Singspiele-ét operához rendelték, a Nestroy- t színdaraboknak tekintik. A határ menti z. B. Brecht / Weill műveit is , akinek három penny operája áll közelebb a drámához, míg Mahagonny városának felemelkedése és bukása opera. A drámának teljesen alárendelt zenét dráma zenének hívják .

A 19. század eleje óta elterjedt színházi forma a drámával a melodráma volt , amely manapság csak a népszerű filmekben van jelen. Kalandanyagaival nagy hatással volt az akkori operára. Helyenként háttérzene volt a színpadi akció háttérzene (kevesebb a kimondott szöveg). Erre utal a ma is ismert melodráma kifejezés . Ilyen háttérzene található például Mozart Idomeneóban , Ludwig van Beethoven Fideliójában , Weber Der Freischütz-jében (a Wolfsschluchtszene-ben) és Humperdinck Königskinder - jében .

Opera és balett

A francia hagyomány szerint a tánc a barokk kor óta integrálódik az operába. A klasszikus balett a 19. században igyekezett megszabadulni ettől a kapcsolattól, de a 20. századi neoklasszikus művek, például Igor Stravinsky vagy Bohuslav Martinů , megerősítik az opera és a balett kapcsolatát. Az olasz opera sem nélkülözte a táncot, bár a tánc nem dominált ugyanolyan mértékben. Ma a repertoár műveinek balettjei és Divertissementsjei többnyire eltávolításra kerülnek a kottákból, így a sorok elválasztásának benyomása keletkezik.

Opera és operett / musical

Az operett műfaja és az ehhez kapcsolódó formák, mint például a zarzuela , mint a Singspiel továbbfejlesztése , megkülönböztetik az operától, amelyet a 19. század közepétől kezdve egyre inkább a beszélt párbeszédek, de az uralkodó szórakoztatás révén is komponáltak. követelmények és a népszerűség vagy a kereskedelmi siker elsődleges gondja. Ez a körülhatárolás csak a 19. század végén jelent meg: amikor a "komikus opera" az "alacsony" -ról a "magas" műfajra változott, az operett új "alacsony" műfajként jelent meg. Ugyanez vonatkozik a musicalre , a népszerű zenés színház továbbfejlesztésére az Egyesült Államokban. Az operett és a musical azonban nem kevésbé művészeti forma, mint az opera.

történelem

őstörténet

Antikvitás

Még az ókori görög színházban is kombinálták a színpadi akciókat a zenével. A modern opera többször hivatkozott erre a modellre, és mivel az előadói gyakorlatból keveset adtak át, képes volt a legkülönfélébb módon értelmezni. A kórus , hogy énekelt és táncolt jelentős szerepet játszott, elosztjuk a dráma a epizódokat vagy amelynek a feladata, hogy kommentálja a cselekményt. A rómaiak inkább komédiát műveltek, mint tragédiát . A Mimusban és később a pantomimban nagy volt a zene aránya. A római színházak 6. századi pusztulása és a késő ókorban elvesztett könyvek miatt számos forrás veszett el.

A 20. század eleje óta azonban számos ősi épületet, különösen amfiteátrumokat és színházakat használtak az operaelőadásokhoz. A legismertebbek a narancssárga Théâtre antik (1869 óta megszakításokkal), az Arena di Verona (1913 óta), az athéni Herodes Atticus Odeonja (1930-as évek óta), a római Caracalla fürdő (1937 óta) és a Szent Margarethen római kőbánya (1996 óta).

középkorú

A középkorban a húsvéti szentmise alapján új hagyomány alakult ki az énekelt cselekvés terén. A lelki játék először a templomban játszódott le, majd a 13. században szenvedély- vagy menetjátékként az egyházon kívül. Népszerű témák voltak a bibliai húsvéti és karácsonyi események, szintén komikus közjátékokkal. A dallamokat gyakran továbbadják, a hangszerek használata valószínű, de ritkán ellenőrizhető. Az udvari szférában olyan világi darabok voltak, mint Adam de la Halle dallamos Jeu de Robin et de Marion (1280).

reneszánsz

Orpheus és Amphion gyártási terve
, Düsseldorf 1585

A később hagyományos operaévaddá vált farsang ideje a 15. század óta lehetőséget kínál a zenei és színházi akciókra, amelyek Olaszország akkori legnagyobb európai városaiból származtak: az intermedia , a táncjátékok, a maszk és a diadalparádé része az olasz reneszánsz városképének reprezentációja . A madrigál volt a vokális zene legfontosabb műfaja, és gyakran társult táncokkal.

A francia királyi udvar jelentőségre tett szert Olaszországhoz képest a 16. században. Az 1581-es Ballet comique de la reine egy táncolt és énekelt mű volt, és az opera fontos előfutárának számít.

Egy korai kísérlet Németországban, hogy végre egy drámai telek énekel főszereplői egy díszlet a teljesítménye Orfeusz és Amphion egy szimultán színpad alkalmából a Jülich esküvő a Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg a Margravine Jakobe von Baden ben Düsseldorf 1585- ben . A még át nem adott zene lehetséges zeneszerzőjét Andrea Gabrielinek hívják . A zene olyan gyönyörű volt, hogy "nem volt ott / abban az időben / és olyan Musicum concentum & Symphoniam / hallott rajta, hogy el lehetett hinni." A cselekmény természetesen elsősorban egy herceg tükre értelmében vett allegória volt .

eredet

Florentine Camerata

A mai értelemben vett opera Firenzéből , a 16. század végén keletkezett . A firenzei Camerata , egy tudományos vitacsoport , amelyben költők (pl. Ottavio Rinuccini ), zenészek, filozófusok, arisztokraták és a művészetek védnöke - kezdetben ezt a szerepet vállalták , Bardi gróf , később Corsi gróf  - fontos szerepet játszott a létrehozása . Ezek a humanisták igyekeztek feleleveníteni az ősi drámát , amely véleményük szerint énekes szólistákat, kórust és zenekart is tartalmazott. A 16. századi lelkipásztori drámák után a librettót az akkori zenei eszközök felhasználásával tervezték és zenésítették meg. Vincenzo Galilei ebbe a csoportba tartozott. Ő fedezte fel a himnuszok által Mesomedes , amelyek elveszett ma, és írt egy értekezést ellen holland polifónia . Ez egyértelműen bizonyította a kívánt zenei stílust, az akkori új szólót hangszeres kísérettel.

A vokális zene szövegének megértése volt a legfontosabb a firenzei Camerata számára. A világos, egyszerű énekszólama nyilvánították az ideális, amely a takarékos basso -Begleitung kevés és finom eszközökkel, mint a lant vagy csembaló kellett alárendelni. A jól kidolgozott dallamötletek nem voltak kívánatosak, hogy ne takarják el a szavak tartalmát az énekléssel. Még egy „ nemes sprezzatura del canto” -ról ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), „a dal nemes megvetéséről ” is szó esett . Ezt az énekfajtát recitar cantando- nak hívták , az éneklést. A reciter cantando egyszerűsége és korlátozottsága ellentétben áll az uralkodó többszólamúsággal , összetett hang- és szövegrétegeivel. A monódiával , mivel ezt az új stílust az ókorra hivatkozva hívták meg, a szónak ismét teljes jogába kell kerülnie. Kialakult az affektusok elmélete , amelyet tovább lehetett vinni az énekelt szövegen. Choirs madrigál formában , vagy egy motetta csatlakozott a monódia az egyes vokális részek . A zenekar ritornellákat és táncokat játszott közöttük.

Az első munka az opera műfaj La Dafne által Jacopo Peri (bemutatója 1598-ban), a szöveg Ottavio Rinuccini , amelyek közül csak néhány töredék maradt fenn. Más fontos művek a korai napok Peris Euridiké (1600), mint a legrégebbi fennmaradt opera, valamint Euridiké (1602) és az Il Rapimento di Cefalo által Giulio Caccini . E korai operák témái a pásztorköltészetből és mindenekelőtt a görög mitológiából származnak . A bonyolult színpadi gépek által képviselt csodák, varázslat és meglepetések népszerű alkotóelemekké váltak.

Monteverdi

Claudio Monteverdi

Különös figyelmet kapott Claudio Monteverdi L'Orfeo című első operája (1607). Bemutatták Mantovában, 1607. február 24-én Francesco IV Gonzaga születésnapja alkalmából . Az elődökhöz képest itt először gazdagabb hangszerkészlet hallható (bár többnyire csak a kotta utal rá), kibővített harmónia , szavak és figurák hangpszichológiai és képi értelmezése, valamint a hangszerelés, amely jellemzi az emberek . A trombitákat használják például az alvilág és a halál jeleneteihez, húrokat az alvó jelenetekhez, és egy fa orgonát használnak a főszereplő Orfeo számára .

Monteverdi: Penelope „Di misera, regina” áriája az Il ritorno d'Ulisse in patria-ból

Monteverdi kiterjeszti a reciter cantando vokális vonalat egy ária- szerűbb stílusra, és nagyobb súlyt ad a kórusoknak. Késő művei: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) és L'incoronazione di Poppea (1643) drámai szempontból kiemelkedő pontok az operatörténetben. Még ebben az utolsó operában, Monteverdi L'incoronazione di Poppea-jában is megtalálható az a prologus, amelyet a Fortuna the Virtù-ban bemutatott három allegorikus alak kigúnyol (erény). Az akció további része a földi világban zajlik Nero római császár , szeretetlen felesége, Ottavia és Poppea , Ottone praetor felesége körül . Ez lesz Nero felesége és császárnője. Nero brutális karakterét castrato és ennek megfelelően virtuóz zene képviseli, Ottone viszont lágynak tűnik, és Nero méltó tanárának és tanácsadójának, Senecának a basszus hangot kapják. A bel canto éneklést és a coloratura gazdagságot a nemesség és az istenek számára használják, az emberek többi része számára egyszerűbb arioszokat és dalokat.

17. század

Olaszország

Teatro San Carlo di Napoli, 1735

1637- ben megnyílt a velencei Teatro San Cassiano , mint első nyilvános operaház. Új helyszínek jöttek létre egymás után, és Velence „Velencei Operájával” Észak-Olaszország operaközpontjává vált. A történelmi ábrázolások hamar kiszorították a mitikus témákat, mint például a L'incoronazione di Poppea (1642) című operában , amely még mindig Claudio Monteverdis nevet viseli, bár Alan Curtis óta folytatott kutatások arról vitattak, hogy inkább pasticcio- e a híres nevek .

Ezen operák közönségét főként a nem arisztokrata osztály tagjai alkották. A játéktervet a pénzügyi arisztokrácia határozta meg a közönség ízlése alapján . Ebben az összefüggésben az akadémiákból előkerült operát kereskedelmi forgalomba hozták és leegyszerűsítették, a zenekart pedig csökkentették. A da capo áriát sokáig recitatív alakú önálló éneklés előzte meg , rövidítették a kórusokat és az együtteseket. A tévedések és az intrikák alkották a cselekmény alapstruktúráját, amelyet a népszerű kisebb szereplők komikus jeleneteivel gazdagítottak. Francesco Cavalli és Antonio Cesti voltak a Monteverdit követő generáció leghíresebb velencei operaszerzői. Az írókat, Giovanni Francesco Busenellót és Giovanni Faustinit stílusformálónak tartották, és gyakran utánozták.

Az 1650-es évek óta Nápoly városa Olaszország második operaközpontjává vált, amelyet erősebben befolyásolt az arisztokrácia íze. Francesco Provenzale zeneszerzőt tartják a nápolyi opera alapítójának . A következő generációban Alessandro Scarlatti a nápolyi iskola úttörője lett .

A librettisták tankönyvek eladásával jutottak pénzükhöz , amelyeket viaszgyertyákkal együtt kiosztottak az előadás előtt történő felolvasáshoz. Hosszú ideig a reneszánsz humanizmus irodalma maradt az olasz operaszövegek mintája.

Operákat csak bizonyos évszakokban tartottak (olaszul: stagione ): a farsang idején, húsvéttól a nyári szünetig és ősztől Adventig. Ehelyett a szenvedély és az adventi időszakban oratóriumokat játszottak. A Róma nemcsak a gép hatásokat és kórusok kaptak nagyobb súlyt, hanem a lelki dolgok.

Párizs

A Paris , Jean-Baptiste Lully és a szövegírója Philippe Quinault kifejlesztett egy francia nyelvű változata az opera, a legkiemelkedőbb jellemzője, amely mellett a kórusok, a balett . Lully írta Cavalli L'ercole amante (1662) című francia változatát, amelybe az operánál jobban elismert baletteket illesztett be. Cadmus et Hermionét (1673) az első tragédiás lyrique- ként tartják számon, és a későbbi francia operák modellje maradt.

Az Olaszországból behozott operát a tragédie lyrique visszaszorította. Ennek ellenére Lully utódai, Marc-Antoine Charpentier és André Campra megpróbálták ötvözni a francia és az olasz stíluseszközöket.

Német nyelvterület

Olasz minták alapján a német nyelvterületen már a 17. század közepén kialakult egy önálló operahagyomány, amely magában foglalja a német nyelvű librettók használatát is.

Az első operája „német” zeneszerző volt az (elveszett) Dafne által Heinrich Schütz 1627 , aki megismerte a zenei forma opera alatt tanulmányában marad Olaszországban 1609-1613. Csak néhány évvel később, az első fennmaradt német nyelvű opera Sigmund Theophil Staden írták 1644-ben, amely a librettó szerint Georg Philipp Harsdörffer A lelki erdő vers vagy öröm játék, az úgynevezett Seelewig , a lelkipásztori didaktikus darab közel a a reneszánsz moralizáló iskoladrámája .

Röviddel a harmincéves háború után a német ajkú országokban az operaházak egyre inkább a vezető társadalmi osztályok központi találkozási és képviseleti helyévé váltak. A vezető hercegi és királyi házak központi szerepet játszottak, egyre gyakrabban biztosítva saját udvari színházakat és a hozzájuk tartozó művészeket, amelyek általában a (gazdag) közönség számára is nyitottak voltak. München első operaházat 1657-ben, Drezda 1667-ben kapta meg.

Köznép, d. H. A városok és / vagy a polgári magánszereplők által finanszírozott „nyilvános és népszerű” operaházak, mint például a velencei, csak Hamburgban (1678), Hannoverben (1689) és Lipcsében (1693) léteztek . Szándékosan ellentétben a „nemes” házak műveletével, amelyet az olasz nyelvű operák uralnak, különösen a Gänsemarkt-i hamburgi opera , mint Németország legrégebbi polgári operaháza, szándékosan támaszkodott német nyelvű művekre és szerzőkre. Mint Handel , Keizer , Mattheson és Telemann . A 18. század elejétől ezek független német nyelvű opera- és singspiel- hagyományt alapítottak olyan költők, mint Elmenhorst , Feind , Hunold és Postel német nyelvű librettóinak felhasználásával . Hamburg jelentőségét az önálló német nyelvű operahagyomány kialakulásában az operaelmélet két kortárs írása is kiemeli: Heinrich Elmenhorst Dramatologia (1688) és Barthold Feind Operancából származó Gedancken (1708).

Anglia

Az Angliában az opera elterjedt viszonylag későn. Az uralkodó zenei színházi forma idején Erzsébet-kori színház volt a maszk , kombinációja tánc, pantomim, beszélt színházi és zenei közjátékok, ahol a szöveg megzenésített rendszerint nem kapcsolódik közvetlenül a telek. A zene- és színházi előadások 1642-es puritán betiltása után csak az 1660-ban kezdődött Stuart-restauráció hozta létre újra a színházi életet, amelybe az opera beépült.

Henry Purcell Dido és Aeneas című egyórás operája (bemutatója valószínűleg 1689, librettó: Nahum Tate ) minden tekintetben egyedülálló alkotás . A zeneszerző felveszi a francia és az olasz opera elemeit, de kialakítja saját hangnyelvét, amelyet mindenekelőtt az jellemez, hogy nagyon közel marad a szöveghez. A kórusrészletek és a táncszekciók ellentétben állnak a főszereplők arioszó-passzusaival, amelyek szinte ária-szerű formák nélkül kezelik. A változó hangulatokat és helyzeteket zenei eszközökkel pontosan reprodukálják; az utolsó jelenet, amikor Dido karthágói királynő Aeneas trójai hős iránti boldogtalan szeretetéből összetört szívvel meghal, az operairodalom egyik legmegindítóbb.

18. század

Általános fejlődés

A 18. század folyamán kétféle opera alakult ki: A kialakult opera-széria mellett, mint olyan forma, amelyet elsősorban a nemesség képviseleti és legitimációs igénye támogat, és amely elsősorban mitológiai vagy történelmi anyagra épül, és személyi állománya ezekből áll. istenek, félistenek, hősök, fejedelmek és saját szeretettjeik és szolgáik, az opera buffa 1720 körül alakul ki kezdetben durva komikus cselekedetekkel, amelyek polgári-szentimentálissá fejlődnek.

Franciaországban az olasz operákkal való verseny egyrészt az udvari tragédie lyrique , a régebbi olasz operákhoz képest teljesebb hangszereléssel, másrészt az opéra-comique , amely a párizsi vásártér színházából származik. Ezek a műfajok ösztönzik a saját nyelvű operaelőadásokat Franciaországon kívül is, a helyi ellensúlynak a mindenütt jelen lévő olasz virtuózokkal szemben.

Marco Ricci : Opera próba , 1709

A stílust meghatározó tendencia Olaszországban a 18. század második negyedében, hogy az eredeti musica per dramma áriakoncertvé vagy számszerű operává alakuljon , rögzített tartalommal és zenével. Egy másik központi fejlemény a 18. század első felében a da capo áriák felosztása , amelyek öt részre nőttek, az AA'-B-AA 'szekvenciával meghatározott alcsoportokba:

  • Aria di bravura (bravura aria ) pazar coloraturával;
  • Aria cantabile gyönyörű vonalakkal;
  • Aria di mezzo carattere jellegzetes zenekari kísérettel;
  • Aria concertata hangszerekkel;
  • Aria parlante , amely erőszakos érzelemkitöréseket ír le.

Az est sztárja be tudott illeszteni egy virtuóz aria baule-t is ("bőrönd-ária"), amelynek semmi köze a cselekményhez. Az ilyen ariák könnyen cserélhetők vagy felhasználhatók többször is. A bel canto -Gesang az extrém magas hangokat, a rugalmas trillákat és a hosszú ugrásokat tartalmazta a bemutató virtuóz vokális technikákig.

Pasticcio

Mivel a koncepció hűség a munka még nem állították a 18. században , és az ügyfél és a közönség mindig is akart új, eddig soha nem hallott operát, és mivel sok opera cégek gyakran már csak korlátozott források miatt hangszeresek és énekesek, nem volt széles körben elterjedt századi előadói gyakorlat a különböző művekből származó áriák és együttesek lehető leghatékonyabb összeállításában, a meglévő felállástól függően, és a zenei számok ilyen sorozatának új szövegekkel és új cselekménnyel való aláfestésében. Ezt a fajta operát pasticcio- nak hívták ; Egy opera pasticcio származhat egyetlen zeneszerző tollából, aki újrafelhasználta a korábbi művekből származó számokat, vagy különböző zeneszerzők műveiből állhatott össze. Ez a gyakorlat azt jelentette, hogy az operaelőadás cselekménye és hangulata a 18. század végéig - sőt, egyes helyszíneken még az 1830-as évekig sem - rögzült, és állandó adaptációknak, változásoknak és változásoknak volt kitéve. A pasticcio gyakorlata azt jelentette, hogy a 19. század elejéig ugyanannak a műnek alig volt előadása zeneileg vagy tartalmilag hasonló az előzőhöz.

Számopera

Az ebből adódó káosz - amelyet a különböző elvárások egyidejű teljesítésének stratégiája generált - taszította Apostolo Zeno és Pietro Metastasio olasz librettistákat . Ellenintézkedésként az 1730-as évek végétől kezdve egyre inkább eltekintenek a felesleges mellékmondatoktól, a mitikus allegóriáktól és a másodlagos karakterektől, ehelyett inkább egy világos, érthető cselekményt és nyelvet preferáltak. Ezzel megteremtették az alapját egy „komolyabb” típusú operának, amely meghaladja az opera seria szokásos előadási gyakorlatát . Az erre a célra kidolgozott cselekményséma fokozatosan egy megoldhatatlannak tűnő dilemmába keveri a főszereplőket, ami a végén jónak bizonyul egy váratlan ötlet ( lieto fine ) miatt. Mindkét szerző poétikusan kezdeményezte az opera megújítását. A pasticcio önkénye ellen megszámolták a zenei részeket, ami megnehezítette a cserét. Ily módon jelentősen hozzájárultak a számopera kialakításához annak rögzített sorrendjével. Szigorú cselekményű, önálló műként az opera most képes volt megállni a helyét a dráma ellen .

Opera buffa

Az opera buffa műfaja egyszerre jelent meg Nápolyban és Velencében, mint többnyire vidám és valósághű operatípus. Egyrészt voltak önálló zenei vígjátékok, másrészt a komikus közjáték a opera seria elején a 1730-as, amelyből Apostolo Zeno és Pietro Metastasio kizárta volna a komikus elemeket úgy, hogy kellett korlátozni a közjátékok között a cselekedetek. Az opera Lo frate „nnamorato által Giovanni Battista Pergolesi , premierje szeptember 28-án, 1732 Teatro dei Fiorentini Nápolyban, és a művei Baldassare Galuppi , amelyek premierje a velencei a közép-1740-es és hoztak létre szoros együttműködésben Carlo Goldonit stílusműveknek tekintik .

Tartalmát tekintve az Opera Buffa a Commedia dell'arte gazdag alapjából merített . Az aktusok gyakran vegyes vígjátékok voltak, amelyek személyzete nemes szerelmespárból és két beosztottból, gyakran szobalányokból és cselédekből állt. Az opera seriával ellentétben ez utóbbiak jelenhetnek meg főszereplőként, akikkel egy polgári és a burzsoá közönség azonosulhat. Az opera buffát az arisztokrácia is értékelte, akik alig vették komolyan provokációikat.

Az Opera buffa fejlesztése az Opera semiseria-ig

A 18. század közepétől a komédia az opera buffában kezdett áttérni a mindennapi és a kortárs cselekvésekre, amelyekben a nemesek már nem voltak sérthetetlenek. Mozart Don Giovanni- ját (1787) eredetileg opera buffának tekintették, és csak a 19. században értelmezték újra, amikor a csábított polgári sorsot komolyan vehették, a nemes csábítót pedig gazembernek tekinthették.

E változások kifejeződése az opera buffa továbbfejlődése az opera semiseria típusára a 18. század végén, mert a polgári közönség már nem akarta látni, hogy nevetnek a színpadon. Az opera buffa és francia megfelelője, az opéra-comique mindennapi közelsége a 18. század második felében társadalmilag robbanásveszélyes volt. Ehhez kapcsolódott a buffonista vita, amely 1752 és 1754 között zajlott Franciaországban . Jean-Jacques Rousseau jobban értékelte a polgári „vidám” operatípust, mint a magas arisztokrácia tragédiás lyrique-jét. A francia opera olasz nyelvű elítélése dühös reakciókat váltott ki.

Anglia

Az angol nyelvterületen Georg Friedrich Händel (anglikizált George Frideric Handel) lett az egyik legeredményesebb opera-zeneszerző (több mint 45 opera). Londonban végzett munkája többek között nem érte el a kívánt üzleti sikert. a rivális opera társulatban énekelt híres castrato Farinelli erős versenye és az elkötelezett primadonnák tönkretett díjai miatt. A 20. században különösen Alcina , Giulio Cesare és Serse visszatért a repertoárba, az utóbbi évtizedekben pedig számos más Händel-opera (köztük Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Miután a történelmi előadási gyakorlatot jobban tanulmányozták a régizenei mozgalom során, a nagy operaházakban is stílusmeghatározó produkciókat készítettek barokk szakemberek segítségével .

Jean-Michel Moreau : Le devin du falu jelenete (1753)

Franciaország

A vitatott párizsi opera buffa francia megfelelője az Opéra-comique volt . A recitatívákat beszédes párbeszédek váltották fel. Ez a modell külföldön is sikert aratott. Az új egyszerűség és az élet közelsége tükröződik a kisebb arietákban és a nouveaux műsorokban is , amelyek a jól ismert vaudevillákkal ellentétben újonnan komponálódtak.

1752-ben Franciaország új konfrontációt tapasztalt a francia és az olasz opera között, amely a buffonista vita néven vonult be a történelembe. Giovanni Battista Pergolesi La serva padrona című operája (németül: A szobalány mint úrnő ) volt ennek alkalma. A hagyományos francia arisztokratikus opera, főleg Jean-Jacques Rousseau és Denis Diderot mesterségességével és stilizálásával szemben, akik megvédték magukat Rameau művészete és stilizálása ellen . A szándékosan egyszerű Le devin du village (németül: Der Dorfwahrsager ) opera mellett Rousseau írt egy díjnyertes értekezést is Discours sur les sciences et les arts címmel (1750), amelyben a tudomány és a kultúra által érintetlen életet hirdet legyen az ideális. Más zenei cikkeket írt a francia felvilágosodás híres átfogó enciklopédiájához . A buffonista vita végül a városból kiutasított olasz operacsoport kárára ment. A vita így egyelőre véget ért, de a Grand Opéra népszerűségét tekintve még mindig lemaradt az Opéra komikáról.

Német nyelvterület

Schikaneder, mint első Papageno , 1791

Az opera 1738-ban, a Gänsemarkton történő bezárása az olasz nyelvű operabiztonság további erősödéséhez vezetett a német nyelvterületen, amely akkor már meghatározó volt. A hamburgi modellből kiindulva azonban a 18. század közepétől egyre inkább megalapozott az a gyakorlat, hogy a recitatívákat németre fordították francia és olasz operák előadásához, és - főleg zenei okokból - csak az áriák eredeti nyelvének fenntartása. A 18. század közepétől a nem német nyelvű művek nyomtatott magyarázatainak és fordításainak eladása vagy terjesztése a nyilvánosság számára egyre gyakoribbá vált.

1780 körül Wolfgang Amadeus Mozart munkájával jócskán kitartó fejlődés kezdődött a 19. században, ami a korábban uralkodó olasz fokozódó elmozdulásához vezetett a német nyelvű művek és a német fordításban nyújtott előadások javára. Ennek során Mozart megtalálta a maga módját az olasz opera hagyományainak kezelésére. Korai éveiben többször sikeres volt Olaszországban (többek között Lucio Silla és Mitridate, re di Ponto együtteseivel ), és első remekművét Münchenbe komponálta az Idomeneo-val (1781), amely szintén olasz nyelven írt opera-sorozat . Nem sokkal halála előtt La clemenza di Titóval (1791) kellett visszatérnie erre a formára . A Bastien és Bastienne , Zaide (töredék) és a Die Entführung aus dem Serail című zenés darabok után (1782-ben bemutatott operájával sikerült Bécsben szabadúszó zeneszerzőként megalapoznia) a Figaróban (1786) és még inkább a Don Giovanni (1787), az Opera seria és az Opera buffa ismét közelebb kerül egymáshoz. Az utóbb említetteken kívül egy harmadik mű született 1790-ben, a Lorenzo Da Ponte Così librettistával jóindulatú együttműködésben . A Der Zauberflöte-ben (1791) Mozart az opera elemeit ötvözte a Singspiel és a helyben uralkodó régi bécsi varázsszínház elemeivel , amelynek hatását különösen látványos színpadi effektusok és mesebeli cselekmény eredményezte. A szabadkőművességtől is voltak ötletek és szimbólumok (Mozart maga is a páholy tagja volt). A Mozart-operák (és különösen a Varázsfuvola ) továbbra is minden operaház szokásos repertoárjának részét képezik. Ő maga az operát "nagy operának két felvonásban" jellemezte.

Operareform

Cím matrica az Orfeo ed Euridice-hez (Párizs, 1764)

Christoph Willibald Gluck , aki szintén Olaszországban és Bécsben dolgozott, átfogó operai reformot vezetett Orfeo ed Euridice (1762) és Alceste (1767) című operáival , amelyekben az olasz és francia komoly opera elemeit kombinálta a reálisabb szinttel. opera buffa akciója a. A következetesen világos és logikusan felépített cselekvés, amelyet Ranieri de 'Calzabigi tervezett, összetett intrikák és zavartalan dráma nélkül kezelhető . A főszereplők száma csökken. Az elsődleges cél a cselekmény nagyobb egyszerűsége és nyomon követhetősége.

Gluck zenéje teljesen alárendelődik a dramaturgiának és a szövegnek, jellemzi a helyzeteket és az embereket, és nem áll ki maga a bel canto ének mellett. Alaposan megkomponált vagy strófikus dalok váltották fel a da capo áriát. Ez új természetességet és egyszerűséget ért el, amely ellensúlyozta az üreges pátoszt és az énekes modort. Az ősi mintához híven a kórus aktívan részt vett az akcióban. A nyitány a cselekményhez kapcsolódik, és már nem különálló hangszeres darab az opera előtt. Az olasz arioszót, a francia balettet és a pantomimot, az angol és a német dalt, valamint a vaudeville-t integrálták az operába, nem különálló, egymás mellett álló darabként, hanem új klasszikus stílusként. Gluck esztétikai ötleteit tanítványa, Antonio Salieri hozta új virágzásba a 18. század végén. Különösen fontosak a Les Danaïdes , a Tarare és az Axur, a re d'Ormus című operák .

A kasztrati játékok eltűnése

Tovább kifejezése a nagyobb közelsége a mindennapi élet az opera buffa és újítások a opera reform javasolt által Christoph Willibald Gluck az a gyakorlat, hogy kezdődött a második felében a 18. században, hogy lemond a nagy kasztrált szerepek férfi szerepek mellett több reális hangok. Amellett, hogy a szándékos elkülönül az opera kultúra a opera seria a nemesség, mely erősen befolyásolja a virtuozitás a kasztráltak, a költségek miatt meghatározó szerepet játszott ebben. Mivel az impresszáriók az opera buffát egy kevésbé tehetős polgári és burzsoá közönségre irányították , a jól ismert castrato díjának borzalmas költségeit aligha lehetne megkeresni. A castrato szerepek virtuóz kultúrájának ebből következő azonosulása az opera seria drága hagyományával, amelyet a nemesség alakított ki, magyarázza a kasztrátusok eltűnését az operabiztonságtól az Ancien Régime vége után, és ennek következtében az opera buffa és az Opera semiseria „természetesebb” hangjai képezték a középosztályt az operában is vezető 19. századi társadalmi osztályba.

19. század

Általános fejlődés

A 19. század első negyedévében a figurált basszussal kísért recitatívok egyre inkább eltűntek a jegyzett zenekari változat mellett. A vezető olasz opera és a francia operatípusok mellett fokozatosan megjelentek más nemzeti operaformák is, először Németországban. A francia forradalom és Napóleon térnyerése Ludwig van Beethoven egyetlen operájában, a Fidelio és a Leonore-ban (1805, 1806 és 1814) mutatta meg a leghatásosabb hatást az operára . A dramaturgia és a zenei nyelv egyértelműen Luigi Cherubini Médée (1797) alapján készült. A cselekmény Jean-Nicolas Bouilly "fait historique" -jére épül, amelyet Pierre Gaveaux komponált 1798-ban Léonore, ou L'amour conjugal címmel ; a francia forradalom eszméi képezik tehát Beethoven operájának hátterét is. A Fidelio a „ mentőopera ” típusába számolható , amelyben az ember drámai megváltása a nagy veszélyektől a téma. A munka formailag következetlen: az első rész olyan, mint egy dal, a második a nagyszabású kórusdöntővel szimfonikus hatást ér el és megközelíti az oratóriumot . A varázsfuvola és a Fidelio után a német produkciónak több kísérletre volt szüksége ahhoz, hogy a romantikus korban végre kifejlessze saját operanyelvét. Ennek egyik legfontosabb előzetes szakaszát ETA Hoffmann biztosította Undine című romantikus operájával , Louis Spohr pedig Faust (mindkettő 1816) beállításával.

Német nyelvterület

Fierrabras által Franz Schubert , Salzburgi Fesztivál 2014

Végül is Carl Maria von Weber volt az, aki a Singspiel hagyományából 1821-ben sok drámai színgazdagsággal életre hívta a német operát Freischütz formájában a zenekarban . Oberon (London 1826) című műve , amelyet a rossz tankönyv miatt alig játszottak, olyan nagy jelentőséget tulajdonított a zenekarnak, hogy később olyan ismert zeneszerzők utaltak rá , mint Gustav Mahler , Claude Debussy és Igor Stravinsky .

A német romantikus korszak további zeneszerzői voltak a rendkívül romantikus Franz Schubert ( Fierrabras , komponált 1823, premier 1897), akinek barátai nem tudtak vele rokon szöveget adni, és Robert Schumann , aki a népszerű genovevi anyag beállításával. a romantikusok közül csak egy Opera (1850) mutatkozott be. Szintén érdemes megemlíteni Heinrich Marschner , aki gyakorolt nagy hatást Richard Wagner és operája mintegy természetfeletti események és ábrázolások a természet ( Hans Heiling 1833) , Albert Lortzing a játékát operái (beleértve Zar és Zimmermann , 1837 és Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow Martha című komikus operájával (1847) és végül Otto Nicolai , aki a Lustige Frau von Windsorral (1849) valami „italianitàt” hozott a német operába.

Richard Wagner végül olyan alapjaiban alakította át az operát elképzeléseinek megfelelően, hogy a fent említett német zeneszerzők hirtelen elhalványultak mellette. A Rienzi (1842), az eddig meglehetősen szerencsétlen Wagner volt az első sikere Dresden; később a The Flying Dutchman (1843) felülmúlta. Az 1848 márciusi forradalmi drezdai forradalomban való részvétele miatt Wagnernek sok éven át Svájcba kellett száműznie. Későbbi apósa, Liszt Ferenc hozzájárult ahhoz , hogy Wagner még mindig jelen volt Németországban a Lohengrin (1850) weimari világpremierjével . A fiatal bajor király, Ludwig II támogatásával Wagner végre megvalósíthatta a Ring des Nibelungen régóta dédelgetett tervét , amelyre felépítette a Bayreuth Fesztivál Színházat , amelyben a mai napig csak műveit játsszák.

Richard Wagner

Wagner alapvető újítása a számopera teljes feloszlásában állt. Weber Freischütz - jében vagy Robert Schumann ritkán játszott Genovjevában (1850) már volt tendencia egy alaposan megkomponált opera felé . Ezt a fejlesztést csak következetesen fejezte be Wagner. Ezenkívül a vokális és zenekari részeket egyenlő bánásmódban részesítette. A zenekar már nem kíséri az énekest, hanem „ misztikus mélységként ” viselkedik az énekeltekkel való sokrétű kapcsolatokban. Wagner operáinak hossza nagy koncentrációt és kitartást követel az énekesektől és a hallgatóktól. Témái - néhány korai mű és a Meistersinger kivételével  - következetesen komoly operái, amelyeknek librettóit ő maga írta, gyakran a megváltás a szeretet, a lemondás vagy a halál útján.

A Tristan und Isolde (1865) című filmben Wagner nagyrészt a főszereplők pszichológiai belsejébe helyezte át a drámát, amelyet aztán zenéjével meg tudott világítani - az opera külső cselekménye viszont szokatlanul eseménytelen. Ennek az „óceáni” belső kialakításnak a harmonikusok is szolgáltak, amelyek a „ Tristan akkorddal ” az addig érvényes harmonikus szabályokat háttérbe szorították, és így bekerültek a zenetörténetbe. Zeneileg Wagner operáit egyaránt jellemzi a zenekari beállítások ötletes kezelése, amely szintén erős hatást gyakorolt a korabeli szimfonikus zenére Gustav Mahlerig , valamint a visszatérő motívumok, az úgynevezett vezérmotívumok használata , amelyek foglalkoznak ábrákkal és helyzetekkel, egyedi kifejezésekkel vagy bizonyos ötletekkel. A Ring des Nibelungen (zeneszerzés: 1853–1876), a leghíresebb operaciklus négy részből áll (ezért egyszerűen „tetralógiának” is nevezik), amelynek teljes előadási ideje körülbelül 16 óra, Wagner monumentális zenei és drámai megvalósítását hozta létre opera és dráma (1852) kidolgozta a hagyományos opera reformját. A Parsifal színpadi felszentelési fesztivál volt az utolsó olyan operája, amely két táborra osztotta a zenei világot, és utánzókat ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss Salome előtt ) és kétkedőket is felkeltett - főleg Franciaországban.

Franciaország

Franciaországban kezdetben az opéra-comique formája érvényesült , amely a 18. század második felében alakult ki . Daniel-François-Esprit Auber sikert aratott La muette de Portici (1828) című operájával, amelynek címhősnőjét egy csendben maradt balerina, a Grand Opéra ("nagy opera") kapcsolata ábrázolta . A dramaturg, Eugène Scribe lett vezető libretistájuk. A Grand Opéra-ban a tipikus operai szerelmi történet fortélyai mellett történelmi-politikai motívumok kerültek előtérbe, amint ezt egyértelműen megmutatta Rossini utolsó operája, Guillaume Tell (1829). A legsikeresebb képviselője a Grand Opera volt Giacomo Meyerbeer , műveivel Ördög Róbert (1831), A hugenották (1836) és a Le Prophete (1849), amelyet játszott a nemzetközi repertoár évtizedek a 20. század elején. További fontos példák : Halévy La Juive („A zsidóasszony”, 1835) , Donizetti Dom Sébastien (1843) vagy Verdi Don Carlos (1867).

1850 körül az Opéra comique és a Grand Opéra párbeszédek nélküli operai új formává olvad össze. 1875-ben Georges Bizet Opéra comique néven írta legismertebb Carmen színpadi művét , amelynek recitativusait csak posztumusz egészítette ki Ernest Guiraud . Ha a mű „reális” cselekménye és hangvétele nem egyezik a nagyoperával, akkor ismét az a tragikus befejezés, amely kezdetben kudarcot okozott a premieren, ellentmond az opéra komikumnak. Az opéra komikus és a nagy opéra keveredésének további példái: Charles Gounod Faust (1859) - itt először használják a drame lyrique kifejezést - és Jacques Offenbach Les contes d'Hoffmann ( Hoffmann történetei , 1871–1880).

Oroszország

Végül Oroszország lépett színre első nemzeti operáival, amelyeket más sikerek behozatalával tápláltak nyugatról. Michail Glinka 1836-ban komponálta a Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, németül: Élet a cárnak , a Szovjetunióban Iwan Sussanin névre keresztelt) operát . A műnek orosz témája van, de zeneileg továbbra is erősen befolyásolják a nyugati hatások. Leghíresebb Ruslan és Ljudmila operája nagy hatást gyakorolt ​​az orosz zeneszerzők következő generációira. Szerény Muszorgszkij Alekszandr Puskin drámája után végül elszakadt a nyugati hatásoktól Borisz Godunovval (1874) . Még Borodin Igor hercege (1890) is tovább vezette Glinka örökségét. Pjotr ​​Csajkovszkij az orosz hagyományok és a nyugati világ hagyományai között állt, és Eugene Oneginnel (1879) és a Pikk királynőjével (1890) polgári munkatársakkal tervezett szerelmi drámákat, amelyek szintén Puskin mintájára épülnek.

Csehország

A Bohemia , Bedřich Smetana és Antonín Dvořák voltak a leggyakrabban végzett zeneszerzők A Prágai Nemzeti Opera, ami kezdődött Smetana Libuše (1881), az új Nemzeti Színház Prágában. Ugyanazon zeneszerző által értékesített menyasszony (1866) export slágerré vált. Dvořak Rusalka című operája (1901) a népi legendákat és a német meseforrásokat lírai meseoperává egyesítette. Bohuslav Martinů és Leoš Janáček folytatták erőfeszítéseiket. Ez utóbbi zeneszerzőt az utóbbi évtizedekben újból felfedezték modernségében, és egyre inkább meghódította a repertoárt. Míg A ravasz kis rovarokat (1924) továbbra is többnyire Max Brod német fordításában adják elő , addig más művek, például Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) vagy Věc Makropulos (1926) egyre inkább az eredeti cseh változatban hangzanak el ; ez azért fontos, mert Janáček hangnyelve szorosan az anyanyelve fonetikáján és prozódiáján alapszik .

Olaszország

1813-tól, amikor Tancredi és L'italiana operáit Algeriben adták elő , Olaszország a fiatal és rendkívül produktív bel canto zeneszerző, Gioachino Rossini kezébe került . A Charles Perrault Hamupipőke-mese alapján készült Il barbiere di Siviglia (1816), La gazza ladra (Eng. A tolvaj szarka ) és La Cenerentola (mindkettő 1817) az operaházak szokásos repertoárjában található meg a mai napig. Rugós ritmus, ragyogó és szellemes hangszerelés, valamint az énekhang virtuóz kezelése tette Rossinit Európa egyik legnépszerűbb és legelismertebb zeneszerzővé. Rossini felírta az énekesek rögtönzött dekorációit, amelyek szerepei eddig is általánosak voltak, és ezzel megakadályozták a túlzott improvizációkat. Scena ed aria-jával egy új formális ötletet valósított meg , amely enyhítette a recitatív és az ária merev váltakozását, ugyanakkor fenntartotta a számopera elvét. Ezen túlmenően, Rossini írt számos opera sorozat (például az Otello , 1816-ban, vagy Semiramide , 1823). 1824-ben Párizsba ment és fontos műveket írt az Opéra számára. Politikai nagyoperát írt William Tellről ( Guillaume Tell , 1829), amelyet Ausztriában betiltottak, és különböző európai helyszíneken hatástalanított változatban léptek fel más főhősökkel együtt.

Giuseppe Verdi
Enrico Caruso, Bessie Abott, Louise Homer, Antonio Scotti énekli a "Bella figlia dell'amore" négyest Verdi Rigolettójából

Rossini fiatalabb kortársai és utódai eredetileg lemásolták coloratura stílusát, mígnem Vincenzo Bellininek és Gaetano Donizettinek különösen sikerült saját, kissé egyszerűbb, kifejezőbb és romantikusabb stílusukkal emancipálniuk a túlerőt. Bellini híres volt szavalatainak kifejező és kifinomult deklamációjáról, valamint operáinak "végtelenül hosszú és kifejező dallamairól", például Il pirata (1827), I Capuleti ei Montecchi (1830), I puritani (1835), La sonnambula ( 1831), és különösen Norma (1831). Bellini írta ennek az operának a főszerepét a híres "Casta diva" ária mellett, akárcsak Amina a La sonnambula-ban , a nagyszerű énekesnő, Giuditta Pasta számára . A Norma annyira igényes, hogy csak nagyon kevés nagy énekes tudja énekelni és értelmezni, Maria Callas történelmi értelmezése ismét elszakította a feledéstől.

A nála néhány évvel idősebb Donizetti rendkívül szorgalmas zeneszerző volt, aki Bellini mellett és különösen korai halála (1835) után a legsikeresebb olasz operaszerzővé nőtte ki magát. Első jelentős áttörését Anna Bolenával (1830) érte el , akinek címszerepét szintén Pasta alkotta meg, és Callas fedezte fel újra. Másrészt Lucia di Lammermoor (1835) a híres, színezetekben gazdag őrült jelenettel soha nem tűnt el teljesen a repertoárból, és a vidám L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) és La fille du régiment (1840) következetesen az operaházak repertoárján.

Bellini széles dallamkörei erős benyomást tettek a fiatal Giuseppe Verdire . Harmadik operája, a Nabucco óta nemzeti zeneszerzőnek tartották Olaszországot, amelyet még mindig a Habsburgok kormányoztak. A „Va, pensiero, sull 'ali dorate” kórus az ország titkos himnuszává fejlődött . Verdi zenéjét zeneileg erősen hangsúlyozott, tiszta ritmus jellemzi, amely felett egyszerű, gyakran rendkívül kifejező dallamok fejlődnek. Operáiban, amelyekben Verdi összetéveszthetetlen színházi ösztönnel gyakran maga is hozzájárult a tankönyvhez, a kórusjelenetek kezdetben fontos helyet foglalnak el. Verdi egyre inkább felhagyott a hagyományos számoperával; Az állandó érzelmi feszültség az egyes jelenetek és áriák változatos keverékét igényelte. A Macbeth , Verdi végül elfordult száma opera és folytatta útját az intim jellegű ábrázolása egyének. A La traviata-val (1853, a fiatalabb Alexandre Dumas 1848-as , a kaméliák hölgye című regény alapján , amely a kurtizan Marie Duplessis hiteles alakja körül forog ) először egy kortárs témát hozott az operaszínpadra, de a cenzorok arra kényszerítették , hogy állítsák le a jelenből való áttelepítés cselekményét. Verdi gyakran irodalmi forrásokat muzsikál, például Friedrich Schiller (pl. Luisa Miller a Kabale und Liebe után vagy én masnadieri a Die Räuber után ), Shakespeare vagy Victor Hugo ( Rigoletto ). A Párizs számára írt Grand Opéra közreműködésével (pl. Don Carlos , 1867) ezt a formát is megújította, és Richard Wagner zenés drámájának elemeit néhai Otellóval együtt felvette, amíg elő nem állt a meglepő Falstaff- vígjátékkal (1893; mindkettőben költészet). Arrigo Boito esetei ) majdnem 30 operája közül az utolsó 80 éves korában állt össze. Valószínűleg ő a legnépszerűbb opera Aida , írott 1871-ben.

Századforduló

Francisca Pomar de Maristany „Vissi d'arte” -t énekli Giacomo Puccini Toscájából - 1929-es felvétel

Miután Verdi lemondott, a fiatal veristák ( olaszul: Vero = igaz) meghódították Olaszországban a jelenetet. A szépítetlen naturalizmus volt az egyik legmagasabb esztétikai ideáljuk - ennek megfelelően a szépen megírt versektől tartózkodtak. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) és Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) voltak e korszak legjellemzőbb zeneszerzői. Giacomo Puccini viszont messze meghaladta a hírnevét, és a mai napig az egyik leggyakrabban előadott opera-zeneszerző. La Bohème (1896), a század eleji párizsi erkölcsi festmény, a Tosca "politikai thriller" (1900, Victorien Sardou azonos nevű drámája alapján) és a távol-keleti Madama Butterfly (1904), a befejezetlen Turandot (premierje 1926-ban posztumusz volt), amely még mindig az egzotikumban fokozódik, főleg dallamaik miatt lettek slágerek. Puccini kiváló színházi művész volt, és pontosan tudta, hogyan kell írni a hanghoz; többnyire nagy zenekarra állított kottáinak hangszerelése nagyon differenciált és mesteri. Jelenleg az akkor nagyon népszerű olasz-német zeneszerzőt, Alberto Franchettit három világsikere ( Asrael , Christoforo Colombo és Germania ) ellenére is vonakodva fedezik fel újra. A Veristennél eltérő zenés-drámai ideál elkötelezettje volt Alfredo Catalani , aki ugyanakkor aktív volt, és akinek a közönség körében igen népszerű művei is fantasztikus elemekkel tarkítottak. Utolsó és most legismertebb operája, a La Wally, a Wilhelmine von Hillern Die Geier-Wally című regénye alapján , 1892 január 20-án mutatkozott be a milánói Teatro alla Scalában .

Század eleje

Mary Garden mint Melisande

Franciaország

Claude Debussynek végül sikerült megszabadulnia a német befolyása alól, és 1902-ben Pelléas et Mélisande-val megalkotta a Wagner által elfogadott vezérmotívum egyik legárnyaltabb példáját . Maurice Maeterlinck eredeti szövege sok kétértelmű szimbolikát kínált, amelyeket Debussy átvett a zenekari nyelvbe. Szinte az összes vokális rész recitatívnak lett megtervezve, és ellenpéldát kínált Wagner „végtelen dallamára” a „végtelen recitatívával”. Az egyik ritka kivétel, amely vokális vonalt kínál a hallgatónak, a Mélisande egyszerű dala, amelyet rövidsége és díszítésének hiánya miatt aligha lehet igazi árianak tekinteni.

Bécsi iskola

Richard Strauss után , aki először késő romantikus expresszionista lett a Salome és az Elektra társaságában , de aztán visszatért a korábbi kompozíciós stílusokhoz a Der Rosenkavalier-vel, és számos művet sok mű is játszik mind a mai napig (pl. Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Shadow és Die Schweigsame Frau ), csak néhány zeneszerzőnek sikerült állandó helyet találnia az operaházak repertoárjában. Ehelyett a múlt műveit tartották fenn (és tartják fenn). Egy kortárs műnek a standard repertoárba történő felvétele továbbra is kivétel.

Alban Berg sikerült megvalósítania ezt operája Wozzeck , amely rakták ki, mint egy szabad-tonális, és Lulu , amely felhasználja a tizenkét hang zene teljesen. Az első fragmentum a Lulu -ben fejeződött be a három felvonásos forma által Friedrich Cerha a párizsi teljesítményt Pierre Boulez és Patrice Chéreau . Mindkét opera közül különösen Wozzeck, amelyben a darab tartalma és a zenei látomás egységet talál, mostanra számtalan produkcióban került be az ismerős opera-repertoárba a világ nagy és kis színpadain, és vitathatatlan pozíciót ért el. Egészen hasonló a Lulu-hoz, amelyet azonban a munkával járó erőfeszítések miatt gyakran csak nagyobb szakaszok tudnak elsajátítani. Rendszeresen inspirál olyan fontos tolmácsokat, mint Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas vagy Julia Migenes .

Arnold Schönberg, 1948

Az Arnold Schoenberg , amelyek rendszeresen monodrámát elvárás  az első opera, egy énekes - - és a szándékosan befejezetlen a zeneszerző maradt, a legmagasabb igényeket a kórus Vice átnyúló munka Mózes és Áron szerepel. Az 1909-ben írt várakozás, amelyet csak 1924 - ben mutattak be Prágában , Marie Gutheil-Schoder- rel Alexander von Zemlinsky irányításával, különleges vonzalmat tanúsított az énekesek (főleg Anja Silja és Jessye Norman ), valamint az évekbeli rendezők iránt . világháború után (pl. Klaus Michael Grüber Silja 1974-ben Frankfurtban; Robert Wilson Normannal 1995-ben a salzburgi fesztiválon ). 1930-ban Schönberg megkezdte Mózes és Áron munkáját , amelyet 1937-ben szakított meg; 1957-ben Zürichben rendezett bemutatója után ez az opera számos nemzetközi előadásban megmutatta különös színpadi alkalmasságát, különösen az 1970-es évek óta. Szintén érdekes, hogy Mózes az egész opera során kimondott éneket használ, amelynek hangmagassága előre meghatározott, míg Áron énekel.

További fejlemények a német nyelvterületen

Egyébként a bécsi iskola nem hagyott további nyomokat a szokásos repertoárban. Zeneileg azonban minden modern zeneszerzőnek tizenkét tónusú zenével kellett megküzdenie, és el kellett döntenie, hogy tovább dolgozik-e az alapján, vagy inkább tonális vonalakban gondolkodik.

Hans Pfitzner a század első felének egyik legfontosabb zeneszerzője volt, aki tudatosan ragaszkodott a tonális hagyományokhoz. Operai munkássága Richard Wagner és kora romantikus zeneszerzők, például Weber és Marschner hatásait mutatja be. Pfitzner zenéjét nagyrészt a lineáris-többszólamú gondolkodás határozza meg, a harmónia az egyszerű diatonikus és a tonalitás határáig tartó kromatizmus között mozog. Pfitzner összes operája közül az 1917-ben bemutatott Palestrina zenei legenda a legismertebb. Azt is írta: Szegény Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein és Das Herz .

Franz Schreker 1912-ben létrehozta a Der ferne Klang -ot, a második világháború előtti egyik nagyszerű operát , de később megfeledkeztek róla, amikor a nemzetiszocializmus kiszorította műveit a repertoárból. Sok korábbi próbálkozás után ennek a zeneszerzőnek az igazán mélyreható felfedezése csak az 1980-as években kezdődött, amely a Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991) új produkciói mellett a Die Gezeichen , a Der Schatzgräber előadásait is produkálta. és Irrelohe . Az erősen differenciált hangszínek alapvető szerepet játszanak Schreker zenéjében. Schrekerrel Wagner kromatikus harmóniája ismét felerősödik, ami gyakran felismerhetetlenné homályosítja a tonális kötelékeket.

Schrekerhez hasonlóan a bécsi Alexander von Zemlinsky és a brünni Erich Wolfgang Korngold , akiknek művei szintén nehezen viselték 1945 után. Az 1980-as évek óta mindkét zeneszerzőnek sikerült visszaszereznie a helyet a nemzetközi repertoárban, Zemlinsky ruhákkal teszi az embert , de különösen A firenzei tragédia , A törpe és A király Kandaules , Korngold a Holt városával .

A munka a Walter Braunfels is betiltották a Nemzeti Szocialisták és csak egyre nagyobb figyelmet kap, hiszen a végén a 20. században. Die Vögel című operájával Braunfels az 1920-as évek egyik leggyakrabban előadott zeneszerzője volt a német operaszínpadokon. Munkáinak stilisztikai sokoldalúsága feltűnő: ha Brambilla hercegnő alternatívát kínál a wagneri utódlás zenei drámájának a Commedia dell'arte alapján , a Die Vögel megmutatja Pfitzner hatását. A későbbi Angyali üdvözlet , Az élet álma és az ív Joan - Jelenetek Szent Johanna életéből című operákkal Braunfels megközelíti a későbbi Hindemith hangnyelvét.

Az 1920-as években a fiatalabb generáció egyik legsikeresebb zeneszerzője Ernst Krenek , a Schreker tanítványa volt, aki kezdetben szenzációt váltott ki a szabad atonalitásban tartott expresszionista művekkel. A jazz elemeit felvonultató 1927-es Jonny-művei botrányos sikert arattak. Tipikus példa az akkor kialakult "Zeitoper" műfajra, amely cselekedeteit az akkori mindennapi életből vette át, amelyet a különböző divatok változása erősen meghatározott. Krenek zenéjét később a nemzetiszocialisták elvetették, mint "elfajzott" és betiltották. A zeneszerző az USA-ba emigrált, és 1973-ig több mint 20 operája volt, amelyekben a 20. századi zene változékony fejlődése példamutatóan tükröződik.

Második világháború

A második világháború jelentős fordulópontot jelentett Európa és Amerika történetében, amely a zenei világra is hatással volt. Németországban a modern hangzású operákat ritkán játszották, és egyre inkább félreállították. Tipikus példa erre Paul Hindemith , akit az 1920-as években zenés "burzsoáziaként" tartottak számon olyan művekkel, mint a Cardillac opera , de 1930 után végül egy közepesen modern stílust talált, neoklasszikus hatásokkal. Mathis, a festő (a zeneszerző sokat játszott szimfóniát állított össze ennek az operának az egyes részeiből). A stílusváltás ellenére Hindemith egyértelműen érezte az elutasítást, mert Adolf Hitler személyesen megsértette Neues von Tag című operáját , amelyet 1929- ben fejezett be . Végül Hindemith műveit „degenerált” címkével látták el, és előadásukat betiltották. Mint előtte és utána más művészek és zeneszerzők, Hindemith is 1938-ban száműzetésbe vonult.

Idő 1945 után

Általános fejlődés

Az 1945 utáni időszakot az operabiztonság egyértelmű nemzetközivé válása és individualizálása jellemezte, ami miatt a korábbi nemzeti hagyományok szerinti felosztás alig tűnt értelmesnek.

Az Opera egyre inkább függ a zeneszerző egyéni hatásaitól, mint az általános trendektől. Az operarepertoár „klasszikusainak” állandó jelenléte megnövelte a modern operák iránti igényeket, és minden zeneszerzőnek meg kellett találnia a maga módját a múlttal való foglalkozásra, annak folytatására, elidegenítésére vagy szakításra. A következőkben újra és újra előkerültek olyan operák, amelyek áttörték a műfaj határait, és igyekeztek ezeket leküzdeni. Zenei és szöveges szinten a zeneszerzők egyre inkább elhagyták az ismerős területet, és a színpadot és a színpadi akciót belefoglalták az elég gyakran absztrakt zenei sorrendbe. A vizuális eszközök 20. századi terjeszkedésének jellemzői azok a videoprojekciók, amelyek kezdetben kísérik az akciót, és később önállóbbá válnak.

Bo Skovhus, mint Lear Aribert Reimann azonos nevű operájában, a hamburgi Állami Operaházban 2012. Fotó: Brinkhoff Moegenburg

A zenei nyelv egyre növekvő individualizációjában a 20. század második felében az operában mégis felismerhetőek az irányzatok: egyrészt irodalmi operák , amelyek dramaturgiája jórészt hagyományokon alapszik. De egyre több aktuális anyagot és librettót használnak erre a célra. Mindazonáltal két úttörő munkái ezúttal minden operák használó irodalmi klasszikusok alapul, nevezetesen Bernd Alois Zimmermann opera a katonák alapján a Jakob Michael Reinhold Lenz és Aribert Reimann- Lear alapján a William Shakespeare . Az irodalmi opera további példái: Reimann Das Schloss ( Kafka után ) és Bernarda Albas Haus ( Lorca után ). A politikai témákat is egyre inkább zenélik , kezdve Luigi Nono-tól és Hans Werner Henze-től ; Egy újabb példa a Gerhard Rosenfeld opera Kniefall Varsóban körülbelül Willy Brandt , a premierje, amely 1997-ben Dortmundban csekély hatása volt a köz- vagy a sajtó, és nem okozott semmilyen nyomon követési produkciókat.

Ha Luigi Nono művei kísérleti zenei nyelvük miatt már nem sorolhatók irodalmi operák közé, akkor az opera dramaturgiáját kísérleti lehetőségei miatt is feltárják. Az opera kifejezés ezért a 20. század második felében megváltozott, sok zeneszerző felváltotta zenés színházzal vagy zenei jelenetekkel, és az opera kifejezést csak olyan műveknél használta, amelyek kifejezetten a hagyományokhoz kapcsolódtak. A kísérleti zeneszerzők műveiben nemcsak a szöveg és a dramaturgia kreatív kezelése fedezhető fel, a színpad, a zenekari felállás és nem utolsósorban maga a zene is legyőzi a konzervatív mintákat, a műfaj itt már nem határolható egyértelműen . Ezenkívül olyan új médiumokat is használnak, mint a videó és az elektronika, de a dráma, a tánc és az előadás is utat tör az operába.

Egy másik olasz zeneszerző a saját hangját testesíti meg a kortárs zenei színházban: Salvatore Sciarrino . A hangszórók iránti érdeklődésével vagy a zene hallgatásával alkot. Egyes művek a reneszánsz zeneszerzési technikáinak köszönhetően összetéveszthetetlenek (pl. Luci mie traditrici 1998-ban, Carlo Gesualdo életéről szóló operájában ).

Benjamin Britten a modern Angliát hozta a nemzetközi opera színpadára. Leginkább ismert tónusú operái közül a Szentivánéji álom , William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd és Peter Grimes darabjai alapján . Britten szeretete és tehetsége a hangfestéshez újra és újra megmutatkozott, különösen a tenger ábrázolásában.

A párbeszédek des karmeliták (Beszélgetések a karmeliták , ősbemutatója 1957) által Francis Poulenc tartják az egyik legfontosabb művek a modern zenés színház. Ennek alapja a compiègne- i vértanúk történelmi anyaga , akik 1794-ben a forradalmi törvényszék szeme láttára énekelve sétáltak az állványhoz, miután megtagadták vallási fogadalmuk megszegését. Az egyetlen énekes második híres operája szintén Poulencre nyúlik vissza: A La voix humaine- ban az egyszerűen „nőnek” emlegetett személy szeretője hűtlensége miatt szakít, aki telefonon dobja ki. Luciano Berio is használják a kommentár kórus a női főszereplő „Sie” a Passaggio .

A zeneszerző Philip Glass , aki letartóztatott Minimal Music , már nem használt csatlakoztatott mondat az Einstein on the Beach , hanem használt számok, szolfézs szótagok, értelmetlen szavak. Az események színpadon történő bemutatása döntő volt. 1976- ban létrehozták az Einstein a tengerparton című trilógia első részét, amelyben Satyagraha és Akhnaten is képviselteti magát - tisztelgés a világtörténelmet megváltoztató személyiségek előtt: Albert Einstein , Mahatma Gandhi és Akhnaton egyiptomi fáraó . Glass művei nagy közönség vonzerejét mutatták, különösen Robert Wilson vagy Achim Freyer jóindulatú produkcióival kapcsolatban .

Mauricio Kagel színházi alkotásai ugyanolyan gyakran magáról a zenéről vagy a színházról szólnak, amely leginkább a „színpadi-zenei akció” kategóriába sorolható - a zene alig fix, mivel Kagel hagyja, hogy előadói szabadon improvizáljanak, akik nem hangszereket (cipzárak, cumisüvegek stb.), vagy szokatlan módon használják, értelmetlen szótagokat énekelnek, vagy véletlenül vagy rögtönzött olvasással akciókat és / vagy zenét hoznak létre. Kagel szellemességével bírálta az államot és a színházat, a katonaságot, a művészeti ipart stb. A botrányok felkeltették leghíresebb művét, az Állami Színházat , amelyben a színház rejtett mechanizmusai kerülnek a felszínre.

Luigi Nono viszont zenéjével politikai és társadalmi bajokat vádolt. Ez különösen világossá válik az 1960-as Intolleranza-ban , ahol a szülőföldjére utazó férfi tüntetéseket, tiltakozásokat, kínzásokat, koncentrációs táborokat , börtönt és bántalmazást tapasztal áradásig, és végül rájön, hogy otthona ott van, ahol szükség van rá.

Nagyon produktív zeneszerző volt Hans Werner Henze , akit 2003-ban elnyerték a Japán Művészeti Alapítvány Premium Imperiale- jával (úgynevezett művészeti Nobel-díjjal ) . Kezdettől fogva konfliktusba került a Németországban uralkodó kortárs zene áramlataival, amelyek némelyike ​​dogmatikusan orientált volt (kulcsszó Darmstadt vagy Donaueschingen , lásd fentebb), soros technikákat vett fel , de teljesen más kompozíciós technikákat is alkalmazott, beleértve az aleatorikát is . Operai karrierje kezdetén együtt dolgozott Ingeborg Bachmann költővel ( A fiatal lord , 1952 és Kleist A homburgi herceg ( 1961) című adaptációjával ). Az Elégia a fiatal szerelmeknek (1961) WH Auden és Chester Kallman, Stravinsky A gereblye haladása című operájának libretistáival íródott . Később megzenésítette Edward Bond librettóit ( The Bassarides , 1966 és The English Cat , 1980). Munkája L'Upupa és a Triumph Son Love ősbemutatója 2003-ban a Salzburgi Fesztiválon. A hosszú évtizedek óta Olaszországban élő Henze fenntartható módon népszerűsítette és befolyásolta számos fiatalabb zeneszerzőt. Az általa alapított Új Zenei Színház Biennáléja 1988 óta létezik Münchenben .

A SZERDA első jelenetének világparlamentje Stockhausen LIGHT című operaciklusából. Birmingham Opera 2012

Karlheinz Stockhausen az 1978-ban megkezdett LIGHT heptalógiáját 2005-ben fejezte be . Fő művével egy vallási témákkal foglalkozó monumentális opuszt hagy maga után, amely hét operából áll, mindegyik a hét egy napját jelenti. Az első opera ősbemutatója volt Milánó ( csütörtök , szombat , hétfő ), a lipcsei voltak játszott először a kedd és a péntek . Összességében az összetett, összesen 29 órás zenét magában foglaló munkát még nem végezték el, nem utolsósorban a hatalmas szervezeti nehézségek miatt.

Az opera Das Mädchen mit den Schwefelhölzern által Helmut Lachenmann felkeltette Németországban 1996-ban . Hans Christian Andersen híres karácsonyi történetén alapul . Sajátos módon és részben új hangszeres technikákkal Lachenmann a hidegérzetet hangzá alakítja.

Az Operabase statisztikája szerint a 2013/14-től 2017/18-ig tartó öt évadban az öt legjobban élő élő zeneszerző az amerikai Philip Glass , Jake Heggie , az angol Jonathan Dove , a holland Leonard Evers és az angol Thomas Adès . Az Operabase 8-án Peter Lundot , 11- én Marius Felix Lange-t , 11-én Wolfgang Rihm -et, 17-én Ludger Vollmer-t , 17-én Ludger Vollmer -t és Aribert Reimann -t a 23. helyen nevezi meg a legjobban előadott német zeneszerzőként .

Humperdinck Hansel és Gretel meseoperája óta az opera zeneszerzői többször írtak gyermekoperákat , mint pl. B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( A vad srácok lakóhelye , 1980 és 1984) és Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein és Der Goggolori ).

A 20. és 21. század többi fontos operaszerzője

alak

Az operákat sokféle forma jellemzi, amelyet a hagyományos kompozíciós stílusok, valamint a zeneszerzők egyedi megoldásai határoznak meg. Ezért nincs általános képlet a szerkezetükre. Nagyjából megfogalmazva azonban meghatározhatunk egy fejlődést a számopera sokféle vegyes formán át a teljesen megkomponált operáig 1900 körül.

Számopera

Az opera a barokk kortól a romantikus korszakig önálló zeneművek (" számok ") sorozata, amelyeket recitatívok vagy (a Singspielben ) beszélt párbeszédek kötnek össze és folyamatos cselekményt képviselnek . A drámához hasonlóan az opera felosztható felvonásokra , képekre , jelenetekre vagy megjelenésekre . Az opera zenei elemei sokfélék:

Instrumentális zene

Zárt lírai formák

  • Az ária általános kifejezés az opera összes szólóénekének. Egyéb elnevezések szólódarabokat vannak Lied , Cavatine , Couplet , Ariette , Romance , Ballada . A virtuóz olasz áriáknak volt egy díszes végső mozgása, amelyet kabalettának hívtak. Az áriák gyakran az opera legnépszerűbb és legismertebb részei, és külön-külön adják őket, néha megelőző recitatívummal, az operahelyzeten kívül. Az ária gyakran leírja az énekes alakzat érzelmi állapotát, emlékeit vagy gondolatait, és így a drámai cselekvést mozdulatlanná teszi.
  • Együttesek vannak énekek több egyéni hangok: duett , trió , kvartett stb Mivel a 18. század végén, a nagyobb együttesek gyakran kialakult a finálé egy aktus , és továbbra is az eredménye, mint a Don Giovanni (1787) által W. A. Mozart .
  • A kórus változást kínál a szólódarabokhoz képest, és a 19. században gyakran hagyja, hogy az emberek elmondják véleményüket. Egyes operákban felveheti a szóló darabokat a háttérben, mint Antonio Salieri a Les Danaïdes-ban (1784), Gioachino Rossini Moïse et Pharaon (1827) vagy Modest Mussorgsky Boris Godunov (1874).
  • A 17-18. Századi francia vaudeville különleges helyzetben van . Század, egy jól ismert versdal, amelyet felváltva énekelnek , gyakran közös refrénnel , például Mozart Die Entführung aus dem Serail (1782) fináléjában .

Műveletorientált részek és számok

Jól megkomponált nagy forma

A 19. században megkérdőjelezték a számok szétválasztását, a recitatív és az ária megkülönböztetését. 1825-től a secco recitatív fokozatosan eltűnt , az olasz irodalomban a scena ed aria elve váltotta fel , amelyet Giuseppe Verdi az aktusok nagyobb zenei egésszé formálásához használt . A század közepétől Richard Wagner a számszerkezet elhagyását propagálta a vezérmotívumok alapján kialakított , jól megkomponált egész javára . Wagner operái esetében a zenés dráma kifejezés bevált , a " végtelen dallam " kulcsszó a zenei és érzelmi fejlődés folyamatos előrehaladását jelenti, amelynek véleménye szerint érvényesülnie kell a zenei táncformákkal szemben. Wagner a Tristan und Isolde (1865) című operáját „cselekmény a zenében” jellemezte, amelynek emlékeztetnie kell az eredeti „favola in musica” vagy „dramma per musica” operai kifejezéseket.

Az átkomponált formát általában a 19. század végén preferálták, szintén Jules Massenet és Giacomo Puccini , és továbbra is a korai modernizmus és a neoklasszicizmus domináns modellje maradt , amely törékeny struktúrákkal és a korai operatörténet formáira való hivatkozásokkal kísérletezett. Alaposan megkomponált operák önálló részei koncerteken is fellépnek, például a Puccini-operák számos ariája. Richard Straussot a jól megkomponált nagyszabású forma mesternek tartják, aki különösen ezt mutatta be a Salome , az Elektra és az Ariadne auf Naxos egyfelvonásosaiban .

A 20. században sok zeneszerző visszatért a számelvre, például Kodály Zoltán , Igor Stravinsky vagy Kurt Weill . A számopera operettekben és musicalekben is folytatódik .

Opera seria és Opera buffa

Az opera történetében többnyire „magas” és „alacsony” stílus létezik, amely a tragédia és a komédia ősi megkülönböztetésén alapul . Ez azonban nem mindig jelent határvonalat a komoly és a vicces között. A „magas” stílus emellett az „alacsonyabb” fölé is emelkedhet egyszerűen antik anyagok vagy nemes alakok, vagy egy „irodalmi” modell révén, amelyet komolyan kell venni, vagy a „nehéz” (vagy pusztán a megkomponált ) zenén keresztül. Mindezeket az értékesebb jelzéseket a történelem során megtámadták. Voltak olyan műfajok, amelyek megpróbálták gyengíteni a kontrasztot, például az opera szemiszériája.

Amíg az opera még mindig kísérleti stádiumban volt, mint a 17. század elején, addig nem volt szükség különválasztásra. Csak akkor jött létre, amikor az operaelőadások elterjedtek, és társadalmi okokból: a komoly opera arisztokrata személyzetet és „magas” politikai szimbolikát tartalmazott, a képregény polgári karaktereket és „jelentéktelen” mindennapi cselekedeteket tartalmazott. Fokozatosan az Opera seria és a Tragédie lyrique elvált komikus közjátékuktól , amelyekből az Opera buffa és az Opéra-comique került elő . Ez a különválás csak a 18. század végén szakadt meg: Mivel az állampolgárok már nem akarták, hogy komikus (azaz nevetséges) módon jelenítsék meg őket a számukra szánt „alsó” opera műfajban, a képregényből gyakran szentimentális és értékelik. Ezért a „furcsa operák” gyakran nem viccesek. Miután a francia forradalom , az osztály záradékot feloldjuk és a polgári operák hagytuk, hogy „komoly”. Így a tragédia és a vígjáték között a 19. században más-más határvonalak alakultak ki, mint a 18. században.

Mind a tragikus, mind a komikus alkotások gyűjtőfogalma az olasz dramma per musica , ahogyan az operát annak kezdeteiben hívták. Egy példa a korai komoly opera Odüsszeusz hazatérése által Claudio Monteverdi . A súlyos követelés az ősi színházi anyagok - különösen a tragédiák - és az epikus hősköltemények igénybevételéből ered . A későbbi 18. század óta újabb történelmi témák váltották fel őket. A 19. századi Olaszországban a dramma kifejezést használták a melodramma kompozícióban, és már nem kapcsolódott az ősi drámához. Mind Bellini tragikus operája, a Norma, mind pedig Gaetano Donizetti L'elisir d'amore című komikus operája így kapta a nevét.

"Magas" stílus

Az opera seria csak a XVIII. A vegyes formákat vagy a tragikomikus tartalmat ezzel a címmel kizárták. A Händel Radamisto című operája tipikus mű. Olaszország Olaszország ellenpólusaként az opera seria Tragédie lyrique címet adta , amelyet nagyrészt Jean-Baptiste Lully és a XIV . Lajos udvarában tartott balett , később Jean-Philippe Rameau befolyásolt . A francia forradalom után a nagyopera fokozatosan polgári, komoly operaként honosodott meg. Ezek közé tartozik A hugenották által Giacomo Meyerbeer , valamint a kevésbé sikeres alkotások, mint A trójaiak által Hector Berlioz .

Az érettebb Richard Wagner ( A Nibelung gyűrűje ) jól megkomponált zenei drámájának nagy nemzetközi hatása volt. A korabeli francia zeneszerzők, mint például Massenet , viszont egy átlátszó és hangos operastílust választottak, amelyre a drame lyrique kifejezést használták. Még Debussy is használta ezt a kifejezést Pelléas et Mélisande című operájához .

Az opera anyaga mindig regényekből , novellákból vagy színpadi művekből származott . A 18. századi olasz opera zenébe öltözött irodalomnak tekintette magát . Azóta a zene abszolút túlsúlygá vált, vagyis a 19. század vége óta rendkívül irodalmi operákként irodalmi operaként ismerik . Halál Velencében által Benjamin Britten alapján a Thomas Mann egy nagyon hű fordítása Az irodalmi anyag zenét.

"Alsó" stílus

Az opera buffa a vidám opera eredeti formája. A Pergolesi-féle La serva padronát a 18. század közepe táján tekintették vezető példának. Késő példa erre az Il barbiere di Siviglia , Gioachino Rossini . A kivételesen vidám operákat gyakran kevésbé értékelték, mint a szentimentális operákat. Szövetei népszerű színházból származnak, és az olasz Commedia dell'arte nagy hatással van rá .

A francia opéra-comique ( műfaj ) a korai opera buffából került elő , amely a forradalom előtt egyre inkább magabiztos polgárság operájává vált. Eleinte ezt inkább dalos játéknak ( vaudeville ) értették . De a zenei rész nőtt és kezdett eluralkodni. A német nyelvű Singspiel került elő az Opéra-comique-ból . A Singspielnek gyakran népszerű, polgári jellege van, egyszerű dal- vagy rondo- formák jellemzik , és szavalásos párbeszédeket használ recitatívok , esetenként melodrámák helyett a zenei számok között.

A bíróság beszélt franciául. A német operával a 18. és bizonyos mértékben még a 19. században is az volt a probléma, hogy népnyelvű operaként az "alsó" műfajhoz tartozott, és érvényesítenie és emancipálnia kellett magát. A Szöktetés a szerájból által Wolfgang Amadeus Mozart egyik legismertebb Singspiele ezzel a céllal. Mozart összetettebb zenei formákat is használ az áriákhoz. Az a munka, amelyet II . József császár bízott meg nemzeti énekjáték létrehozásával és amelyet 1782- ben mutattak be a bécsi Burgtheaterben , meghatározó jelentőségű volt a német opera fejlődése szempontjából.

Században az operatörténet vezetője volt Párizs, és olyan olaszok is idejöttek, mint Rossini és Verdi. Az Opéra-Comique , amit végre a házban az Opéra-Comique is maradt másodlagos , hogy az újonnan létrehozott, alaposan álló Grand Opera , amit végre a Opéra - mégpedig a zenei jelentőségét, mint a társadalmi jelentősége. Az említett okok miatt nem kellett feltétlenül vidámnak lennie. A német nyelvterületen is ismert komikus és maudlin operakomikus példája Adolphe Adam Lonjumeau által készített Postillon . Az alkotások egy csoportja, amelyet formálisan 1860 után még Opéra-comique-nak hívnak, megerősítette a szentimentális alapszerepet ( pl . Ambroise Thomas Mignon ). Szentimentális elem található Rossini néhány komikus operájában ( La Cenerentola ) is.

A megújulás az opera-Comique sikerült a Carmen által Georges Bizet , akinek dráma irányába mutat a Verismo opera. Vele - a proletár alakoktól eltekintve - a csalárdság az "alsó" stílus jellemzője volt.

Nagy opera - kamaraopera

A "méret" a magas vagy alacsony stílus jele is lehet. Néha a „nagyopera” kifejezést alcímként használják egy műhöz. Ez azt jelenti például, hogy a zenekarnak és kórusnak nagy szereposztásban kell játszania és énekelnie, vagy hogy az opera egy teljes hosszúságú mű, integrált balett mellett. Ezek olyan operák, amelyeket csak egy nagyobb színházban lehet előadni, és amelyek eltérhetnek az utazó csapatok repertoárjától. Egy példa a „nagy opera” az Manon által Jules Massenet .

A kamaraopera kifejezés viszont olyan munkára utal, amely kevés személyzettel valósítható meg. Az énekesek száma általában nem több, mint öt, a zenekar kamarazenekarra korlátozódik . Ez az anyagi szegénység nehézségéből fakadhat, és így utalhat az „alacsonyabb” műfajra, vagy éppen ellenkezőleg, egy „magasabb” műfaj nagyobb kizárólagosságát és koncentrációját jelentheti. A színpad is gyakran kisebb, ami hozzájárulhat az intimebb légkörhöz, ami előnyös a munka hatására. Példák lenne Albert Herring szerint Benjamin Britten vagy „Les Larmes de Couteau” által Bohuslav Martinů .

Műfaj vagy csak felirat?

Néhány opera-zeneszerző ellenállt a műfaji hagyományokba történő besorolásnak, vagy szándékosan hivatkozott műveire bizonyos feliratokkal kapcsolatban. Wagner Trisztán és Izolda hordoz, például a „cselekmény zene”, Luciano Berio felhasználhatja munkája Passaggio találhatóak a „Messa Scena” ( „staging”). George Gershwin Porgy és Bess című művét "Amerikai népoperának" minősítette. Annak érdekében, hogy elhatárolódjanak a klisés ötletektől, a modern zeneszerzők gyakran részesítik előnyben az alternatív neveket, mint például az "azione scenica" ( Luigi Nono Al Gran sole carico d'amore ) vagy az "azione musicale" ("zenei aktus", Luciano Un re in ascolto) Berio). Még Peter Csajkovszkij híres operáját, az Eugene Onegin- t is „Lírai jeleneteknek” nevezte a zeneszerző.

Egyéb speciális formák

A 2016 Richard Geppert írta a német rock-opera Freiheit a zenei kifejezési és eszközei rockzene .

Van néhány példa olyan operákra - köztük John Corigliano 1991-ben bemutatott Versailles-i szellemek című művére -, amelyek formai szempontból önreferenciák , mivel maguk tartalmaznak drámát vagy operát.

Az opera előadási gyakorlata

repertoár

Tekintettel arra, hogy az opera műfaját nem mindig könnyű megkülönböztetni a többi zenei műfajtól és műfajtól, valamint a pasticcios gyakorlását , az opera repertoárjának általános terjedelméről szóló nyilatkozat számos nehézséggel jár. A jelenlegi listák mintegy 5800–6000 ismert művet feltételeznek. Ha beleszámítjuk az elvesztett és elveszett művek nem elhanyagolható számát, különösen a 18. század és a 19. század eleje óta, összesen mintegy 60 000 operának kell reálisnak lennie.

Katarina Karnéus Serse néven a Svéd Opera Stockholmban, 2009

A művek nagy száma nem teszi könnyűvé a színházak és az operaházak számára a magas színvonalú és megfelelő közönség megtalálására alkalmas válogatás elkészítését. A színház méretétől és a meglévő költségvetéstől függően a művészeti vezető és a dramaturgia a színház minden részlegéhez (színjátszás, zenés színház, balett, gyermekszínház, bábszínház stb.) Kidolgozott ütemterv alapján alakították ki a házat és annak alkalmazottait. A program figyelembe veszi a hely regionális sajátosságait és előadási hagyományait - például szabadtéri fesztiválok, karácsonyi vagy újévi koncertek révén -, ugyanakkor jelzi a zenei színház aktuális trendjeit kortárs művek előadásával is. A ház méretétől függően különböző operákat rendeznek újra egy évad alatt . Egy új opera első nyilvános előadását premiernek , az operának egy új produkcióban való első nyilvános előadását premiernek nevezik .

Apránként kialakult egy kipróbált, többé-kevésbé szűk operakanon, amelyek rendszeresen szerepelnek a programban. Körülbelül 150 opera alkotja ezt a nem rögzített kánont. Ennek megfelelően különösen a jellemző szekció érdeklődése a már jól ismert művekről tolmácsolásukra tolódott át, a színpadiasítás előtérbe költözve. A közönség gyakran összekapcsolja kedvenc operáit bizonyos hagyományokkal, amelyek némelyike ​​fagyos a konvenciókban , és ellentmondásos módon reagál a radikális értelmezési megközelítésekre (rendezői színház ).

Az előadások nyelve

Az 1960-as évek közepéig az operákat többnyire az előadás helyének helyi nyelvén adták elő. A németországi Verdi-operákat németül, az olaszországi Wagner-operákat pedig olaszul énekelték, ezt a rádió- és televíziós felvételek is mutatják. Már előtte is voltak olyan színházak, amelyek eredeti nyelven adtak elő operákat, például a New York-i Metropolitan Opera . A salzburgi fesztivál mindig csak eredeti nyelven mutatta be az operákat. A milánói La Scalával kötött szerződés alapján , amelyben olasz énekesek vállalták, hogy a Bécsi Állami Operaházban is énekelnek, Herbert von Karajan 1956-ban bevezette az eredeti nyelvű operák előadásának elvét. Azzal az érvelésével, hogy a szó és a zene egysége elveszett egy másik nyelvre való fordítás során, az operákat fokozatosan, egyre inkább eredeti formájában adták elő. Az egyre nemzetközivé váló lemez- és énekespiac is döntő mértékben hozzájárult ehhez a fejlődéshez. Az NDK-ban viszont még mindig nagy fordítási hagyományok voltak, de az új fordítások (pl. Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) megpróbálták az eredeti tartalmát pontosabban, nyelvileg sikeresebben és mindenekelőtt zeneileg jobban lefordítani. megfelelően. Ma szinte az összes nagyobb operaházban az operákat eredeti nyelven, egyidejű felirattal adják elő .

Sok kisebb színházban, különösen Kelet-Németországban, még mindig vannak német előadások. Néhány városban számos operaház is működik (pl. Berlin, München, Bécs), amelyek közül az egyik operákat ad elő fordításban, például a Volksoper Wien , a Komische Oper Berlin , a müncheni Staatstheater am Gärtnerplatz vagy Londonban az English National Opera . Időről időre létezik engedélyezett fordítás is (mint például Leoš Janáček operáinak esetében , amelyek német szövege Janáček barátjától, Max Brodtól származik, így a német szöveg is eredetinek tekinthető). Az eredeti nyelven való fellépés mindig nehéz, ha párbeszédek zajlanak a műben. Itt is vannak vegyes formák, vagyis a beszélt szövegeket lefordítják, de az énekelt hangok eredeti nyelven szólnak. A lefordított zenés színházi előadás ezért széles körben elterjedt az énekes , az operett és a musical területén . A színház dramaturgiája felelős az idegen nyelvről történő pontos fordításért. Ha a répétiteurok nyelvtudását elmélyíteni akarják, akkor az idegen nyelvre szakosodott edzőket is igénybe vesznek.

Lásd még

irodalom

Könyvek

Szaklapok

web Linkek

Wikiszótár: Opera  - jelentésmagyarázatok, szóeredetek, szinonimák, fordítások
Commons : Opera  - képek, videók és hangfájlok gyűjteménye
Wikiforrás: Opera  - Források és teljes szövegek
Wikiquote: Opera  - Idézetek

Egyéni bizonyíték

  1. Wilibald Gurlitt , Hans Heinrich Eggebrecht (Szerk.): Riemann Zenei Lexikon (tantárgyi rész) . B. Schott fiai, Mainz 1967, p. 654 .
  2. ^ Arnold Jacobshagen : "Musiktheater" (PDF) Német Zenei Információs Központ .
  3. Összefoglaló: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . In: Carl Dahlhaus (Szerk.): Piper's Enzyklopädie des Musiktheater . 4. kötet, München, 1991, 253-259.
  4. ^ Johannes Jansen: Crash tanfolyam opera . 127. o., "Indulás a modern korba".
  5. Statisztika 2017/18. Operabase ; megtekintve 2018. június 14-én.
  6. Roswitha Frey: "A valóság utolért minket" . Badische Zeitung , 2016. március 18.
  7. Versailles szellemei. Letöltve: 2019. július 7 .
  8. Kurt Pahlen : Az új opera lexikon. Seehamer, Weyarn 2000, ISBN 3-934058-58-2 , 9. o.