Opera

Maria Callas, az opera sztárja

Mivel az opera (az olasz opera a musicában , "zenemű") egy 1600 -ra létrehozott (a barokk korszak kezdetével) 1639 óta a színház zenei műfaját jelenti . Ezenkívül az operaházat (az előadás helyét vagy a produkciós intézményt) vagy az előadó társulatot operának is nevezik .

Az opera egy drámai vers zenéjéből áll, amelyet éneklő együttes , kísérőzenekar , néha kórus és balett együttes ad elő . Az éneklés mellett a színészek drámát és táncot adnak elő egy színházi színpadon , amelyet festészet , építészet , kellékek , világítás és színpadtechnika segítségével alakítottak ki . A színészek szerepét a maszk és a jelmez teszi világossá. A musical karmestere , a vezetőség igazgatója és a berendezés színpadi tervezője művészi vezetők . A háttérben támogatja a dramaturgiát .

Elhatárolások

Az operát tánc, musical és operett foglalja össze a zenés színház kifejezés alatt . A kapcsolódó műalkotások határai folyékonyak, és minden korszakban újradefiniálják magukat, többnyire bizonyos nemzeti preferenciák tekintetében is. Ily módon az opera, mint műfaj életben marad, és folyamatosan kap új ötleteket a színház legkülönbözőbb területeiről.

Opera és dráma

A dráma abban a szoros értelemben, hogy az emberek csak a színpadon beszélnek, ritka a színház történetében . A zene, a szavalás és a tánc vegyes formája volt a szabály, még akkor is, ha időnként írók és színházi emberek igyekeztek megmenteni vagy megreformálni a drámát. A 18. század óta a dráma és az opera között vegyes formák bontakoztak ki az opéra-comique különféle változataiból , mint például a balladaopera , a singspiel vagy az énekléses bohózat . Mozart Singspiele -jét operához rendelték, Nestroy -ját pedig színdarabnak. A határon mozogjon z. B. Brecht / Weill műveit is , akiknek hárompontos operája közelebb áll a drámához, míg Mahagonny városának felemelkedése és bukása opera. A drámának teljesen alárendelt zenét drámazenének nevezik .

A 19. század eleje óta a drámához kapcsolódó színház széles körben elterjedt formája volt a melodráma , amely ma csak a népszerű filmekben van jelen. Nagy hatással volt az akkori operára kalandanyagaival. Helyenként háttérzenét tartalmazott háttérzeneként a színpadi fellépéshez (kevesebb a beszélt szöveg). Erre utal a ma is ismert melodráma kifejezés . Ilyen háttérzene megtalálható például Mozart Idomeneo -jában , Ludwig van Beethoven Fidelio -jában , Weber Der Freischütz -jében (a Wolfsschluchtszene -ben) és Humperdinck Königskinder -jében .

Opera és balett

A francia hagyomány szerint a táncot a barokk kor óta integrálták az operába. A klasszikus balett a 19. században igyekezett megszabadulni ettől a kapcsolattól, de a 20. századi neoklasszikus művek, például Igor Stravinsky vagy Bohuslav Martinů , megerősítik az opera és a balett kapcsolatát. Az olasz opera sem nélkülözte a táncot, bár a tánc nem dominált ugyanolyan mértékben. Ma a repertoárművek balettjei és Divertissementjei többnyire kimaradtak a partitúrákból, így létrejön a sorok szétválasztásának benyomása .

Opera és operett / musical

Az operett műfaja és a kapcsolódó formák, mint például a zarzuela , mint a Singspiel továbbfejlesztése , megkülönböztetik az operát, amely a 19. század közepétől kezdve egyre inkább komponált, a beszélt párbeszédeken keresztül, de túlnyomórészt szórakoztatási követelmények és a népszerűség vagy a kereskedelmi siker elsődleges gondja. Ez a határvonal csak a 19. század végén bontakozott ki: amikor a „képregényopera” az „alacsonyról” a „magas” műfajra változott, az operett új „alacsony” műfajként jelent meg. Ugyanez vonatkozik a musicalre , a népszerű zenés színház továbbfejlesztésére az Egyesült Államokban. Az operettek és a musicalek azonban nem kevésbé művészeti formák, mint az opera.

sztori

őstörténet

Antikvitás

Még az ókori görög színházban is a festői akciót ötvözték a zenével. A modern opera többször is hivatkozott erre a modellre, és mivel az előadási gyakorlatból keveset adtak át, sokféleképpen tudta értelmezni. Az éneklő és táncos kórus nagy szerepet játszott, epizódokra osztva a drámát , vagy feladata volt a cselekmény kommentálása. A rómaiak inkább komédiát műveltek, mint tragédiát . A Mimusban és később a pantomimban nagy volt a zene aránya. A római színházak 6. századi pusztulása és a késő ókorban a könyvek elvesztése miatt számos forrás elveszett róla.

A 20. század eleje óta azonban számos ősi épületet, különösen amfiteátrumokat és színházakat használtak opera -előadásokra. A legismertebbek az Orange -i Théâtre Antique (1869 óta megszakításokkal), az Arena di Verona (1913 óta), az athéni Herodes Atticus Odeon (az 1930 -as évektől), a római Caracalla -fürdő (1937 óta) és a Római kőbánya Szent Margit (1996 óta).

Közép kor

A középkorban a húsvéti szentmise alapján az énekelt cselekvés új hagyománya alakult ki. A lelki játékra először a templomban került sor, majd a 13. században passiójátékként vagy felvonulási játékként a templomon kívül. Népszerű témák voltak a bibliai húsvéti és karácsonyi események, szintén komikus közjátékokkal. A dallamokat gyakran továbbadják, a hangszerek használata valószínű, de ritkán ellenőrizhető. Az udvari szférában voltak olyan világi darabok, mint Adam de la Halle dallamos Jeu de Robin et de Marion (1280).

reneszánsz

Gyártási tervezés Orpheus és Amphion számára, Düsseldorf 1585

A farsang ideje , amely később a hagyományos operaszezonná vált, a 15. század óta lehetőséget adott zenei és színházi akciókra, amelyek az akkori legnagyobb európai városokból származtak Olaszországban: az intermedia , a táncjátékok, a maszk és a diadalparádé az olasz reneszánsz városi reprezentációjának . A madrigál a vokális zene legfontosabb műfaja volt, és gyakran táncokhoz társították.

A francia királyi udvar jelentőségre tett szert Olaszországhoz képest a 16. században. A Ballet comique de la reine 1581 táncos és énekelt felvonás volt, és az opera fontos előfutárának tekintik.

Egy korai kísérlet Németországban, hogy végre egy drámai telek énekel főszereplői egy díszlet a teljesítménye Orfeusz és Amphion egy szimultán színpad alkalmából a Jülich esküvő a Johann Wilhelm von Jülich-Kleve-Berg a Margravine Jakobe von Baden ben Düsseldorf 1585 -ben . A nem átadott zene lehetséges zeneszerzőjét Andrea Gabrieli -nek hívják . A zene annyira gyönyörű volt, "hogy ugyanaz volt, mint a dazumahl present / nit /, és azok, akiket a Musicum koncentum és Symphoniam hallottak / hisznek." A történet természetesen elsősorban a fejedelmi tükör allegóriája volt .

eredet

Firenzei Camerata

A mai értelemben vett opera Firenzében keletkezett a 16. század végén . A firenzei Camerata egy tudományos vitafórum , ahol költők (például Ottavio Rinuccini ), zenészek, filozófusok, arisztokraták és a mecénás - eredetileg átvette ezt a szerepet, gróf Bardi , később gróf Corsi  - fontos szerepet játszott a történelem annak létrehozását . Ezek a humanisták igyekeztek feleleveníteni az ősi drámát , amely szerintük énekes szólisták, kórus és zenekar is volt. A 16. századi lelkipásztori drámák után a librettót az akkori zenei eszközökkel tervezték és zenélték meg. Vincenzo Galilei ebbe a csoportba tartozott. Ő fedezte fel a himnuszok által Mesomedes , amelyek elveszett ma, és írt egy értekezést ellen holland polifónia . Ez egyértelműen bizonyította a kívánt zenei stílust, az akkor új szólóhangot hangszeres kísérettel.

A vokális zene szövegének megértése volt a legfontosabb a firenzei Camerata számára. A világos, egyszerű énekszólama nyilvánították az ideális, amely a takarékos basso -Begleitung kevés és finom eszközökkel, mint a lant vagy csembaló kellett alárendelni. A jól kidolgozott dallamötletek nem voltak kívánatosak, nehogy eltakarják a szavak tartalmát az éneklés. Szó esett még a „nobile sprezzatura del canto” -ról ( Giulio Caccini : Le nuove musiche , 1601), a „dal nemes megvetéséről”. Ezt az énektípust recitar cantando -nak hívták, éneklésnek . A recitar cantando egyszerűsége és korlátozottsága ellentétben áll az uralkodó többszólamúsággal a bonyolult jegyzet- és szövegrétegekkel. A monodiával , ahogy ezt az új stílust az ókorra hivatkozva hívták, a szónak ismét teljes jogában kell lennie. Kialakult az affektusok elmélete , amelyet az énekelt szövegen keresztül lehetett továbbítani. Choirs madrigál formában , vagy egy motetta csatlakozott a monódia az egyes vokális részek . A zenekar ritornellákat és táncokat játszott .

Az opera műfajában az első mű Jacopo Peri La Dafne című darabja (premierje 1598 -ban) Ottavio Rinuccini szövegével , amelyből csak néhány töredék maradt fenn. Más fontos művek a korai napok Peris Euridiké (1600), mint a legrégebbi fennmaradt opera, valamint Euridiké (1602) és az Il Rapimento di Cefalo által Giulio Caccini . E korai operák témái a pásztorköltészetből és mindenekelőtt a görög mitológiából származtak . A csodák, a varázslat és a meglepetések, amelyeket a bonyolult színpadi gépek képviselnek , népszerű alkatrészekké váltak.

Monteverdi

Claudio Monteverdi

Claudio Monteverdi első L'Orfeo című operája (1607) különös figyelmet keltett . Franciaország IV. Gonzaga születésnapja alkalmából , 1607. február 24 -én mutatták be Mantovában. Elődeihez képest először itt hallható gazdagabb hangszerkészlet (bár többnyire csak a partitúrában utal rá), kibővített harmónia , a szavak és alakok hang- pszichológiai és képi értelmezése, valamint egy olyan hangszer , jellemzi az embereket . Trombiták használnak, például az alvilág és a halál jelenetek, húrok alszik jelenetek, a főszereplő Orfeo egy szerv fa regiszterek ( szerves di Legno ) használunk.

Monteverdi: Penelope „Di misera, regina” áriája az Il ritorno d'Ulisse in patria -ból

Monteverdi áriaszerűbb stílusra terjeszti ki a recitar cantando énekvonalat, és nagyobb súlyt kölcsönöz a kórusoknak. Késői művei, az Il ritorno d'Ulisse in patria (1640) és a L'incoronazione di Poppea (1643) drámájukat tekintve az operatörténelem csúcspontjai. Még ebben az utolsó operában, Monteverdi L'incoronazione di Poppea című művében is megtalálható a három allegorikus alak prológusa, amelyet a Fortuna the Virtù (erény) mutat. Az akció többi része a földi világban zajlik Nero római császár , szeretetlen felesége, Ottavia és Poppea , Ottone praetor felesége körül . Ez lesz Nero felesége és császárné. Nero brutális karakterét egy castrato és ennek megfelelően virtuóz zene képviseli, Ottone viszont lágynak tűnik, Nero méltó tanára és tanácsadója, Seneca pedig a basszushangot kapja. A bel canto éneket és a koloratúra gazdagságát a nemesség és az istenek, a többi nép számára egyszerűbb ariosi és dalok használják.

17. század

Olaszország

San Carlo di Napoli Színház , 1735

1637 -ben megnyílt a velencei Teatro San Cassiano , mint az első nyilvános operaház. Gyors egymásutánban új helyszínek jöttek létre, és Velence a „Velencei Operával” Észak -Olaszország opera központjává vált. A történelmi ábrázolások hamarosan kiszorították a mitikus témákat, mint például a L'incoronazione di Poppea (1642) című operában , amely még mindig a Claudio Monteverdis nevet viseli, bár Alan Curtis óta végzett kutatások tárgyalták, hogy inkább paszticióról van -e szó a híres nevekről .

Ezen operák közönségét elsősorban a nem arisztokrata osztályok tagjai alkották. A játéktervet a pénzügyi arisztokrácia határozta meg a közönség ízlése alapján . Ebben az összefüggésben az akadémiákból előkerült operát kereskedelmi forgalomba hozták és egyszerűsítették, a zenekar pedig csökkent. A da capo áriát hosszú ideig recitatív formájú szólóéneklés előzte meg , a kórusokat és az együtteseket lerövidítették. Hibák és intrikák alkották a cselekmény alapszerkezetét, amelyet a népszerű mellékszereplők képregényes jelenetei gazdagítottak. Francesco Cavalli és Antonio Cesti voltak a Monteverdit követő generáció leghíresebb velencei operaszerzői. Giovanni Francesco Busenello és Giovanni Faustini írókat stílusformálónak tartották, és gyakran utánozták.

Az 1650 -es évek óta Nápoly városa lett Olaszország második operaközpontja, amelyet az arisztokrácia íze erőteljesebben befolyásolt. A zeneszerző Francesco Provenzale a nápolyi opera alapítója . A következő generációban Alessandro Scarlatti a nápolyi iskola úttörője lett .

A librettisták pénzhez jutottak, ha tankönyveket adtak el, amelyeket viaszgyertyákkal együtt osztottak szét, hogy az előadás előtt végigolvassák. Sokáig a reneszánsz humanizmus irodalma maradt az olasz operaszövegek mintája.

Az operákat csak bizonyos évszakokban adták (olaszul: stagione ): a farsang idején, húsvéttól a nyári szünetig és ősztől adventig. Helyette oratóriumokat játszottak a passió és az adventi időszakban . A Róma nemcsak a gép hatásokat és kórusok kaptak nagyobb súlyt, hanem a lelki tárgyak.

Párizs

A Paris , Jean-Baptiste Lully és a szövegírója Philippe Quinault kifejlesztett egy francia nyelvű változata az opera, a legkiemelkedőbb jellemzője, amely mellett a kórusok, a balett . Lully megírta Cavalli L'ercole amante (1662) című francia változatát, amelybe olyan baletteket illesztett be, amelyek elismertebbek voltak, mint az opera. Cadmus et Hermione (1673) az első tragédie lyrique, és a későbbi francia operák modellje maradt.

Az Olaszországból importált operát a tragédie lyrique visszaszorította. Ennek ellenére Lully utódai, Marc-Antoine Charpentier és André Campra megpróbálták ötvözni a francia és az olasz stílusi eszközöket.

Német nyelvterület

Az olasz modellek alapján a német nyelvterületen belül már a 17. század közepén kialakult egy önálló opera hagyomány, amely magában foglalja a német nyelvű libretti használatát is.

Az első operája „német” zeneszerző volt az (elveszett) Dafne által Heinrich Schütz 1627 , aki megismerte a zenei forma opera alatt tanulmányában marad Olaszországban 1609-1613. Alig néhány évvel később, Sigmund Theophil Staden első fennmaradt német nyelvű operáját 1644-ben írták, Georg Philipp Harsdörffer librettója alapján. A szellemi erdei vers vagy örömjáték , Seelewig , lelkipásztori didaktikus darab a a reneszánsz moralizáló iskoladrámája .

Röviddel a harmincéves háború után az operaházak egyre inkább központi találkozóhelyekké és képviseleti helyekké váltak a német nyelvterületen is vezető társadalmi rétegek számára. A vezető hercegi és királyi házak központi szerepet játszottak, egyre inkább saját udvari színházaikat és a hozzájuk tartozó művészeket, akik általában a (gazdag) nyilvánosság számára is nyitottak voltak. München 1657 -ben, Drezda 1667 -ben kapta meg első operaházát.

Köznemesek, d. H. Ezzel szemben a „nyilvános és népszerű” operaházak, amelyeket városok és / vagy polgári magánszereplők finanszíroztak, például Velencében, csak Hamburgban (1678), Hannoverben (1689) és Lipcsében (1693) léteztek . Szándékosan ellentétben a „nemes” házakban zajló művelettel, amelyet az olasz nyelvű operák uralnak, különösen a Gänsemarkt-i Hamburgi Opera , mint Németország legrégebbi polgári operaháza, szándékosan támaszkodott a német nyelvű művekre és szerzőkre. Mint Händel , Keizer , Mattheson és Telemann . A 18. század elejétől ezek önálló német nyelvű operát és énekes hagyományt alapítottak olyan költők, mint Elmenhorst , Feind , Hunold és Postel német nyelvű librettjeinek felhasználásával . Hamburg fontosságát az önálló német nyelvű operahagyomány kialakulása szempontjából az operaelméletről szóló két korabeli írás is aláhúzza: Heinrich Elmenhorst Dramatologia (1688) és Barthold Feind Gedancken az operából című műve (1708).

Anglia

Az Angliában az opera elterjedt viszonylag későn. Az Erzsébet -kori színház uralkodó zenei színházi formája a maszk , a tánc, a pantomim, a beszélt színház és a zenei közjátékok kombinációja volt, amelyben a megzenésített szöveg általában nem volt közvetlen kapcsolatban a cselekménnyel. A zenei és színházi előadások puritán tilalma után 1642 -ben csak az 1660 -ban kezdődött Stuart -restauráció után jött létre újra színházi élet, amelybe az operát integrálták.

Minden szempontból egyedülálló mű Henry Purcell Dido és Aeneas című egyórás operája (valószínűleg 1689-ben mutatták be, librettója: Nahum Tate ). A zeneszerző átveszi a francia és az olasz opera elemeit, de kifejleszti saját hangnyelvét, amelyet elsősorban az jellemez, hogy nagyon közel marad a szöveghez. A kórusszakaszok és a táncszerű szekciók ellentétben állnak a főszereplők arioso-passzusaival, amelyek szinte áriás formák nélkül gazdálkodnak. A változó hangulatokat és helyzeteket zenei eszközökkel pontosan reprodukálják; az utolsó jelenet, amikor Dido karthágói királynő összetört szívben hal meg a trójai hős, Aeneas iránti boldogtalan szerelem miatt, az operairodalom egyik legmeghatóbbja.

18. század

Általános fejlődés

A 18. század folyamán kétféle opera alakult ki: A kialakult opera seria mellett, mint olyan forma, amelyet elsősorban a nemesség reprezentációs és legitimációs igénye visel, amely többnyire mitológiai vagy történelmi anyagokon és személyzetén alapul az istenekből, félistenekből, hősökből, hercegekből és saját szeretteikből és szolgáikból, az opera buffa 1720 körül alakul ki , kezdetben durva komikus cselekedetekkel, amelyek polgári érzelmekké fejlődnek.

Franciaországban az udvari tragédie lyrique , régebbi olasz operákhoz képest teljesebb hangszereléssel, és a párizsi vásári színházból származó opéra-comique verseng az olasz operákkal . Ezek a műfajok Franciaországon kívül is saját nyelvükön ösztönzik az operaelőadásokat, helyi ellensúlyként a mindenütt jelen lévő olasz virtuózoknak.

Marco Ricci : Operapróba , 1709

A stílus- meghatározó tendencia kezdődött Olaszországban a második negyedévben a 18. század volt, hogy az eredetileg Dramma per musica be egy áriát concerto vagy több opera rögzített tartalom és a zene. Egy másik központi fejlemény a 18. század első felében az öt részre nőtt da capo áriák felosztása az AA'-B-AA 'szekvenciával meghatározott alcsoportokra:

  • Aria di bravura (bravura ária ) pazar koloratúrával;
  • Aria cantabile gyönyörű sorokkal;
  • Aria di mezzo carattere jellegzetes zenekari kísérettel;
  • Aria concertata koncerthangszerekkel;
  • Aria parlante , amely erőszakos érzelmi kitöréseket ír le.

Az est sztárja egy virtuóz ária baule -t (" bőröndária ") is be tudott illeszteni , amelynek semmi köze a cselekményhez. Az ilyen áriákat könnyen fel lehet cserélni vagy többször is fel lehet használni. A bel canto -Gesang extrém magas hangokat, rugalmas trillákat és távolugrásokat tartalmazott a bemutató virtuóz vokális technikáihoz.

Pasticcio

Mivel a műhöz való hűség fogalma még nem alakult ki a 18. században, és a megrendelő és a közönség mindig új, soha nem hallott operákat akart, és mivel sok operatársaság gyakran korlátozott erőforrásokkal rendelkezett a hangszeresek és az énekesek tekintetében. században elterjedt előadási gyakorlat a különböző művek áriáinak és együtteseinek a lehető leghatékonyabb összeállításában, a meglévő felállástól függően, és a zenei számok ilyen sorozatának aláfestésével új szövegekkel és új cselekménnyel. Ezt az operatípust pasticcio -nak hívták ; Az operapasztició származhat egyetlen zeneszerző tollából, aki a korábbi művek meglévő számait használta fel, vagy különböző zeneszerzők műveiből állhat össze. Ez a gyakorlat azt jelentette, hogy egy operaelőadás cselekménye és hangulata a 18. század végéig - és egyes helyszíneken még az 1830 -as évekig - nem volt rögzítve, és állandó adaptációknak, változásoknak és változásoknak volt kitéve. A pasticcio gyakorlata azt jelentette, hogy a 19. század elejéig ugyanazon mű művei alig voltak olyan előadások, amelyek zeneileg vagy tartalmilag hasonlítottak az előzőhöz.

Szám opera

Az ebből fakadó káosz - amelyet a különböző elvárások egyidejű kielégítésének stratégiája generált - visszaverte az olasz librettistákat, Apostolo Zenót és Pietro Metastasiót . Ellenintézkedésként az 1730 -as évek végétől kezdve egyre inkább mellőzték a felesleges mellékes cselekményeket, a mitikus allegóriákat és a másodlagos karaktereket, és inkább a világos, érthető cselekményt és nyelvet részesítették előnyben. Ezzel megteremtették az alapot egy „komolyabb” operatípushoz, amely túlmutat az opera seria korábbi előadási gyakorlatán . Az erre a célra kifejlesztett cselekményséma fokozatosan belekeveri a főszereplőket egy látszólag megoldhatatlan dilemmába, ami a végén egy váratlan ötlet miatt jónak bizonyul ( lieto fine ). Mindkét szerző költői módon kezdeményezte az opera megújítását. A paszticcio önkénye ellenében megszámozták a zenei részeket, ami megnehezítette azok cseréjét. Ezen a módon jelentős mértékben hozzájárult a fejlesztés a szám opera annak rögzített sorrendben. Szigorú cselekménnyel rendelkező önálló műként az opera most képes volt ellenállni a drámának .

Opera buffa

Az opera buffa műfaja egyszerre jelent meg Nápolyban és Velencében, többnyire vidám és realista operatípusként. Egyrészt voltak független zenei vígjátékok, másrészt az 1730 -as évek elején az opera seria képregényes közjátékai , amelyekből Apostolo Zeno és Pietro Metastasio kizárta a képregényes elemeket úgy, hogy a közti közjátékokra kellett korlátozni őket. az aktusokat. Az opera Lo frate „nnamorato által Giovanni Battista Pergolesi , premierje szeptember 28-án, 1732 Teatro dei Fiorentini Nápolyban, és a művei Baldassare Galuppi , amelyek premierje a velencei a közép-1740-es és hoztak létre szoros együttműködésben Carlo A Goldonit stílusmeghatározó alkotásoknak tekintik .

Tartalmilag az Opera Buffa a Commedia dell'arte gazdag alapjából merített . A felvonások gyakran vegyes vígjátékok voltak, amelyek személyzete egy szerelmes nemes házaspárból és két beosztottból, gyakran cselédekből és cselédekből állt. Az opera seria-val ellentétben ez utóbbiak tűnhetnek fel főszereplőkként, akikkel egy polgári és szub burzsoá közönség azonosulni tudott. Az opera buffát az arisztokrácia is értékelte, akik alig vették komolyan a provokációikat.

Az Opera buffa fejlesztése az Opera semiseria -vá

A 18. század közepétől kezdve a vígjáték az opera buffában a mindennapi és korabeli cselekvésekre kezd átállni, amelyekben a nemesek már nem voltak sebezhetetlenek. Mozart Don Giovanniját (1787) eredetileg opera buffának tekintették, és csak a 19. században értelmezték újra, amikor a csábított polgári sorsot komolyan lehetett venni, és a nemes csábítót gazembernek tekinthették.

Ezeknek a változásoknak a megnyilvánulása az opera buffa továbbfejlesztése az opera semiseria típusává a 18. század végén, mert egy polgári közönség már nem akarta látni, hogy nevetnek a színpadon. Az opera buffa és francia társa, az opéra-comique mindennapi közelsége társadalmilag robbanásveszélyes volt a 18. század második felében. Ehhez kapcsolódott az a Buffonista -vita, amely Franciaországban történt 1752 és 1754 között . Jean-Jacques Rousseau a polgári „vidám” operátípust jobban értékelte, mint a magas arisztokrácia tragédie líráját. Elítélte a francia operát az olasz javára, és dühös reakciókat váltott ki.

Anglia

Az angol nyelvű világban Georg Friedrich Händel (anglicized George Frideric Handel) lett az egyik legeredményesebb operaszerző (több mint 45 opera). Londonban végzett munkája többek között nem hozta meg a kívánt üzleti sikert. a híres castrato Farinelli erős versenye miatt , aki a rivális opera -társulatban énekelt, és az elkötelezett primadonnák romboló díjai. A 20. században főleg Alcina , Giulio Cesare és Serse tért vissza a repertoárba, és az utóbbi évtizedekben sok más Händel -opera (köztük Ariodante , Rodelinda , Giustino ). Miután a korai zenei mozgalom során jobban megvizsgálták a történelmi előadási gyakorlatot , a nagy operaházakban stílusmeghatározó produkciókat is készítettek barokk szakemberek segítségével .

Jean-Michel Moreau : Le devin du village jelenete (1753)

Franciaország

A párizsi ellentmondásos opera buffa francia megfelelője az Opéra-comique volt . A recitatiókat szóbeli párbeszédek váltották fel. Ez a modell külföldön is sikeres volt. Az új egyszerűséget és az élethez való közelséget tükrözik a kisebb arieták és a noveveaux-i levegők is , amelyek a jól ismert vaudeville - kkel ellentétben újonnan készültek .

1752 -ben Franciaország új konfrontációt tapasztalt a francia és az olasz opera között, amely a buffonista vitaként ment a történelembe. Giovanni Battista Pergolesi La serva padrona című operája (németül: A szobalány úrnőként ) volt erre az alkalom. A hagyományos francia arisztokrata opera, különösen Jean-Jacques Rousseau és Denis Diderot mesterségessége és stilizációja ellen, akik megvédték magukat Rameau művészetével és stilizálásával . A szándékosan egyszerű Le devin du village (németül: Der Dorfwahrsager ) opera mellett Rousseau díjnyertes értekezést is írt Discours sur les sciences et les arts címmel (1750), amelyben a tudomány és a kultúra által romlatlan életet nyilvánítja legyen az ideális. Más zenei cikkeket írt a francia felvilágosodás híres átfogó enciklopédiájához . A buffonista vita végül a városból kizárt olasz operacsapat rovására ment. A vita így egyelőre véget ért, de a Grand Opéra népszerűsége tekintetében még mindig lemaradt az Opéra comique -tól.

Német nyelvterület

Schikaneder, mint az első Papageno , 1791

A Gänsemarkt-i opera 1738-as bezárása az olasz nyelvű operaüzlet további megerősödéséhez vezetett a német nyelvterületen, amely akkor már meghatározó volt. A hamburgi modell alapján azonban a 18. század közepétől egyre inkább meghonosodott az a gyakorlat, hogy francia és olasz operák előadásaira fordítják a recitatívokat németre, és - főleg zenei okokból - csak az áriák eredeti nyelvét tartják meg. A XVIII.

1780 körül Wolfgang Amadeus Mozart munkásságával a 19. századig tartó fejlődés vette kezdetét, ami a korábban uralkodó olasz növekvő elmozdulásához vezetett a német nyelvű művek és német fordítású előadások javára. Ennek során Mozart megtalálta a maga módját az olasz opera hagyományának kezelésére. Korai éveiben többször is sikeres volt Olaszországban (többek között Lucio Silla és Mitridate, re di Ponto társaságában ), és első remekművét Münchennek írta az olaszul is megírt opera seria Idomeneóval (1781) . Nem sokkal halála előtt vissza kellett térnie ehhez a formához La clemenza di Tito -val (1791). A Bastien és Bastienne , a Zaide (töredék) és a Die Entführung aus dem Serail című zenés darabok után (ezzel az operával, amelyet 1782 -ben mutattak be, sikerült Bécsben szabadúszó zeneszerzőként megalapoznia magát) a Figaro című művében (1786) és még inkább Don Giovanni (1787), az Opera seria és az Opera buffa ismét közelebb kerül egymáshoz. Az utoljára említetteken kívül egy harmadik mű is született 1790 -ben, a librettistával, Lorenzo Da Ponte Così fan tutte -nal való jó együttműködésben . A Der Zauberflöte -ben (1791) Mozart egyesítette az opera elemeit a Singspiel és a helyben uralkodó régi bécsi varázsszínház elemeivel , amelyek hatása különösen látványos színpadi effektusokból és egy mesebeli cselekményből származik. Voltak a szabadkőművességből származó ötletek és szimbólumok is (Mozart maga volt a páholy tagja). A Mozart -operák (és különösen a Varázsfuvola ) továbbra is minden operaház szokásos repertoárjának részét képezik. Ő maga úgy jellemezte az operát, mint "nagy opera 2 felvonásban".

Operareform

Cím matrica az Orfeo ed Euridice számára (Párizs 1764)

Christoph Willibald Gluck , aki szintén aktív Olaszországban és Bécsben vezetett átfogó operai reform az ő operája Orfeusz és Euridiké (1762) és Alceste (1767), amelyben kombinált elemei komoly opera, Olaszország és Franciaország a reálisabb az opera buffa akciójáról a. A Ranieri de 'Calzabigi által tervezett következetesen világos és logikusan felépített cselekvési terv komplex intrikák és zavaros dráma nélkül sikerül . A főszereplők száma csökken. Az elsődleges cél a cselekmény egyszerűsége és nyomon követhetősége.

Gluck zenéje teljesen alá van rendelve a dramaturgiának és a szövegnek, jellemzi a helyzeteket és az embereket, és önmagában nem áll a bel canto éneklés mellett. A da capo áriát alaposan megkomponált vagy strófikus dalok váltották fel. Ez új természetességet és egyszerűséget ért el, amely ellensúlyozta az üreges pátoszt és az énekes modort. Az ősi modellhez híven a kórus aktívan részt vett az akcióban. A nyitány a cselekményhez kapcsolódik, és már nem különálló hangszeres darab az opera előtt. Az olasz arioso, a francia balett és a pantomim, az angol és a német dal, valamint a vaudeville integrálódott az operába, nem egyes darabok egymás mellett állva, hanem új klasszikus stílusként. Gluck esztétikai ötleteit tanítványa, Antonio Salieri hozta új virágzásba a 18. század végén. Különösen fontosak a Les Danaïdes , a Tarare és az Axur, re d'Ormus operák .

A castrati játékok eltűnése

Tovább kifejezése a nagyobb közelsége a mindennapi élet az opera buffa és újítások a opera reform javasolt által Christoph Willibald Gluck az a gyakorlat, hogy kezdődött a második felében a 18. században, hogy lemond a nagy kasztrált szerepek férfi szerepek mellett több reális hangok. Amellett, hogy a szándékos elkülönül az opera kultúra a opera seria a nemesség, mely erősen befolyásolja a virtuozitás a kasztráltak, a költségek miatt döntő szerepet játszott, és nem utolsósorban. Mivel az impresszáriumok egy kevésbé tehetős polgári és szub burzsoá közönséget céloztak meg az opera buffa-val, a jól ismert castrato díjának borzalmas költségeit alig lehetett megszerezni. A castrato szerepek virtuóz kultúrájának azonosítása az opera seria drága hagyományaival, amelyet a nemesség alakított, magyarázza a castrati eltűnését az operaiparból az Ancien Régime befejezése után, és ennek következtében a az opera buffa és az Opera semiseria „természetesebb” hangjai a középosztályt a 19. század társadalmi osztályává formálták, amely az operában is élen járt.

19. század

Általános fejlődés

A 19. század első negyedében a recitatívok a figurás basszus kíséretében egyre inkább eltűntek a jegyzett zenekari változat mellett. A vezető olasz opera és a francia operatípusok mellett fokozatosan megjelentek más nemzeti operaformák is, először Németországban. A francia forradalom és Napóleon felemelkedése Ludwig van Beethoven egyetlen Fidelio és Leonore című operájában (1805, 1806 és 1814) mutatta meg leghatékonyabban az operára gyakorolt ​​hatását . A dramaturgia és a zenei nyelv egyértelműen Luigi Cherubini Médée -jén alapult (1797). A cselekmény Jean-Nicolas Bouilly "fait historique" -jére épül, amelyet 1798-ban Pierre Gaveaux komponált Léonore, ou L'amour conjugal címmel ; a francia forradalom eszményei képezik tehát Beethoven operájának hátterét is. Fidelio hozzátartozik a " mentőopera " típusához , amelyben egy személy drámai megmentése a nagy veszélyektől. A mű formailag következetlen: az első rész olyan, mint egy dal, a második a nagyszabású kórus fináléjával szimfonikus hatást ér el, és megközelíti az oratóriumot . A Varázsfuvola és a Fidelio után a német produkciónak több kísérletre volt szüksége ahhoz, hogy a romantikus korban végre kifejlessze saját operanyelvét. ETA Hoffmann biztosította az egyik legfontosabb előkészítő szakaszt Undine című romantikus operájával , Louis Spohr pedig Faust (mindkettő 1816) című díszletével.

Német nyelvterület

Fierrabras által Franz Schubert , Salzburgi Fesztivál 2014

Elvégre Carl Maria von Weber volt az, aki a Singspiel hagyományából 1821 -ben a drámaian gazdag színgazdagsággal keltette életre a német operát Freischütz alakjában a zenekarban . Oberon (London 1826) című műve , amelyet a szegényes tankönyv miatt alig játszottak, olyan nagy jelentőséget tulajdonított a zenekarnak, hogy később olyan ismert zeneszerzők, mint Gustav Mahler , Claude Debussy és Igor Stravinsky is hivatkoztak rá.

Más szerzők a német romantika volt a rendkívül romantikus Franz Schubert ( Fierrabras , tagjai 1823- premier 1897), akinek a barátai nem tudtak neki egy kellemes szöveget, és Robert Schumann , aki a környezetben a Genoveva anyag, népszerű romantikusok volt csak egy Opera (1850). Említésre méltó még Heinrich Marschner , aki nagy hatást gyakorolt Richard Wagnerre a természetfeletti eseményekről és a természetábrázolásokról szóló operáival ( Hans Heiling , 1833) , Albert Lortzing színdaraboperáival (többek között Zar és Zimmermann , 1837, valamint Der Wildschütz , 1842), Friedrich von Flotow Martha című képregényoperájával (1847) és végül Otto Nicolai , aki valami „italianitàt” hozott a német operába a Lustige Frau von Windsorral (1849).

Richard Wagner végül olyan alapvetően alakította át az operát elképzelései szerint, hogy a fent említett német zeneszerzők hirtelen elhalványultak mellette. A Rienzi (1842), az eddig meglehetősen szerencsétlen Wagner volt az első sikere Dresden; később a Repülő holland (1843) felülmúlta. Az 1848. évi drezdai forradalomban való részvétele miatt Wagnernek sok évre Svájcba kellett száműzetnie. Később apósa, Liszt Ferenc hozzájárult ahhoz , hogy Wagner még mindig jelen volt Németországban a Lohengrin (1850) weimari világpremierjével . II . Ludwig ifjú bajor király támogatásával Wagner végre megvalósíthatta a Ring des Nibelungen régóta dédelgetett tervét , amelyhez kifejezetten a Bayreuth Fesztiválházat építtette, amelyben a mai napig csak műveit játsszák.

Richard Wagner

Wagner alapvető újítása a számopera teljes felbomlása volt. Weber Freischützében vagy Robert Schumann ritkán játszott Genovevájában (1850) már voltak tendenciák a jól megkomponált opera felé . Ezt a fejlesztést csak Wagner fejezte be következetesen. Emellett egyenrangúan kezelte az énekhangokat és a zenekari részeket. A zenekar már nem kíséri az énekest, hanem „ misztikus szakadékként ” viselkedik az énekelt sokszínű kapcsolatban. Wagner operáinak hossza nagy koncentrációt és kitartást igényel az énekesektől és a hallgatóságtól. Az ő témái - néhány korai mű és a Meistersinger kivételével  - következetesen komoly operák, amelyek librettóit ő maga írta, gyakran a megváltás a szeretet, a lemondás vagy a halál által.

A Tristan und Isolde (1865) című filmben Wagner nagyrészt áthelyezte a drámát a főszereplők pszichológiai belsejébe, amelyet aztán meg tudott világítani zenéjével - az opera külső cselekménye viszont szokatlanul eseménytelen. Ennek az „óceáni” enteriőrnek a kialakítása a harmóniákat is szolgálta, ami a „ Tristan akkorddal ” háttérbe szorította az addig érvényes harmonikus szabályokat, és így bekerült a zenetörténetbe. Zenei szempontból Wagner operáit mind a zenekari környezet zseniális kezelése jellemzi, amely szintén erős hatást gyakorolt az akkori szimfonikus zenére Gustav Mahlerig , mind az ismétlődő motívumok, az úgynevezett vezérmotívumok használata . ábrákkal és helyzetekkel, egyéni kifejezésekkel vagy bizonyos ötletekkel. A Ring des Nibelungen (komponált 1853–1876), a négy részből álló leghíresebb operaciklus (tehát egyszerűen „tetralógia” néven is ismert), teljes előadási ideje körülbelül 16 óra, Wagner monumentális zenei és drámai megvalósítást hozott létre opera és dráma (1852) a hagyományos opera reformját dolgozta ki. A Parsifal színpadi felszentelő fesztivál volt az utolsó operája, amely két táborra osztotta a zenei világot, és felkeltette az utánzókat ( Engelbert Humperdinck , Richard Strauss a Salome előtt ) és a szkeptikusokat - különösen Franciaországban.

Franciaország

Franciaországban kezdetben a 18. század második felében kialakult opéra-comique formája érvényesült . Daniel-François-Esprit Aubernek sikerült a La muette de Portici (1828) című operája, amelynek címhősnőjét egy csendes balerina ábrázolta, a kapcsolat a Grand opéra ("nagy opera"). A drámaíró, Eugène Scribe lett a fő librettistájuk. A Grand opéra-ban a tipikus operaszereteti történet bonyolultsága mellett történelmi-politikai motívumok kerültek előtérbe, amint ezt Rossini utolsó operája, a Guillaume Tell (1829) is világosan megmutatta . A Grand Opéra legsikeresebb képviselője Giacomo Meyerbeer volt , Robert le diable (1831), Les Huguenots (1836) és Le prophète (1849) műveivel , amelyeket évtizedekig és a 20. század elejéig játszottak a nemzetközi repertoárban. További fontos példák Halévy La Juive („A zsidó”, 1835) , Donizetti Dom Sébastien (1843) vagy Verdi Don Carlos (1867).

1850 körül az Opéra comique és a Grand opéra párbeszédek nélküli új operaformává olvadt össze. 1875-ben Georges Bizet Opéra comique-ként írta legismertebb színpadi művét, a Carmen- t, amelynek recitatívjait csak Ernest Guiraud tette hozzá posztumusz . Ha a mű „reális” cselekménye és hangneme nem egyezik egy nagy operával, akkor megint a tragikus befejezés, amely kezdetben kudarcot okozott a premieren, ellentmond az opéra comique -nak. Az opéra comique és a grand opéra keveredésének további példái Charles Gounod Faustja (1859) - itt használják először a drame lyrique kifejezést - és Jacques Offenbach Les contes d'Hoffmann ( Hoffmann történetei , 1871–1880).

Oroszország

Végül Oroszország lépett színre első nemzeti operáival, amelyeket más sikerek nyugatról való importálásával tápláltak. Michail Glinka 1836 -ban komponálta a Жизнь за царя ( Schisn sa zarja, németül: Élet a cárnak , átnevezve Iwan Sussanin a Szovjetunióban ) operát . A mű orosz tárgyú, de zeneileg még mindig erősen befolyásolják a nyugati hatások. Leghíresebb operája, a Ruslan és a Ljudmila nagy hatással volt az orosz zeneszerzők következő generációira. Szerény Mussorgsky végül elszakadt a nyugati hatásoktól Borisz Godunovval (1874) Alekszandr Puskin drámája után . Még Borodin Igor hercege (1890) vezette tovább Glinka örökségét. Pjotr ​​Csajkovszkij az orosz hagyományok és a nyugati világ hagyományai között állt, és Eugene Onegin -nel (1879) és ásókirálynővel (1890) polgári személyzettel szerelmi drámákat tervezett, mindketten szintén Puskin mintájára.

Csehország

A Bohemia voltak Bedrich Smetana és Antonin Dvorak , a leggyakrabban végzett zeneszerzők A Prágai Nemzeti Opera, a Smetana Libuse (1881), az új Nemzeti Színház vett Prágában kezdődött. Ugyanazon zeneszerző Eladott menyasszonya (1866) exportsláger lett. Dvořak Rusalka című operája (1901) népi legendákat és német meseforrásokat egyesített lírai meseoperává. Bohuslav Martinů és Leoš Janáček folytatta erőfeszítéseit. Utóbbi zeneszerzőt az utóbbi évtizedekben újra felfedezték modernségében, és egyre inkább meghódította a repertoárt. Míg A ravasz kis vixent (1924) még mindig legtöbbször Max Brod német fordításában adják elő , addig más művek, mint például Jenůfa (1904), Káťa Kabanová (1921) vagy Věc Makropulos (1926) egyre inkább az eredeti cseh változatban kerülnek előadásra; ez azért fontos, mert Janáček hangnyelve szorosan anyanyelvének fonetikájára és prozódiájára épül .

Olaszország

1813 -tól, amikor Algeriben előadták Tancredi és L'italiana operáit , Olaszország a fiatal és rendkívül produktív bel canto zeneszerző, Gioachino Rossini kezébe került . Az Operaházak standard repertoárjában a mai napig megtalálhatók az Il barbiere di Siviglia (1816), a La gazza ladra (angolul a tolvajszarka ) és a La Cenerentola (mindkettő 1817) Charles Perrault Hamupipőke -meséje alapján. A ruganyos ritmus, a ragyogó és szellemes hangszerelés, valamint az énekhang virtuóz kezelése tette Rossinit Európa egyik legnépszerűbb és legelismertebb zeneszerzőjévé. Rossini leírta az énekesek improvizált dekorációit, amelyek eddig is gyakoriak voltak szerepeiben, ezáltal megakadályozva a túlzott improvizációkat. Scena ed áriájával új formális elképzelést valósított meg , amely enyhítette a recitatív és ária közötti merev váltakozást, és mégis fenntartotta a számopera elvét. Ezenkívül Rossini számos opera sorozatot írt (pl. Otello , 1816 vagy Semiramide , 1823). 1824 -ben Párizsba ment, és fontos műveket írt az Opéra számára. Politikai nagyoperát írt William Tell -ről ( Guillaume Tell , 1829), amelyet Ausztriában betiltottak, és különböző európai helyszíneken előadták, hatástalanított változatban más főhősökkel.

Giuseppe Verdi
Enrico Caruso, Bessie Abott, Louise Homer, Antonio Scotti énekli a "Bella figlia dell'amore" kvartettet Verdi Rigoletto -ból

Rossini fiatalabb kortársai és utódai kezdetben lemásolták koloratúrstílusát, mígnem különösen Vincenzo Bellini és Gaetano Donizetti sikerült saját, valamivel egyszerűbb, kifejezőbb és romantikus stílusukkal elszakadniuk a túlnyomó modelltől. Bellini híres volt recitatívjainak kifejező és kifinomult deklamációjáról, valamint operáinak "végtelenül" hosszú és kifejező dallamáról, mint például az Il pirata (1827), az I Capuleti ei Montecchi (1830), az I puritani (1835), a La sonnambula ( 1831), és különösen Norma (1831). Bellini írta ennek az operának a címszerepét a híres "Casta diva" áriával , akárcsak Amina a La sonnambula -ban, a nagyszerű énekesnő, Giuditta Pasta számára . A Norma annyira igényes, hogy csak nagyon kevés nagy énekes énekelheti és értelmezheti; Maria Callas történelmi értelmezése ismét elszakította a feledéstől.

A nála néhány évvel idősebb Donizetti rendkívül szorgalmas zeneszerző volt, aki Bellini mellett és különösen korai halála után (1835) a legsikeresebb olasz operaszerzővé emelkedett. Első nagy áttörését Anna Bolena (1830) érte , akinek címszerepét szintén Pasta készítette, és Callas fedezte fel újra. Másrészről, Lucia di Lammermoor (1835) a híres őrült színhelyekkel, gazdag színekben soha nem tűnt el teljesen a repertoárból, és a vidám L'elisir d'amore (1832), Don Pasquale (1843) és La operák mellett marad. fille du régiment (1840) következetesen az operaházak repertoárján.

Bellini széles dallamívei erős benyomást tettek a fiatal Giuseppe Verdire . Mivel a harmadik opera, a Nabucco , ő tekinthető a nemzeti zeneszerző számára Olaszországban, ami még mindig uralkodott a Habsburgok . A „Va, pensiero, sull 'ali dorate” kórus az ország titkos himnuszává fejlődött . Zenei szempontból Verdi zenéjét erősen hangsúlyozott, tiszta ritmus jellemzi, amely felett egyszerű, gyakran rendkívül kifejező dallamok alakulnak ki. Operáiban, amelyekben Verdi összetéveszthetetlen színházi ösztönével gyakran maga is hozzájárult a tankönyvhöz, a kórusjelenetek kezdetben fontos helyet foglalnak el. Verdi egyre inkább elhagyta a hagyományos számoperát; Az állandó érzelmi feszültség az egyes jelenetek és áriák változatos keverékét igényelte. A Macbeth , Verdi végül elfordult száma opera és folytatta útját az intim jellegű ábrázolása egyének. A La traviata -val (1853, az ifjabb Alexandre Dumas A kaméliák asszonya című 1848 -as regénye alapján , amely Marie Duplessis udvarhölgy hiteles alakja körül forog ), először hozott kortárs témát az opera színpadára, de kényszerítették a cenzorok, hogy állítsák le a cselekményt, hogy áttelepüljenek a jelenből. Verdi gyakran megzenésített irodalmi forrásokat, például Friedrich Schiller (pl. Luisa Miller a Kabale und Liebe után vagy I masnadieri Die Räuber után ), Shakespeare vagy Victor Hugo ( Rigoletto ). A Párizs számára írt Grand Opéra című munkájával (pl. Don Carlos , 1867) ezt a formát is megújította, és Richard Wagner zenei drámájának elemeit vette fel a néhai Otellóval, míg elő nem állt a Falstaff (1893; vers mindkettőben) című meglepő komédiájával . Arrigo Boito esetei ) utolsó, közel 30 operájából komponált 80 éves korában. Valószínűleg legnépszerűbb operája az Aida , amelyet 1871 -ben írtak.

Századforduló

Francisca Pomar de Maristany „Vissi d'arte” -t énekel Giacomo Puccini Tosca című művéből - felvétel 1929 -ből

Verdi lemondása után a fiatal veristák (ital. Vero = igaz) meghódították a jelenetet Olaszországban. A szépítetlen naturalizmus volt az egyik legmagasabb esztétikai eszményük - ennek megfelelően tartózkodtak a szépen megírt versektől. Pietro Mascagni ( Cavalleria rusticana , 1890) és Ruggero Leoncavallo ( Pagliacci , 1892) voltak a korszak legjellemzőbb zeneszerzői. Giacomo Puccini ezzel szemben messze túlnőtt a hírnévön, és a mai napig az egyik leggyakrabban előadott operaszerző. La Bohème (1896), a századforduló párizsi erkölcsi képe, a Tosca "politikai thriller" (1900, Victorien Sardou azonos című drámája alapján) és a távol -keleti Madama Butterfly (1904), a befejezetlen Turandot (amelyet 1926 -ban mutattak be posztumusz), még egy másik körül, az egzotikusság növekedése miatt, főleg dallamai miatt váltak slágerekké. Puccini kiemelkedő színházi művész volt, és pontosan tudta, hogyan kell írni a hanghoz; partitúráinak hangszerelése, többnyire nagy zenekar számára, nagyon differenciált és mesteri. Jelenleg Alberto Franchetti olasz-német zeneszerzőt , aki akkor nagyon népszerű volt , habozva újra felfedezik , három világsiker ( Asrael , Christoforo Colombo és Germania ) ellenére . A Veristen-től eltérő zenei-drámai ideál mellett elkötelezett Alfredo Catalani , aki ugyanakkor aktív volt, és akinek a közönség körében nagyon népszerű műveit is fantasztikus elemek tarkítják. Az utolsó és most legismertebb opera, La Wally, amely az új Die Geier-Wally által Wilhelmine von Hillern , premierje január 20, 1892, a Teatro alla Scala , Milánó.

Század eleje

Mary Garden mint Melisande

Franciaország

Claude Debussy -nak végül sikerült megszabadulnia a német befolyásától, és 1902 -ben Pelléas et Mélisande -val megalkotta a Wagner által alkalmazott leitmotív technika egyik legenyhébb példáját . Maurice Maeterlinck eredeti szövege sok kétértelmű szimbolikát kínált, amelyeket Debussy átvett a zenekari nyelvbe. Szinte az összes vokális részt recitatívnak tervezték, és ellenpéldát kínáltak Wagner „végtelen dallamához” a „végtelen recitativával”. Az egyik ritka kivétel, amely a hallgatónak énekvonalat kínál, a Mélisande egyszerű dala, amely rövidsége és a díszítés hiánya miatt aligha tekinthető igazi áriának.

Bécsi iskola

Richard Strauss után , aki kezdetben késő romantikus expresszionista lett Salome és Elektra társaságában , de aztán visszatért a korábbi kompozíciós stílusokhoz a Der Rosenkavalierrel, és számos művet ma is sokat játszanak (pl. Ariadne auf Naxos , Arabella , Die Frau ohne Schatten és Die Schweigsame Frau ), csak néhány zeneszerzőnek sikerült állandó helyet találnia az operaházak repertoárjában. Ehelyett a múlt műveit karbantartották (és tartják). A kortárs műnek a standard repertoárba való felvétele továbbra is kivétel.

Alban Bergnek ezt sikerült elérnie a Wozzeck című operájával , amelyet szabad tonálként adtak ki, és a Lulu , amely teljes mértékben kihasználja a tizenkét hangú zenét. Az első fragmentum a Lulu -ben fejeződött be a három felvonásos forma által Friedrich Cerha a párizsi teljesítményt Pierre Boulez és Patrice Chéreau . Mindkét opera közül különösen Wozzeck, amelyben a darab tartalma és a zenei látásmód egységet talál, mára világszerte számtalan produkcióban talált utat az ismerős operarepertoárba számtalan produkcióban, és vitathatatlan pozíciót ért el. Egészen hasonló a helyzet a Luluval is, amelyet azonban gyakran csak nagyobb szakaszok tudnak elsajátítani a munkával járó erőfeszítések miatt. Mindazonáltal rendszeresen inspirál olyan fontos tolmácsokat, mint Anja Silja , Evelyn Lear , Teresa Stratas vagy Julia Migenes .

Arnold Schönberg, 1948

Az Arnold Schoenberg , amelyek rendszeresen monodrámát elvárás  az első opera, egy énekes - - és a szándékosan befejezetlen a zeneszerző maradt, a legmagasabb igényeket a kórus Vice átnyúló munka Mózes és Áron szerepel. Elvárás, tagjai már 1909-ben, de nem mutatta , amíg 1924-ben Prágában a Marie Gutheil-Schoder irányítása alatt Alexander von Zemlinsky bizonyította adott elbűvölő énekesek (különösen Anja Silja és Jessye Norman ), valamint az igazgatók években világháborút követően (pl. Klaus Michael Grüber Silja -val 1974 -ben Frankfurtban; Robert Wilson Normannal 1995 -ben a salzburgi fesztiválon ). 1930 -ban Schönberg megkezdte Mózes és Áron munkáját , amelyet 1937 -ben megszakított; Az 1957 -es zürichi színpadi bemutató után ez az opera számos nemzetközi előadásban bizonyította színpadra való alkalmasságát, különösen az 1970 -es évek óta. Az is érdekes, hogy Mózes az egész operában beszélt éneket használ, amelynek hangmagassága előre meghatározott, míg Aron énekel.

További fejlemények a német nyelvterületen

Egyébként a bécsi iskola nem hagyott nyomot a szokásos repertoárban. Zeneileg azonban minden modern zeneszerzőnek tizenkét hangú zenével kellett foglalkoznia, és el kellett döntenie, hogy tovább dolgozik-e annak alapján, vagy hangnemben gondolkodik.

Hans Pfitzner a század első felének egyik legfontosabb zeneszerzője volt, aki tudatosan ragaszkodott a hangnemi hagyományokhoz. Operaművében Richard Wagner és a korai romantikus zeneszerzők, például Weber és Marschner befolyása látható. Pfitzner zenéjét nagymértékben meghatározza a lineáris-polifonikus gondolkodás, a harmónia az egyszerű diatonikus és a tonalitás határáig tartó kromatizmus között mozog. Pfitzner operái közül a Palestrina zenei legenda a legismertebb , amelyet 1917 -ben mutattak be . Azt is írta: Szegény Heinrich , Die Rose vom Liebesgarten , Das Christ-Elflein és Das Herz .

Franz Schreker 1912 -ben hozta létre a Der ferne Klang -ot , a második világháború előtti nagy operák egyike , de később elfelejtették, amikor a nemzetiszocializmus kiszorította műveit a repertoárból. Sok korábbi próbálkozás után e zeneszerző igazán mélyreható felfedezése csak az 1980 -as években kezdődött, amely a Der ferne Klang ( Teatro La Fenice 1984, Wiener Staatsoper 1991) új produkciói mellett a Die Gezeichen , a Der Schatzgräber előadásait is produkálta. és Irrelohe . Az erősen differenciált hangok alapvető szerepet játszanak Schreker zenéjében. Schrekerrel ismét felerősödik Wagner kromatikus harmóniája, ami gyakran a felismerhetetlenségig elmossa a tónuskötéseket.

Hasonlóan Schrekerhez, a bécsi Alexander von Zemlinskyhez és a brnói Erich Wolfgang Korngoldhoz , akiknek munkái is nehéz időket éltek 1945 után. A nyolcvanas évek óta mindkét zeneszerzőnek sikerült visszanyernie a helyét a nemzetközi repertoárban, Zemlinsky ruhákkal teszi az embert , de különösen A firenzei tragédia , A törpe és a király Kandaules , Korngold a Holt város című alkotással .

A munka a Walter Braunfels is betiltották a Nemzeti Szocialisták és csak egyre nagyobb figyelmet kap, hiszen a végén a 20. században. Braunfels Die Vögel című operájával az 1920 -as évek egyik leggyakrabban előforduló zeneszerzője volt a német operaszínpadokon. Munkáinak stiláris sokoldalúsága feltűnő: ha Brambilla hercegnő alternatívát kínál a Wagner -örökösödés zenei drámájához a Commedia dell'arte alapján , a The Birds megmutatja Pfitzner hatását. A későbbi Angyali üdvözlet , Az álom egy élet és Joan of Arc - Jelenetek Szent Johanna életéből operákkal Braunfels megközelíti a későbbi Hindemith hangnyelvét.

A fiatalabb generáció egyik legsikeresebb zeneszerzője az 1920 -as években Ernst Krenek , a Schreker tanítványa, aki kezdetben szenzációt keltett a szabad atonalitásban tartott expresszionista művekkel. 1927 -ben a Jonny játszik című operája , amely a jazz elemeit veszi fel, botrányos sikert aratott. Jellemző példája annak az "Zeitoper" műfajnak, amely akkor alakult ki, és tetteit az akkori mindennapokból vette át, amelyet erősen meghatározott a különböző divatok változása. Krenek zenéjét a nemzetiszocialisták később "elfajultként" elutasították és betiltották. A zeneszerző az USA -ba emigrált, és 1973 -ig több mint 20 operája volt, amelyek példásan tükrözik a 20. század zenéjének változó fejlődését.

Második világháború

A második világháború jelentős fordulópontot jelentett Európa és Amerika történetében, amely hatással volt a zenei világra is. Németországban a modern hangzású operákat alig játszották, és egyre inkább mellőzték őket. Jellemző példa erre Paul Hindemith , akit az 1920 -as években zenei „polgárságnak” tartottak, olyan művekkel, mint a Cardillac opera , de 1930 után végre talált egy mérsékelten modern stílust, neoklasszikus jelleggel. Mathis festő (a zeneszerző sokat játszott szimfóniát állított össze ennek az operának a részeiből). A stílusváltás ellenére Hindemith egyértelműen érezte az elutasítást, mert Adolf Hitler személyesen megsértette Neues von Tag című operáját , amelyet 1929 -ben fejezett be . Végül Hindemith műveit „degenerált” címkével látták el, és előadásukat betiltották. Mint előtte és utána más művészek és zeneszerzők, Hindemith 1938 -ban száműzetésbe vonult.

1945 utáni idő

Általános fejlődés

Az 1945 utáni időszakot az operaüzlet egyértelmű nemzetköziesedése és individualizálása jellemezte, ami miatt a korábbi nemzeti hagyományokra való felosztás aligha tűnt értelmesnek.

Az Opera egyre inkább függött a zeneszerző egyéni hatásaitól, mint az általános irányzatoktól. Az operarepertoár „klasszikusainak” állandó jelenléte növelte a modern operákkal szemben támasztott követelményeket, és minden zeneszerzőnek meg kellett találnia a maga módját a múlt kezelésére, folytatására, elidegenítésére vagy szakítására. A következőkben újra és újra megjelentek olyan operák, amelyek megtörték a műfaj határait, és igyekeztek legyőzni azokat. Zenei és szöveges szinten a zeneszerzők egyre inkább elhagyták az ismerős területet, és a színpadot és a színpadi akciót a - sokszor eléggé elvont - zenei sorozatba foglalták. A vizuális eszközök XX.

Bo Skovhus mint Lear az opera, az azonos nevű által Aribert Reimann a hamburgi Állami Operaház 2012. Fotó: Brinkhoff Moegenburg

A zenei nyelv fokozódó individualizációjában a 20. század második felében még felismerhetők az irányzatok az operában: egyrészt az irodalmi operák , amelyek dramaturgiája nagyrészt a hagyományokon alapul. De egyre több aktuális anyagot és librettit használnak erre a célra. Mindazonáltal két úttörő munkái ezúttal minden operák használó irodalmi klasszikusok alapul, nevezetesen Bernd Alois Zimmermann opera a katonák alapján a Jakob Michael Reinhold Lenz és Aribert Reimann- Lear alapján a William Shakespeare . Az irodalmi opera további példái Reimann Das Schloss ( Kafka után ) és Bernarda Albas Haus ( Lorca után ). A politikai témákat is egyre inkább megzenésítik , kezdve Luigi Nonóval és Hans Werner Henzével ; Egy újabb példa a Gerhard Rosenfeld opera Kniefall Varsóban körülbelül Willy Brandt , a premierje, amely 1997-ben Dortmundban csekély hatása volt a köz- vagy a sajtó, és nem okozott semmilyen nyomon követési produkciókat.

Ha Luigi Nono művei kísérleti zenei nyelvük miatt már nem sorolhatók irodalmi operák közé, akkor az opera dramaturgiáját is feltárják kísérleti lehetőségei miatt. A kifejezés opera tehát átalakult a második felében a 20. században, a sok zeneszerzőt helyette zenés színház vagy musical jelenetek és használja ezt a kifejezést opera csak művek, amelyeket kifejezetten kapcsolódó hagyomány. A kísérleti zeneszerzők műveiben nemcsak a szöveg és a dramaturgia kreatív kezelése fedezhető fel, a színpad, a zenekari felállás és nem utolsó sorban maga a zene is legyőzi a konzervatív mintákat, a műfaj itt már nem határolható el egyértelműen . Emellett új médiát, például videót és elektronikát használnak, de dráma, tánc és performansz is utat talál az operába.

Egy másik olasz zeneszerző saját hangját testesíti meg a kortárs zenei színházban: Salvatore Sciarrino . A hangok iránti érdeklődésével vagy a zene csendjében alkot. A művek egy része összetéveszthetetlen a reneszánsz kompozíciós technikáinak köszönhetően (pl. Luci mie traditrici című operájában 1998 -ban a madrigál zeneszerző Carlo Gesualdo életéről ).

Benjamin Britten hozta a modern Angliát a nemzetközi operaszínpadra. Leginkább tónusos operái közül a legismertebb a Szentivánéji álom , William Shakespeare , Albert Herring , Billy Budd és Peter Grimes darabja alapján . Britten szerelme és tehetsége a hangfestéshez újra és újra megmutatkozott, különösen a tenger ábrázolásában.

Francis Poulenc : A Dialogues des Carmélites (A karmeliták beszélgetései , premier 1957) a modern zenés színház egyik legfontosabb alkotása. Az alap a Compiègne -i vértanúk történelmi anyaga , akik 1794 -ben a forradalmi törvényszék szeme alatt énekeltek az állványhoz, miután nem voltak hajlandók megszegni vallási fogadalmukat. Az egyedülálló énekesnő második híres operája szintén Poulencre nyúlik vissza: A La voix humaine -ban az egyszerűen „nő” -ként emlegetett személy megszakad szerelme hűtlensége miatt, aki telefonon dobja ki. Luciano Berio kommentár refrént is használt a női főszereplő „Sie” számára Passaggioban .

A zeneszerző, Philip Glass , aki letartóztatta a Minimal Music -ot , már nem kapcsolt mondatokat használt Einstein on the Beach -re , hanem számokat, szolfézs szótagokat, értelmetlen szavakat használt. A színpadon az események bemutatása volt a döntő. 1976 -ban létrehozták az Einstein a tengerparton trilógia első részét, amelyben Satyagraha és Akhnaten is képviselteti magát - tisztelet a világtörténelemet megváltoztató személyiségeknek: Albert Einstein , Mahatma Gandhi és Akhnaton egyiptomi fáraó . Glass művei nagy nyilvánosságot mutattak, különösen Robert Wilson vagy Achim Freyer produkcióival kapcsolatban .

Mauricio Kagel színházi munkái ugyanolyan gyakran a zenéről vagy magáról a színházról szóló művek, amelyek leginkább a "festői-zenei akció" kategóriába sorolhatók- a zene aligha rögzített, mivel Kagel megengedi magának, hogy szabadon improvizálja előadóit, akik nem hangszerek (cipzárak, cumisüvegek stb.), vagy szokatlan módon használják, értelmetlen szótagokat énekelnek, vagy akciókat és / vagy zenét hoznak létre véletlenszerűen vagy rögtönzött olvasással. A szellemes, Kagel bírálta az állami és a színház, a hadsereg, a művészeti ipar, stb botrányok okozta leghíresebb munkája, Állami Színház , ahol a rejtett mechanizmusait színházi hozzák a felszínre.

Luigi Nono viszont zenéjével politikai és társadalmi bajokat vádolt. Ez különösen világossá válik az Intolleranza 1960 -ban , ahol a hazájába utazó férfi tüntetéseket, tiltakozásokat, kínzásokat, koncentrációs táborokat , börtönöket és bántalmazásokat él át az árvízzel együtt, és végül rájön, hogy otthona ott van, ahol szükség van rá.

Nagyon produktív zeneszerző volt Hans Werner Henze , aki 2003-ban elnyerte a Japán Művészeti Alapítvány Premium Imperialle - jét (ún . Művészeti Nobel-díjat ) . Kezdettől fogva ütközött a németországi kortárs zene uralkodó áramlataival, amelyek egy része dogmatikusan orientált volt ( Darmstadt vagy Donaueschingen kulcsszó , lásd fentebb), soros technikákat vett fel , de teljesen más kompozíciós technikákat is használt, beleértve az aleatorikusat is . Operatári karrierje elején Ingeborg Bachmann költővel dolgozott együtt ( A fiatal úr , 1952 és Kleist A homburgi herceg című feldolgozása , 1961). Az Elégia a fiatal szerelmesekért (1961) WH Auden és Chester Kallman, Stravinsky A gereblye haladása című operájának librettistáival íródott . Később Edward Bond librettijét zenésítette meg ( The Bassarides , 1966 és The English Cat , 1980). L'Upupa és a fiú szerelmének diadala című művét 2003 -ban mutatták be a salzburgi fesztiválon. Henze, aki évtizedek óta Olaszországban él, sok fiatal zeneszerzőt támogatott és befolyásolt. Az általa alapított Biennale for New Music Theatre 1988 óta létezik Münchenben .

A SZERDA első jelenetének világ parlamentje, Stockhausen FÉNY operaciklusából. Birminghami Opera 2012

Karlheinz Stockhausen 2005 -ben fejezte be a LIGHT című heptalógiáját , amelyet 1978 -ban kezdett el . Fő művével egy monumentális, vallásos témákkal foglalkozó opuszt hagy maga mögött, hét operából, amelyek mindegyike a hét egy napját képviseli. Az első operákat Milánóban mutatták be ( csütörtök , szombat , hétfő ), Lipcsében először kedden és pénteken adták elő . Az összetett, összesen 29 órányi zenét magában foglaló munkát teljes egészében még nem végezték el, nem utolsósorban a hatalmas szervezési nehézségek miatt.

Az opera Das Mädchen mit den Schwefelhölzern által Helmut Lachenmann felkeltette Németországban 1996-ban . Hans Christian Andersen híres karácsonyi történetén alapul . Sajátos módon és részben új hangszeres technikákkal Lachenmann a hideg érzetét hanggá alakítja.

Az Operabase statisztikái szerint a 2013/14 -től 2017/18 -ig tartó öt évadban az öt legtöbbet élő élő zeneszerző az amerikai, Philip Glass , Jake Heggie , az angol Jonathan Dove , a holland Leonard Evers és az angol Thomas Adès . Az Operabase Peter Lundot 8 -án, Marius Felix Lange -t 11 -én , Wolfgang Rihm -et 14 -én , Ludger Vollmert 17 -én és Aribert Reimann -t a 23. helyen nevezi a legtöbbet teljesítő német zeneszerzőknek .

Humperdinck Hansel és Gretel című meseopera óta az operaszerzők többször is írtak gyermekoperákat , mint pl. B. Henze ( Pollicino , 1980), Oliver Knussen ( Ahol a vad srácok élnek , 1980 és 1984) és Wilfried Hiller ( Tranquilla Trampeltreu , Norbert Nackendick , Der Rattenfänger , Eduard auf dem Seil , Wolkenstein és Der Goggolori ).

A 20. és 21. század más fontos operaszerzői

alak

Az operákat változatos formák jellemzik, amelyeket a hagyományos kompozíciós stílusok, valamint a zeneszerzők egyedi megoldásai határoznak meg. Ezért nincs általános képlet a szerkezetükre. Nagyjából elmondható azonban, hogy fejlődés figyelhető meg a számoperától a különböző vegyes formákon át az 1900 körüli alaposan komponált operáig.

Szám opera

A barokk kortól a romantikus korszakig az opera önálló zenei darabok (" számok ") sora, amelyeket recitatívok vagy (a Singspiel szerint ) beszélt párbeszédek kapcsolnak össze , és folyamatos cselekményt képviselnek . A drámához hasonlóan az operát feloszthatjuk felvonásokra , képekre , jelenetekre vagy megjelenésekre . Az opera zenei összetevői változatosak:

Instrumentális zene

Zárt lírai formák

Akcióközpontú szövegrészek és számok

Jól összeállított nagy forma

Században megkérdőjelezték a számok szétválasztását, valamint a recitatív és ária megkülönböztetését. 1825 -től a secco recitatíva fokozatosan eltűnt, és a scena ed aria elvével foglalta el helyét az olasz irodalomban , amellyel Giuseppe Verdi a zenei aktusokat egy nagyobb zenei egésszé formálta. A század közepétől Richard Wagner azt javasolta, hogy hagyják el a számszerkezetet az irányítómotívumok alapján kialakított , jól megkomponált egész javára . Wagner operái esetében a zenei dráma kifejezés érvényesült, a " végtelen dallam " kulcsszó a zenei és érzelmi fejlődés folyamatos előrehaladását jelenti, amelynek véleménye szerint a zenei táncformákkal szemben kell érvényesülnie. Wagner Tristan und Isolde (1865) operáját „cselekménynek a zenében” írta le, amelynek emlékeztetnie kell az eredeti „favola in musica” vagy „dramma per musica” operás kifejezésekre.

Az átmenő álló formát általában előnyben részesítik a 19. század végén, szintén Jules Massenet és Giacomo Puccini , és maradt a domináns modell a korai modernizmus akár neoklasszicizmus , amely kísérletezett törékeny struktúrák és a referenciák formák korai operatörténelembe. A koncerteken önálló részeket is alaposan összeállított operákból adnak elő, például sok áriát Puccini operáiból. Richard Straussot tartják a jól megkomponált nagyszabású forma mestereinek, aki ezt különösen a Salome , Elektra és Ariadne auf Naxos egyfelvonásosokban mutatta be .

A 20. században sok zeneszerző visszatért a számelvhez, például Kodály Zoltán , Igor Stravinsky vagy Kurt Weill . A számopera operettekben és musicalben is folytatódik .

Opera seria és Opera buffa

Az opera történetében többnyire "magas" és "alacsony" stílus volt, szabadon követve a tragédia és a vígjáték közötti ősi különbséget . Ez azonban nem mindig jelent határt a komoly és a vicces között. A „magas” stílus egyszerűen az antik anyagok vagy nemes alakok, vagy a komolyan veendő „irodalmi” modell vagy a „nehéz” (vagy pusztán megkomponált ) zene révén is felemelkedhet az „alacsonyabb” felett . Mindezeket az értékeket jelző jeleket megtámadták a történelem során. Voltak műfajok, amelyek megpróbálták gyengíteni a kontrasztot, például az opera semiseria.

Amíg az opera még kísérleti stádiumban volt, mint a 17. század elején, addig nem volt szükség elválasztásra. Ez csak akkor jött létre, amikor az operaelőadások általánossá váltak, társadalmi okokból: a komoly opera arisztokrata személyzetet és „magas” politikai szimbolikát tartalmazott, míg a képregény polgári karaktereket és „jelentéktelen” mindennapi cselekményeket tartalmazott. Fokozatosan az Opera seria és a Tragédie lyrique elvált képregényes közjátékaiktól , amelyekből az Opera buffa és az Opéra-comique bontakozott ki . Ez a szétválás csak a 18. század végén tört meg: Mivel a polgárokat már nem akarták komikusnak (azaz nevetségesnek) ábrázolni a számukra szánt „alsó” műfajban, a képregényt gyakran szentimentálissá és felminősítették. Ezért a „vicces operák” gyakran nem viccesek. Miután a francia forradalom , az osztály záradékot feloldjuk és a polgári operák hagytuk, hogy „komoly”. Így a 19. században más határok merültek fel a tragédia és a komédia között, mint a 18. században.

A tragikus és képregény művek gyűjtőfogalma az olasz dramma per musica , ahogy az operát kezdetekben hívták. Egy példa a korai komoly opera Odüsszeusz hazatérése által Claudio Monteverdi . A súlyos állítás az ősi színházi anyagok - különösen a tragédiák - és az epikus hősköltemények igénybevételéből ered . A későbbi 18. század óta újabb történelmi témák váltják fel őket. A 19. századi Olaszországban a dráma kifejezést a melodramma kompozícióban használták, és már nem kapcsolódik az ókori drámához. Mind Bellini tragikus Norma -operáját , mind Gaetano Donizetti L'elisir d'amore című komikus operáját így nevezték el.

"Magas" stílus

Az opera seria csak a 18. században állapította meg magát határozott kifejezésként . Ezzel a címmel kizárták a vegyes formákat vagy a tragikomikus tartalmat. Händel Radamisto című operája tipikus mű. Olaszország antipódusaként Franciaország az opera seria saját formájának adta a Tragédie lyrique címet, amelyet nagymértékben befolyásolt Jean-Baptiste Lully és a balett XIV . Lajos udvarában , később Jean-Philippe Rameau . A francia forradalom után a nagy opéra fokozatosan polgári, komoly operának bizonyult. Ezek közé tartozik A hugenották által Giacomo Meyerbeer , valamint a kevésbé sikeres alkotások, mint A trójaiak által Hector Berlioz .

Az érettebb Richard Wagner ( A Nibelung gyűrűje ) jól megkomponált zenei drámája nagy nemzetközi hatást gyakorolt. Az akkori francia zeneszerzők, mint például a Massenet , az átlátható és énekes operastílust választották, amelyhez a drame lyrique kifejezést használták. Még Debussy is ezt a kifejezést használta Pelléas et Mélisande című operájához .

Az opera anyaga mindig regényekből , novellákból vagy színpadi művekből származik . A 18. századi olasz opera zenébe öltözött irodalomnak tekintette magát . Azóta a zene lett az abszolút túlsúly, azaz a 19. század vége óta rendkívül irodalmi operák irodalmi opera néven . Halál Velencében által Benjamin Britten alapján a Thomas Mann egy nagyon hű fordítása Az irodalmi anyag zenét.

"Alsó" stílus

Az opera buffa a vidám opera eredeti formája. A 18. század közepe táján Pergolesi La serva padronáját tartották vezető példának. A késői példa Il Barbiere di Siviglia által Gioachino Rossini . A kivételesen vidám operákat gyakran kevésbé tartották tiszteletben, mint a szentimentális operákat. Szövetei a népszerű színházból és poszéból származnak , erősen befolyásolva az olasz Commedia dell'arte -tól .

A korai opera buffából bontakozott ki a francia opéra-comique ( műfaj) , amely a forradalom előtt az egyre magabiztosabb polgárság operájává vált. Eleinte ezt inkább dalos játéknak ( vaudeville ) értették . De a zenei rész nőtt és kezdett uralkodni. Az Opéra-comique-ból előkerült a német nyelvű Singspiel . A Singspiel gyakran népszerű, polgári jellegű, egyszerű dal- vagy rondóformák jellemzik , és a recitatívok helyett beszélt párbeszédeket használ , és időnként melodrámákat a zenei számok között.

A bíróság franciául beszélt. A német opera problémája a 18. században és bizonyos mértékig még a 19. században is az volt, hogy népies operaként az „alacsonyabb” műfajhoz tartozott, és érvényesítenie és emancipálnia kellett magát. Wolfgang Amadeus Mozart Az Abduction from the Seraglio című műve az egyik leghíresebb Singspiele ezzel a céllal. Mozart bonyolultabb zenei formákat is használ az áriákhoz. A mű, amelyet II . József császár bízott meg egy nemzeti énekjáték létrehozásával, és 1782 -ben mutatták be a bécsi Burgtheaterben , meghatározó jelentőségű volt a német opera fejlődése szempontjából.

A 19. században Párizs vezető szerepet játszott az operatörténetben, és olyan olaszok is érkeztek ide, mint Rossini és Verdi. Az Opéra-Comique , amit végre a házban az Opéra-Comique is maradt másodlagos , hogy az újonnan létrehozott, alaposan álló Grand Opera , amit végre a Opéra - mégpedig a zenei jelentőségét, mint a társadalmi jelentősége. Az említett okok miatt nem feltétlenül kellett vidámnak lennie. Egy jól ismert példa a német nyelvterületen a komikus és érzelgős opera-Comique van a Postillon által Lonjumeau szerint Adolphe Adam . Az 1860 után formálisan még Opéra-comique-ként is emlegethető művek egy csoportja megerősítette a szentimentális alapkaraktert (például Mignon , Ambroise Thomas ). Szentimentális elem található Rossini néhány komikus operájában ( La Cenerentola ) is.

Az opéra-comique megújítását Carmen- el sikerült Georges Bizet , akinek drámája a verismo opera irányába mutat . Vele - a proletár figurákat leszámítva - a lurid az "alsó" stílus jellemzője volt.

Nagy opera - kamaraopera

A "méret" a magas vagy alacsony stílus jele is lehet. Néha a „nagyopera” kifejezést használják egy mű felirataként. Ez azt jelenti például, hogy a zenekarnak és a kórusnak nagy szereposztásban kell játszania és énekelnie, vagy hogy az opera teljes hosszúságú mű, integrált balettel. Ezek olyan operák, amelyeket csak egy nagyobb színházban lehet előadni, és amelyek eltérhetnek az utazó csapatok repertoárjától. Egy példa a „nagy opera” az Manon által Jules Massenet .

A kamaraopera kifejezés viszont olyan munkára utal, amely kevés személyzettel valósítható meg. Az énekesek száma általában nem haladja meg az öt főt, a zenekar kamarazenekarra korlátozódik . Ez az anyagi szegénység nehézségeiből fakadhat, és így utalhat az „alacsonyabb” műfajra, vagy éppen ellenkezőleg, a „magasabb” műfaj nagyobb kizárólagosságát és koncentrációját jelenti. A színpad is gyakran kisebb, ami hozzájárulhat a meghittebb hangulathoz, ami előnyös a munka hatására. Példák lenne Albert Herring szerint Benjamin Britten vagy „Les Larmes de Couteau” által Bohuslav Martinů .

Műfaj vagy csak feliratok?

Néhány operaszerző ellenállt a műfaji hagyományokba való besorolásnak is, vagy szándékosan hivatkozott műveikre bizonyos feliratokkal kapcsolatban. Wagner Trisztán és Izolda hordoz, például a „cselekmény zene”, Luciano Berio felhasználhatja munkája Passaggio találhatóak a „Messa Scena” ( „staging”). George Gershwin Porgy és Bess című művét "An American Folk Opera" -nak minősítette. Annak érdekében, hogy távol tartsák magukat a klisés ötletektől, a modern zeneszerzők gyakran az alternatív neveket részesítik előnyben, mint például "azione scenica" ( Al gran sole carico d'amore , Luigi Nono) vagy "azione musicale" ("zenei aktus", Un re in ascolto by Luciano) Berio). Még Peter Csajkovszkij híres Eugene Onegin operáját is a zeneszerző "Lyric scene" -nek nevezte.

Egyéb speciális formák

A 2016 Richard Geppert írta a német rock-opera Freiheit a zenei kifejezési és eszközei rockzene .

Van néhány példa azokra az operákra - köztük John Corigliano 1991 -ben bemutatott A versailles -i szellemek című művére -, amelyek formai szempontból önmagukra hivatkoznak , mivel maguk is drámát vagy operát tartalmaznak.

Az opera előadási gyakorlata

repertoár

Tekintettel arra, hogy az opera műfaját nem mindig könnyű megkülönböztetni a többi zenei műfajtól és műfajtól, valamint a pasticcios gyakorlatától, az operarepertoár teljes terjedelméről szóló nyilatkozat számos nehézséggel jár. A jelenlegi listák 5800-6000 ismert művet feltételeznek. Ha beleszámít az elveszett és elveszett művek nem elhanyagolható számába, különösen a 18. századból és a 19. század elejéről, akkor összesen körülbelül 60 000 operának kell reálisnak lennie.

Katarina Karnéus Serse szerepében a Stockholm Svéd Operában, 2009

A nagyszámú mű nem könnyíti meg a színházak és az operaházak számára a magas színvonalú, és megfelelő közönséget is megtaláló válogatást. A színház méretétől és a meglévő költségvetéstől függően művészeti vezető és dramaturgia a színház minden részlege (színjátszás, zenés színház, balett, gyermekszínház, bábszínház stb.) Számára , a kidolgozott ütemterv adaptálta a házat és alkalmazottait. A program figyelembe veszi a hely regionális sajátosságait és előadási hagyományait - például szabadtéri fesztiválokon, karácsonyi vagy újévi koncerteken keresztül -, de jelzi a zeneszínház aktuális trendjeit is, kortárs művek előadásával. A ház méretétől függően egy -egy szezonban új operákat rendeznek újra. Az új opera első nyilvános előadását premiernek , az opera új nyilvános előadását új produkcióban premiernek nevezik .

Lassan megjelent egy kipróbált, többé -kevésbé keskeny operák kánonja, amelyek rendszeresen szerepelnek a programban. Körülbelül 150 opera alkotja ezt a nem rögzített kánont. Ennek megfelelően az érdeklődés a jellemző szakasz konkrétan eltolódott a már jól ismert műveket értelmezését , az átmeneti mozgó előtérbe. A közönség gyakran társítja kedvenc operáit bizonyos hagyományokhoz, amelyek egy része a konvenciókba fagy, és ellentmondásosan reagál a radikális értelmezési megközelítésekre (rendezői színház ).

Az előadások nyelve

A hatvanas évek közepéig az operákat többnyire annak a helynek a nemzeti nyelvén adták elő, ahol előadták. A németországi Verdi -operákat németül, a Wagner -operákat pedig olaszul énekelték olaszul, amint azt rádió- és televíziós felvételek is mutatják. Előtte azonban voltak olyan színházak, amelyek a megfelelő eredeti nyelven adtak elő operákat, például a New York -i Metropolitan Opera . A salzburgi fesztiválon az operákat mindig csak eredeti nyelven mutatták be. A milánói La Scala -val kötött szerződés alapján , amelyben olasz énekesek vállalták, hogy a Bécsi Állami Operaházban is énekelnek, Herbert von Karajan 1956 -ban bevezette azt az elvet, hogy az operákat eredeti nyelven adják elő a Bécsi Állami Operaházban. Azzal az érvelésével, hogy a szó és a zene egysége elveszett, amikor más nyelvre fordítottak, az operákat fokozatosan egyre inkább eredeti formájában adták elő. Ehhez a fejlődéshez döntően hozzájárult a lemez- és énekespiac is, amely egyre nemzetközivé vált. Az NDK -ban viszont még nagy hagyománya volt a fordításoknak, de új fordításokkal (pl. Walter Felsenstein , Siegfried Schoenbohm ) próbálkoztak az eredeti tartalmának pontosabb, nyelvileg sikeresebb és mindenekelőtt lefordítására. , zeneileg megfelelőbben. Ma szinte minden nagyobb operaházban az operákat eredeti nyelven, egyidejű felirattal adják elő .

Sok kisebb színházban, különösen Kelet -Németországban, még mindig vannak német nyelvű előadások. Néhány városban (például Berlinben, Münchenben, Bécsben) több operaház is található, amelyek közül az egyik fordításban ad elő operákat, például a Volksoper Wien , a Komische Oper Berlin , a müncheni Staatstheater am Gärtnerplatz vagy Londonban az English National Opera . Hébe -hóba van egy engedélyezett fordítás is (mint Leoš Janáček operáinak esetében , amelyek német szövege Janáček barátjától, Max Brodtól származik, így a német szöveg is eredetinek tekinthető). Az eredeti nyelven való fellépés mindig nehéz, ha párbeszédek zajlanak a műben. Vannak itt vegyes formák is, azaz a beszélt szövegeket lefordítják, de az énekelt hangok az eredeti nyelven vannak. A fordított zenés színházi előadás ezért széles körben elterjedt a singspiel , az operett és a musical terén . A színház dramaturgiája felelős az idegen nyelvről való pontos fordításért. Ha elmélyíteni kívánják a rététiteurs nyelvtudását , akkor idegen nyelv szakosított edzőit is behívják.

Lásd még

irodalom

Könyvek

Kereskedelmi folyóiratok

web Linkek

Wikiszótár: Opera  - jelentésmagyarázatok, szó eredet, szinonimák, fordítások
Commons : Opera  - képek, videók és hangfájlok gyűjteménye
Wikiforrás: Opera  - Források és teljes szövegek
Wikiquote: Opera  - Idézetek

Egyéni bizonyíték

  1. Wilibald Gurlitt , Hans Heinrich Eggebrecht (szerk.): Riemann zenei lexikon ( tárgyrész ) . B. Schott fiai, Mainz 1967, p. 654 .
  2. ^ Arnold Jacobshagen : "Musiktheater" (PDF) Német Zenei Információs Központ .
  3. Összefoglaló lásd: Wolfgang Osthoff: Monteverdi: L'incoronazione di Poppea . In: Carl Dahlhaus (Szerk.): Piper Enzyklopädie des Musiktheater . 4. kötet. München 1991, 253-259.
  4. ^ Johannes Jansen: Crash course opera . 127. o., "Indulás a modernségbe".
  5. Statisztika 2017/18. Operabase ; megtekintve: 2018. június 14.
  6. Roswitha Frey: "A valóság utolért minket" . Badische Zeitung , 2016. március 18.
  7. Versailles szellemei. Letöltve: 2019. július 7 .
  8. Kurt Pahlen : Az új operalexikon. Seehamer, Weyarn 2000, ISBN 3-934058-58-2 , 9. o.