Jonathan Borofsky
Jonathan Borofsky (született March 2, 1942-ben a Boston , Massachusetts ) egy amerikai művész .
Élet
Jonathan Borofsky az Egyesült Államokban , Ogunquit / Maine - ban él és dolgozik .
Miután művészetet tanult a pittsburghi Carnegie Mellon Egyetemen , Borofsky az Ecole de Fontainebleau és a Yale Egyetemen folytatta tanulmányait . Az 1960-as években Jonathan Borofsky a minimalizmus és a Pop Art színes világának ötvözésére törekedett . Ezt a koncepciós művészet alkotásai (számmeditációk) követték az 1960-as évek vége felé . 1971-ben folytatta festői és szobrászati gyakorlatát, és létrehozott néhány túlméretes szobrot, például a Himmelsstürmer-t, a Kalapáló embert vagy a Ballerina Bohócot ( az Aacheni Ludwig Nemzetközi Művészeti Fórumon kívül ). A Ballerina Bohóc első verzióját 1983-ban hozták létre. Az Aachen-változat 1991-ből származik, és abban az évben a berlini Gropiusbau Metropolis kiállítás része volt . Egy másik változat Velencében (Los Angeles) található .
Életrajz és munka
Jonathan Borofsky műveit a kifejezési formák széles skálája jellemzi, amelyek változatossága nem illeszthető be egyetlen stiláris fogalomba sem. Az évtizedek alatt művészi munkásságát egyrészt a művészeti világ elemei és uralkodó elképzelései, másrészt a művészi egyediség keresése határozta meg.
Zongoraművész és festő fiaként született, nyolcéves korában kezdett művészeti órákat tartani. A Carnegie Mellon Egyetemen folytatott tanulmányait , amelyeket "szép négyéves védelemként" ír le, 1964-ben fejezte be képzőművészeti alapképzésként. 1964-ben ideiglenesen a párizsi Ecole de Fontainebleau- ban tanult .
Művészi munkásságának középpontjában a szobrok álltak, a párizsi vakolattal kísérletezett, később hegesztett acélból készült (gyakran vakolattal borított) műveket készített a Yale Egyetemen . Példaképe ebben Picasso , akinek szobrai nagyon sokféle stílust tartalmaznak, és - övéhez hasonlóan - rajzokban vannak felépítve. „ Borofsky számos különálló formát készített - napernyőket, gyümölcsformákat, geometriai struktúrákat -, és egy additív szoborrá szervezte őket, amely megőrizte az egyes részek azonosságát, ez a jellemző továbbra is jellemzi munkáját. "( Mark Rosenthal , német:" Borofsky számos egyedi formát készített - napernyőket, gyümölcsformákat, geometriai szerkezeteket -, és összetett szoborba rendezte azokat, amelyek megtartották az egyes részek sajátosságait; olyan tulajdonság, amely továbbra is jellemzi munkáját. ") 1965-ben üvegszálból készítette első „primitív” szobrait ugyanabban a stílusban.
Művészi pályafutását mind tudományos karrierje (1966-ban Yale-i doktori fokozat), mind a nem sokkal később bekövetkezett helyváltozás formálja. New Yorkba költözött, kora művészeti világának központjába. A hatvanas évek végén Borofsky megpróbálta ötvözni a minimalizmus egyszerű formanyelvét a Pop Art közvetlen képzetével , hogy képes legyen kifejezni a szubjektív objektivitás és jelentés új megközelítéseit . Roy Lichtenstein művészetének hatása alatt dekorációs tárgyakat (különösen lámpákat) készített, de ezek nagy részét később ő maga semmisítette meg.
1967-ben Borofsky abbahagyta a "műtárgyak" gyártását, és elkezdte leírni gondolatait és számmeditációit. Meggyőződve arról, hogy a festészet és az objektumkészítés elhunyt, az 1960-as évek óta dolgozik a koncepció vagy az ötletművészet területén, és 1969-ben kezdte el számok sorozatát papírlapokra rögzíteni, amelyet évekig folytatott. 1970-ben kiállította gondolatkönyveit , amelyek az idő és a tér reflexióit tartalmazzák, számok és diagramok formájában ábrázolva, és amelyek önálló művészeti formaként értelmezhetők. Ez magában foglalja a személyes koncepciók illusztrálására szolgáló modellek felépítését is („A világ megértéséhez az ember rendszerekben gondolkodik”).
1975-ben volt az első önálló kiállítása a Paula Cooper Galériában , amely 1 és 2 346 502 közötti papírlapokból készült papírkötegeket tartalmazott. A méter magas torony folytatása annak a számlálási projektnek, amelyet 1973-ban mutattak be a Művészek Tereiben Sol LeWitt meghívására, és többször szerepelnek kiállítások tárgyaként. 1974 óta kezdett számolni a mínusz tartományban. A számlálás dokumentumok idő és maga is egy részlet a Universal vonal szemlélteti az idő gondolat , amely lehet tekinteni, mint egy szellemi kifejezés a vágy egy misztikus minden összekapcsolódás.
A folyamatos számlálást úgy lehet tekinteni, mint egy rajzot, amely az idő témájával foglalkozik: „Művészként az a célom, hogy bemutassam… gondolataim illusztrációit az idő értelmével kapcsolatban.” A kiállított szám- és rajzkötegek dokumentálják a művész tevékenysége egy bizonyos időszakban, munkájának kiállítása mindig visszatekintésként értékelendő.
Festési és rajzolási munkáját 1971 körül folytatta, miután a számlálási folyamat meditatív aspektusa - a millió elérésekor a megvilágosodás elérésének célja - nem valósult meg. Az egymást követő számok (tudatosan) infantilisztikus vázlatai, rajzai és szobrai aláírásává válnak , amelyeket folyamatosan összefűzve - beleértve az összes alkotói fázisból származó műveket - egy folyamatos festmény átfogó állóképei képezik . Infantilis festési stílusával, amelyet a mai napig megőrzött, a konceptuális munka fázisa után összekapcsolódik a nyolcéves korában készített csendéletekkel . Újra felveszi, és retrospektív show-kba felveszi munkájába , mint kori darabot, amelynek során az élet minden évének képviselő műalkotását ismételten aktuális státuszként mutatják be.
Valamennyi művének a számlálás aktuális státusza szerinti számozása művei két oldalának egyesülését jelenti: egyrészt lineáris és koncepcionális, másrészt érzelmi és reprezentatív .
1973 óta jegyzetfüzetbe rögzíti álmait, amelyeket szóban is elmondanak és illusztrálnak. Ezek - és számos önelemző szöveg - a gyermeki, naiv módon készült rajzok és festmények alapját képezik. 1974-ben - ismét Sol LeWitt javaslatára - elkezdte sablonjainak végrehajtását közvetlenül a falakon. A mintegy 200 falfestményt a kiállítás befejezése után folyamatosan fehérre festették, a kis rajzok és festmények csatlakoznak a folyamatos festéshez.
A 2.099.711 számú álommotívumban (azt álmodtam, hogy repülhetek) egy képi metafora találja meg azt a vágyat, hogy „szabaduljon meg a hűvös művészettől, fejlesszük érzéseit és tegyük közzé önmagunkat” . Szürrealista elemként a repülés álma a minimalizmus és a konceptuális művészet elleni reakció , Borofsky számára pedig lehetőséget kínál arra, hogy áttörje a teret és az időt, és megszabaduljon az ész nyomaitól. Ahogy Flying Man , ő levált őt a kétdimenziós kép felületén számos berendezések a különböző környezetekben , mivel az 1980-as években .
A hetvenes évekbeli életműve a New Image Painting kontextusában tekinthető meg , az USA - ban egy új-expresszionista mozgalomnak, amelynek elsődleges célja a Concept Art merev határainak túllépése és a műalkotások ismét személyes karakterének megadása: „Voltak ilyenek arról álmodozik, hogy nem volt rím vagy ok, amiért történtek. Lenyűgözőek voltak számomra és nagyon személyesek. Közülük sokan nyomokat adtak a saját életemről. Akkoriban kezdtem őket személyes hozzájárulásként tekinteni a művészeti világra. Volt nálam a Pop Art, ami kissé túlságosan pofátlannak tűnt számomra, és a Minimal Art, amelyhez tudtam kapcsolni a számolásomat, de valami személyesebbet, őszintébbet, nyíltabbat és közvetlenebbet kerestem. "
Munkájának "szíve" a rajz, évente több százat készít belőlük: "A Borofsky számára készített rajz bemutatja gondolatait, amint azt kifejtette:" Az én gondolkodásom egy tárgy "." A rajzok az alapja a falfestményeknek, a képeknek és a képeknek. Olyan szobrok, amelyek kezdetben fontosak lettek a festészeti felület meghosszabbításaként munkájában. Nem voltak alkalmasak eladásra, számtalan (kb. 200), de rövid életűek, mivel a kiállítás után mindig átfestik őket.
Borofsky sokoldalú szobai installációi, amelyek változatosak a kifejezésben és a pátoszban , a médiumok legkülönbözőbb alkotta alkotásokból állnak. A jól ismert motívumokat és topojokat módosított formában mutatják be - úgymond piros szálként. A térhatás mindegyikben nyilvánvaló: a kezdetben zsúfolt helyiségek ( Paula Cooper Galéria 1975: olyan festmények, rajzok, koncepcionális alkotások és talált tárgyak halmozódása , amelyek nem engedik, hogy egy adott tárgyra összpontosítsanak, hanem inkább benyomást keltenek munkájáról) a kiállítási terek feltárásával finomodnak. , a művek pontos elhelyezése a szobában egyre fontosabb számára: „Borofsky egyetlen nagy installációja 1977-ben a Kaliforniai Egyetem , Irvine Művészeti Galériájában volt . Ez volt a Borofsky által eddigi legnagyobb tér, és körülbelül két hete, az eddigi leghosszabb időszak volt arra, hogy elkészítse falrajzait. Az aktatáskájában található fényképek és apró rajzok közül válogatott régebbi, jól sikerült képeket, valamint újakat, amelyeket még nem használtak; elrendezte az egész szobát, mintha egy négyoldalas festmény lenne. A térnek be kellett ölelnie a nézőt, és az elsődleges látási vonalaknak az egész szobát kellett játékba hozniuk. Ettől a ponttól kezdve Borofsky installációit a tér legérdekesebb építészeti jellemzőinek kiválasztásával és a kiállítás középpontjában való felhasználásával kezdte. "
Borofsky 1977-ben hagyta el New Yorkot, és azóta a maine-i Ogunquitban él . Körülbelül 15 éve állítja ki rajzait és festményeit amerikai múzeumokban és galériákban, később elsősorban részben monumentális szobrai révén nyert nemzetközi jelentőséget. Miután kiadások 11 éves New York-i tanítás a School of Visual Arts, tanított a California Institute of the Arts in Valencia egy évre . Akadémiai pályafutása és művészi munkája során a művészet elméleti vonatkozásaival és munkájának alapjaival foglalkozik: „Ötletembernek, ötletfestőnek érzem magam ... ennek (a műnek) mindig a festménynek kell lennie . ”Ha rajzainak és tárgyainak infantilis-expresszív modora reakció volt a Minimális és Koncepcionális Művészetre, munkájának alapja továbbra is az intellektuális és koncepcionális teljesítmény.
Borofsky életművének tematikus központja saját művészi identitása . A fejlett fejjel motívumokkal ellátott festmények rövid szakaszában, mint szürreális szempont egy sor technikai kísérlet után (ideértve a rajzok falra vetítését is), Georg Baselitz műveivel való találkozás a projekt végéhez vezet , ami ennek ellenére nagyon elbűvölte. Művészete tárgyhoz kötött, de korántsem józan és objektív. Műveinek személyes és politikai kifejezőképessége, amelyet egyszerű és általánosító motívumokkal alkot, Borofsky számára egyfajta személyes részvétel a világban: „Borofsky rajzainak szinte mindig vannak tárgyai, mert nyilatkozni akar,„ politikai álláspontot képvisel ”. ". „Hűvös művészetnek” nevezett kapcsolata helyett a társadalommal való összeköttetést látja. A 60-as évekbeli gyermeke arról az időszakról ismeri fel a „közös érzelmi feltörést”, amelyben az emberek egymásra hajlanak. A világban való részvételhez Borofsky azt reméli, hogy egyetemes következményekkel járó témát fog ábrázolni. Ennek érdekében kifejlesztette az ismétlődő, általános témák mintázatát, amelyet gyakran archetípusok és archetipikus helyzetek emelnek ki. "
Munkájának domináns motívuma azonban maga a művész, mint gondolkodó és érző ego a világon. Valójában minden műalkotása önarckép , de főleg életének álmai, félelmei és történetei önmagát reflektáló karaktert adnak a vizuális és figurális ábrázolás révén. Saját nyilatkozata szerint abban reménykedik, hogy "megértem saját fájdalmaimat és boldogságaimat", műveinek puszta száma és széles elterjedése azonban nemcsak a saját személyként és művészként való identitás keresését tükrözi, hanem példamutató szerepét, amellyel sokan azonosulni tudnak.
Munkája így tükrözi az emberi létezés minden konfliktusvonalát. A szellemiségről és a testi jólétről szól, a földi létről és a természetfölöttiről, végül a jóról és a rosszról is. A mások iránti együttérzés a művész egocentrikusságába burkolódzik; álmai írásbeli megfogalmazása a művész belső perspektíváját reprezentálja, rajzait és festményeit, amelyekben megjelenik, a néző szemszögéből mesélik el.
Rajzai a kiválasztott témákon keresztül kapják meg a politikai kifejezés erejét. A hetvenes évek végén sajtófotókon alapuló rajzai társadalmilag vagy politikailag hátrányos helyzetű emberekkel és osztályokkal foglalkoznak, különös tekintettel a vasfüggönyön túli országok lakosságára : „Borofsky politikai helyzetekkel való elfoglaltsága arra késztette, hogy nagy hangsúlyt fektessen a az erőszakot, elnyomást és szorongást érintő témák. ... B művészetében gyakran találkoznak a különböző típusú elnyomások áldozataival, köztük bebörtönzött figurákkal, madarakkal, kambodzsákkal, fókákkal, és maga a művész is olyan számokkal borított, amelyek náci tetoválásokat idéznek fel. Másutt a fejek széthasadnak, vagy olyan kényszer érte őket, amelyet hatalmas súlyok nyomnak rájuk, és a férfiak szétesnek az űrben. Más fegyverek, kardok, ütők és fegyverek is veszélyes gazemberek eszközei. " Telepítésekben és falfestményekben többször foglalkozik a hidegháborúval . Az 1982-es nyugat-berlini Zeitgeist nemzetközi művészeti kiállítás alkalmából azon kevés művészek közé tartozott, akik a megosztott városra hivatkoztak: a Gropius épületében a Repülő embert kirepítette az ablakon, és repülés közben átlépte az elválasztó falat. Ezenkívül a fal nagy részét egy sétáló férfival festette , nem sétáló, hanem futó figurával.
A sétáló ember és a futó ember szobrászati munkájának a Repülő ember stíluseszköze mellett nemcsak az emberi mozgást, hanem a repülés gondolatát is képviseli, amelyet a személyes és politikai félelmekkel való szembenézés kiválthat. Pozitív és optimista változata a Repülő Ember, aki legyőzi a racionális és társadalmi határokat, és így válik a szabadság és a magasztosság megtestesítőjévé: „A menekülés a szenvedés ellensúlyozásának egyik módja, és Borofsky ennek különböző formáit mutatja be művészetében ... B. maga is gyakran repülő alakja formájában éri el a repülést. Teljes testű szuperman - a Molekulaembertől eltérően - látszólag könnyedén menekül a mindennapi események elől. A levegőben tisztább, felvilágosultabb perspektíva van, ami fokozza szellemi keresését. "
Hősebb figura a Kalapáló ember , aki Borofsky életművének egy másik alapmotívumát képviseli. A munka (szellemi és fizikai), mivel ez a világ alapvető tevékenysége, ellentétben áll a spiritualitással és a transzcendentalitással . Komponenseként installációi a múzeumok és galériák, a Hammering Man kifejlesztett egy rajzot monumentális szabadtéri szobrok, hogy ma - mint a Hammering Man in Basel (1989) és Frankfurt am Main 1991 - elsősorban összefüggésben központok gazdasági tevékenység . A Kalapáló ember és a számlálás Borofsky számára, mivel sok éven át a különböző kifejezési formák heves viták tárgyát képezik, és művészi szándékainak összetettségét példázzák. A Kalapáló Ember gigantikus sziluettje , amelynek Borofsky skálája többféle megvalósításban is újra és újra változott, szüntelen mozdulatában az emberi munka par excellence metaforájaként jelenik meg . Borofsky úgy beszél róla, hogy „mindannyiunk munkása. Mindannyian az eszünket és a kezünket arra használjuk, hogy éljünk és tanuljunk a világban - vagy egyszerűen csak a túlélés érdekében. "
Az idő megállíthatatlan múlásának szimbólumaként a Kalapáló Ember megfelel az új Szívfény- szobroknak, amelyek saját szívverésének digitális felvételét tartalmazzák. Hasonló módon számítógépes számlálást végez, amelyet az 1960-as évek vége óta folytat. A számok felírásával kézzelfoghatóvá teszi az idő múlását. Egyéni cselekvésként nem szimbólum, hanem a munka vagy a munkaidő valódi kifejezése. A számlálás tehát Borofsky absztrakt életrajza, amelyben minden művészi termék, rajz, festmény és szobor fel van tüntetve, számmal látva el, amely a személyes időrendszerében helyet foglal nekik. Ebben az értelemben Borofsky összes alkotása önarckép. Borofsky a Kalapáló Ember.
A hetvenes évek végéig Jonathan Borofsky gyors egymásutánban részt vett az Egyesült Államokban és Európában megrendezett kiállításokon, főként falfestmények és rajzok voltak, amelyeket a helyszínen készítettek. 1978 augusztusában volt az első kiállítása a groningeni Corps de Garde- ban , 1979-ben például részt vett a Whitney Biennálén . Ott ötvözte álmai képeit ezekből a képekből származó műanyag elemekkel, hogy nagy fizikai jelenlétet teremtsen az elbeszélés számára. Installációit egyre inkább a stílusok és a média sokfélesége jellemezte. A realisztikus festményeket elvont elemekkel, expresszionista rajzokkal, fotókkal, filmekkel és figurákkal ötvözte, így az elemek holisztikus szinopszisát alkotva, amely lényegében a teljes barokk műalkotásra hasonlít. Háromdimenziós installációi ugyanolyan kiterjedtek, mint összetettek: "Olyan elemek használatával, mint a mennyezettől a padlóig terjedő húrok és huzalok, a sarkok körül folytatódó vagy az ajtónyílásokon átnyúló falrajzok és a padlót borító szórólapok, B. aktiválja a szoba, így installációi teljesen átfogják az élményeket. Akár hangzás, akár szaglás érzetét keltheti, hogy tovább borítsa a nézőt. ”Borofsky számára a stílus„ munkamódszer ”, nem önmagában vívmány. Érdekeli a műalkotás vizuális hatása a térben és a néző bevonásának innovatív módjai. Engedélyezték, hogy a ping-pong asztalon játszhasson, valamint vigyen magával ajándékokat. A Biennále a Velence 1980-ban ő terjesztett példányainak rajzaiból, hogy vigye haza.
Jonathan Borofsky nem lenne „költő-politikus”, ha nem próbálná megragadni és leírni az egész világot. Az egyetemes szellem, amelyet már gondolatkönyvei is tükröztek, minden kiállítása velejárója: „Az egész emberiséget egynek tekinti, amelyet egységesen egyesítenek egyetemes értékek és egyetemes igazságok, amelyek művészetén keresztül tárulnak fel. Így B lesz az egyetemes ember - aki mindenkit képvisel. Ugyanez az elv alapozza meg installációinak jellegét: a különböző összetevők - a különböző anyagformák, stílusok és ötletek - egy egészet alkotnak, amely meghaladja az egyes részeit. "Célja szerint" die Menschen elérni egy általánosan érthető nyelvvel - szavak és képek ”, ma nemzetközileg szenzációs szabadtéri szobrok és installációk uralják munkáját, amellyel a nyolcvanas évek óta népszerűvé vált. A földrajzi spektruma szobrászati munkája kiterjed származó California és Korea .
A Németországban egyedül ő telepített hét másik alak mellett a Flying Man a University of Augsburg : gazdagította documenta 7 in Kassel kisebb Kalapácsfúrás Men , és ez a szám Man walking az égen , melyet kiállított documenta IX , most már az övé rögzített hely Kassel főállomásán. Az acélból készült óriási Kalapácsembert 1991-ben a frankfurti kiállítási központ , a Molecule Man alumíniumból 1999-ben a berlini Spree közepén állították fel . Az ábrán a szabadság Szabadság (férfi / nő) , amelyben avatták a Offenburg az 2000 áthatja a történelem, mint egy emlékeztetőt a Offenburg Közgyűlés 1847-ben , egy gyalogos ember már díszítő Munich Re irodaházban a Leopoldstrasse a müncheni 1995 óta , és a másik Walking Man már díszítő egy köztér verdeni 2005 óta .
Képtár
Az ember az ég felé sétál, Kassel
Balerina bohóc a Ludwig Nemzetközi Művészeti Fórumban
Ballerina bohóc Velencében (Los Angeles)
irodalom
- James Cuno, Ruth Fine: Tárgy (ok) - Jonathan Borofsky nyomatai és többszörösei 1982–1991. Hannover / New Hampshire 1992.
- Christian Geelhaar, Dieter Koepplin: Jonathan Borofsky . Rajzok 1960–1983. Bázel, 1983.
- Portikus Verlag Frankfurt am Main (szerk.): Jonathan Borofsky. SZÁMOLÁS 3287718 - 3311003. Frankfurt 1991.
- Mark Rosenthal: Jonathan Borofsky. New York 1984.
- Yvonne Schlosser: Jonathan Borofsky. Pilóta. In: Augsburgi Egyetem (szerk.): Művészet az egyetemen. Augsburg, 2005.
- Katharina Schmidt, Philip Származás: Fehér tűz - Repülő ember. Amerikai művészet 1959–1999. Nyilvános művészeti gyűjtemények Bázel, Bázel, 1999.
- Edward van Voolen: Zsidó művészet és kultúra . Angolból fordítva: Nikolaus G. Schneider. München: Prestel, 2006, 150. o., F.
web Linkek
- Jonathan Borofsky irodalma a Német Nemzeti Könyvtár katalógusában
- Hivatalos honlapján
Lábjegyzetek
- Alf Ralf alapító: Berlin Wall Art: Dokumentáció. Böhlau, Köln és munkatársai, 2007, ISBN 978-3-412-16106-4 .
- ↑ Poticus Kiadó: Számolás
| személyes adatok | |
|---|---|
| VEZETÉKNÉV | Borofsky, Jonathan |
| RÖVID LEÍRÁS | Amerikai művész |
| SZÜLETÉSI DÁTUM | 1942. március 2 |
| SZÜLETÉSI HELY | Boston , Massachusetts |