Kóruszene

Kórusmuzsika a vokális zene , amely énekelt a kórus dal egy kórus . A kóruszene lehet monofonikus vagy többszólamú , akár hangszeres kísérettel, akár a cappella (független kíséret nélkül).

A mai értelemben vett kórusok, vagyis a nagy énekes csoportok, amelyek gyakran laikusokból állnak, csak a 19. század óta léteznek. A késő barokk korszak előtt keletkezett énekzenét a mai zenetudományi ismeretek szerint többnyire szólistaként adták elő, ma azonban a későbbi előadási hagyomány miatt „kóruszenének” is tekintik.

Közép kor

Már a késő ókorban kialakult egyfajta előadás és a latin mise egyes szövegeinek közös éneklése , amelyek egyre inkább összekapcsoltak bizonyos unison dallamokat bizonyos szövegekkel. Ezeket az énekeket I. Gergely pápa alatt gyűjtötték össze , és szentté avatták a ma Gergely -énekként (Gergely -ének) ismertté .

Az eredetileg tiszta egyhangúságból az első polifónia a kora középkor folyamán alakult ki oktávvezetés , később szintén ötödik és negyedik párhuzamos irányítás ( Organum ) révén. A tisztán párhuzamos irányítást később elhagyták, de a zene azonos időzítését egy ideig megtartották.

Mivel az egyes hangok ritmikusan is felszabadultak egymástól, különböző jelölési rendszerek váltak szükségessé. Az első "modális rendszer", amely még mindig erősen az ősi mérőn alapult, 1280 körül követte az Ars antiqua -t, az első mensurális rendszert , amelyben a hang időtartamát számokkal jellemezték, amelyek jelzik a hangértékek közötti kapcsolatot. A 14. században az Ars nova további újításokat és finomításokat hozott a metrikus rendszerbe, de új műfajokat és formákat is. Az Ars subtilior a korszak végét jelentette, amely a kifinomultságot és a komplexitást a végletekig vitte, mígnem egy teljesen új stílus uralkodott a 15. század elején.

A szavazatok elosztása akkoriban teljesen más volt, mint ma. A fő hang a tenor volt , amelyet szembeállítottak egy ellenféllel . Ezenkívül általában alacsonyabb basszushang szólt . A magasabb hangokat cantus vagy treble (us) néven emlegették , és az alto (us) kifejezés , amely a latin altusból származik, „magas”, eredetileg magas férfihangot jelentett.

A reneszánsz a cappella stílusa

Guillaume Du Fay , a francia-flamand zene korai korszakában, háromrészes mondatokat írt teljes szöveggel. A friss teutsche Liedlein (1539–1556) gyűjteménye , amely például Heinrich Isaac Innsbruck című dalát tartalmazza, először meg kell engednem, először tartalmaz polifónikus a cappella tételeket .

A reneszánsz zenében az a cappella semmiképpen sem jelentette azt, hogy semmilyen hangszert nem szabad használni. Inkább azt értették alatta, hogy az összes részt teljes egészében írták meg, így nem volt szükség semmilyen eszközre a mondat megfelelő leadásához. Ennek a zenei formának a fő képviselői a "néhai holland" Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525–1594) és Orlando di Lasso (1534–1594) voltak. A zene itt elsősorban szövegteremtő eszközként szolgált.

A 16. század folyamán a multi- kórus új hangélményeket tett lehetővé azáltal, hogy a teremben több kórus mellett állt. A 16. század végén a kórus egyre funkcionálisabbá vált, különösen az operában .

Fejlődés a német nyelvterületen

A reformáció ideje

A tenor dal hangszeres kísérettel valamivel idősebb, mint az a cappella mozgását . Ennek a formának mestere volt Ludwig Senfl (1486–1543 / 44). A tenordal egy szöveges dallamból, egy cantus firmusból állt , amelyhez lényegesen mélyebb hangzású basszusgitár és két felső hang került, mint komplex hangszeres ellenpont. Előfordult, hogy a hangszeres részeket is szövegezni lehetett.

A reformkor zeneszerzői ezt a formát használták építő, világi énekeikhez. Ezek egy cantus firmusból is álltak, amelyhez más hangok is csatlakoztak, immár már nem hangszeresek, hanem teljes szövegűek. Ennek az iránynak a fő képviselője a Luther intim Johann Walter (1496–1570) volt, akit a drezdai udvari zenekar alapítójának is tartanak .

barokk

A barokkban több olyan zenei fejlesztés is összejött, amelyek ezt az időszakot a vokális zene csúcspontjává tették. Különösen a protestáns egyházi zene virágzott.

A korai és magas barokk előterében a vallási tartalom közvetítése, valamint a különböző nemzeti stílusok egyesülése állt (Olaszország, Franciaország). A képviselők közé tartozik Heinrich Schütz ( szent kóruszene ), Michael Praetorius , Johann Hermann Schein és Claudio Monteverdi .

A hangnyelvben radikális változás következett be, amelyet a szöveg megváltozott kezelése okozott: Ha korábban szimbolikusan értelmezték, ha egyáltalán, akkor affekttartalmát most egy zenei retorika szóhangzású alakjaival illusztrálták .

A magas barokk korszak legfontosabb újítása az volt, hogy az énekkórus most először szembesült egy önállóan működő zenekarral . Megjelent a kantáta új formája (gyakran kiterjedt szóló vokális szakaszokkal), miközben a motett háttérbe szorult . Johann Sebastian Bach , Georg Philipp Telemann és Georg Friedrich Händel ma ennek az időszaknak a legismertebb képviselői közé tartoznak .

Ezenkívül a késő barokk a mai kórus -felfogásunk „bölcsője” volt. Míg a Praetoriusban az egyéni hangokat továbbra is szólistaként, kórusként vagy hangszerekként lehetett leadni, szükségletektől, ízléstől és lehetőségektől függően, a mai értelemben vett állandó kórusegyüttesre számítottunk, még akkor is, ha ezek általában még meglehetősen kicsik voltak (kb. 12 énekes Bachban) lenyújtották).

Klasszikus

A világi kóruszenének kevés jelentősége volt a bécsi klasszikus időszakban , mivel a hangszeres zene a 18. században került a figyelem középpontjába. Van azonban olyan opera is, amelyben a kórus szerepet játszik.

Az egyházi zenében azonban továbbra is igényes és kiterjedt zenét írtak kórusra és zenekarra. Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Franz Schubert és Ludwig van Beethoven szent műveket, például liturgikus célú miséket komponált.

románc

A romantikus kóruszenét a kórusdal és az oratórium műfajai formálták.

A társadalom egyre szekulárisabb orientációja számos világi kórusdalszerzést eredményezett, például Felix Mendelssohn Bartholdy , Carl Friedrich Zelter , Friedrich Silcher , Anton Bruckner és Johannes Brahms . E kórusdalok dallamának részben a népdal volt az alapja, amelyben a romantikusok a természetességet és a tisztaságot látták. Silcher népdalként komponálta kórusdalát . A 19. század végén hatalmas kórusegyesületek alakultak ki .

A civil kórusszövetségeknek köszönhetően - az első polgári vegyes kórus egyesülettől, a Sing -Akademie zu Berlintől (alapítva 1791 -ben) - a mai Filharmonikus Kórusok elődei miatt a kórusok olyan léptékben álltak rendelkezésre, amelyek képesek megbirkózni a kibővített szimfonikus zenekarokkal. Ezt olyan zeneszerzők használták, mint Giuseppe Verdi , Max Reger , Johannes Brahms, Anton Bruckner, Felix Draeseke és Richard Wagner . A kórus normál mérete 70-120 énekesre nőtt. A nagyobb, 300–500 énekesből álló szereposztások, mint például Gustav Mahler, Hector Berlioz , Mendelssohn vagy Arnold Schönberg ( Gurre-Lieder ) kiemelkedő kivételek, de nem voltak ritkák, és ezért meglehetősen reálisak a nagyobb előadásokhoz.

A kórusok bővítése a mozdulatok szerkezetére is kihatott: a többszólamúság háttérbe szorult; a túlzott harmónia és az extrém dinamika volt a legfontosabb. Ezenkívül most több kórus is volt, amelyekben több vagy akár minden hang kétszer volt képviseltetve. A női és férfi kórusok is megjelentek.

A szakrális zene területén a zenekarral készült kompozíciók mellett ismét az a cappella kompozíciós módszer érvényesült. Alapján Louis Spohr féle Mass op.54 és a 3 Zsoltárok op.85 a cappella készítmények Mendelssohn Bartholdy, az ív ível Bruckner 's E moll Mass (kíséri szelek) , Brahms szent motettáinak, a Ave Maria Verdis, Draeseke féle késő a cappella tömege Reger motettáihoz, amelyek már a modernitás küszöbén állnak. Sok ilyen kompozíció jellemzője a barokk formák igénybevétele. Mendelssohn motet hora estje, amelyben minden egyes hangtartomány négyszer képviselteti magát, tartja a „leadott rekordot” a korszak a cappella területén .

A zenekarral énekelt kóruszene területén elsősorban tömeges és rekviem kompozíciók vannak, de egyre több oratórium és koncerten is előadható mű. Míg Schubert és Carl Maria von Weber tömegkompozícióit még mindig egyértelműen a klasszikus korszak befolyásolta, addig a későbbi, például Anton Bruckner és Robert Schumann által készített tömegkompozíciókat egyértelműen a barokk modellek befolyásolták. Összességében a tömegkompozíciók jelentősen csökkentek a romantika időszakában, ami elsősorban annak köszönhető, hogy a kompozíciók technikailag és a tagok számát tekintve egyre összetettebbek lettek, ami megnehezítette liturgikus használatukat.

A kórusok fontos szerepet játszottak a romantika korának oratórium -műveiben is. Ezek a művek találkoztak a polgári zeneiparral. Nem voltak gyóntatók, és koncerteken is előadhatók voltak. Jelentős művek Spohr Des Savior és Az utolsó órák és az utolsó dolgok oratóriumai , Mendelssohn Paulus és Elias oratóriumai , Carl Amand Mangold Ábrahámja (1860) és Albert Lortzing Jézus Krisztus mennybemenetele című műve . Brahms német Requiemje és Josef Rheinberger Christoforusja is ebbe a kategóriába tartozik. A különböző nemzeti iskolákban oratórium -művek is születtek kórusban. Ide tartozik például John Stainer A keresztre feszítés, Hector Berlioz Te Deum (1848) és Requiem Grande messe des morts (1837) című műve , amelyek túlmutatnak a liturgikus ünnepségek szokásos keretein, és ezért szónoki előadásra támaszkodnak. Ebben az összefüggésben, Antonín Dvořák Stabat Mater op. 58, a Requiem op. 98 és a Saint Ludmilla op. 71 is fontosak. Edward Elgar The Dream Gerontius op. 38 is soroljuk ebbe a kategóriába.

A kórusok használata szimfóniákban viszonylag ritka maradt. Annak ellenére vagy miatt, hogy Beethoven 9. szimfóniája op. 125. op., A kórusokkal való szimfóniák viszonylag ritkák maradtak. Liszt Ferenc Faust szimfónia három karakter képeket a kórusra és zenekarra (1857) és a szimfónia Dante Divina Commedia a női kórus (Dante Symphony, 1855-1856) maradt az egyetlen kiemelkedő példa mellett Felix Mendelssohn Bartholdy a himnuszt , hogy Gustav Mahler szimfónia ( lásd még szimfónia kantáta ).

Különös szerepet kap a cecilianizmus romantikájának kóruszenéje . Ez tükrözte a katolikus egyház azon törekvését, hogy a szent zene tisztább és világosabb formáit találja meg, amelyek jobban illeszkednek a liturgikus kerethez, mint a romantika neobarokk formái, amelyeket gyakran túlterheltnek és protestánsnak tartanak. Ezt úgy kellett elérni, hogy visszatértünk a gyakran félreértett Palestrina stílushoz.

Modern

Az első világháború után két utat jártak be annak érdekében, hogy szándékosan - a kortárs történelem által motiválva - megkülönböztessék magukat a romantikától. Egyrészt a zenei avantgárd útja atonális és tizenkét hangú kompozíciós formákkal , amelyek azonban sosem fogtak meg igazán a kórus területén. Ennek ellenére magas rangú, elszigetelt kórusműveket hoztak létre, például Anton Webern , Arnold Schönberg , Ernst Krenek , Hanns Eisler és Luigi Dallapiccola .

Más zeneszerzők inkább a barokk és a reneszánsz eszméi felé orientálódtak ; ez a kompozíciós irány, amelyet tévesen neobarokknak neveztek, fontos szerepet játszott Németországban és különösen Ausztriában. Más országokban ilyen formában nem létezett.

A "régi mesterek", mint Heinrich Isaac , Orlando di Lasso , Leonhard Lechner , Giovanni Giacomo Gastoldi , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Heinrich Schütz és Johann Sebastian Bach újrafelfedezése mellett olyan előadók új szerzeményei is megjelentek, mint Hugo Distler , Ernst Pepping , Paul Hindemith , Kurt Hessenberg , Johann Nepomuk David , Franz Tischhauser , Günter de Witt és Volker Gwinner .

A neobarokk kifejezés azonban ennek a kompozíciós iránynak a megnevezéseként alapvetően téves: szinte minden ilyen irányú zeneszerző, különösen Hugo Distler, ellentétben a romantikus időszak számos zeneszerzőjével, nem folyamodott a barokk formákhoz, hanem szándékosan. régebbi formákhoz, különösen a reneszánsz kori formákhoz. Ezeknek a zeneszerzőknek nem a legfontosabb kompozíciós stílus eleme a régi kompozíciós technikák alkalmazása, sőt, sok kompozíció egy mérsékelt zenei modern korhoz tartozik.

Ugyanez a zenei hagyományok igénybevétele történt a kóruszenében is más zeneszerzőkkel. Például Igor Stravinsky az ő zsoltár szimfónia , Szergej Rahmanyinov a liturgiában a Szent Chrysostomus op. 31 és a nagy esti és a reggeli dicséret op. 37, Carl Orff a Carmina Burana , Leoš Janáček a glagolita Mass és Francis Poulenc és Maurice Duruflé saját motetta tudatosan elemeit saját hagyományok azokkal az eszközökkel, a zenei modernizmus .

Népszerű zene a 20. század vége óta

Ezenkívül egyértelmű mozgás figyelhető meg a népszerű zene és tipikus stílusai felé; új típusú kórusok fejlődnek , mint például a gospel kórus , a pop vagy a jazz kórus. Az a kérdés azonban, hogy hogyan lehet hitelesen képviselni ezeket a stílusokat egy nem hivatásos kórus mellett, még nem tisztázott. Két lehetséges megoldás létezik: vagy kifinomult elrendezéseket használ (többnyire technikailag nagyon igényes), vagy a kórus funkcionálisan háttérvokálra redukálja , szólisták és zenekar egyidejű használatával ( kortárs fekete gospel ). A vokális improvizáció (pl. Scat ) nagyon ritkán fordul elő a kóruszenében Németországban. Az egyházzene területén különféle zeneszerzők próbálják ötvözni a népszerű stílusokat (különösen a swing és a jazz) a „klasszikus” elemekkel. Ennek az iránynak a legismertebb képviselői Ralf Grössler és Johannes Matthias Michel .

A népszerű kóruszene körét nagyon nehéz megkülönböztetni a szóló vokális együttesektől, amelyek egyre népszerűbbek a fodrászat , a vígjáték , a folklór , a zenés színház és a változatos színházak területén . Összességében mind az énekegyüttesek, mind a kórusok specializációt mutatnak egyidejű kereskedelmi forgalmazással .

Fejlődés Európában

A német nyelvterület fejlődése a korai barokk óta egész Közép-Európát formálta; A hatások Skandináviában és Amerikában is megfigyelhetők. Ennek eredményeként a kóruszene zenei fejlődése más európai országokban nagyon hasonló volt a német anyanyelvű országokhoz. Ez csak a 20. század eleji társadalmi és politikai helyzettel változott jelentősen.

A német anyanyelvű országokkal ellentétben más országokban lehetőség nyílt arra, hogy zökkenőmentes átmenetet találjunk a késő romantika időszakából a kortárs kórusirodalomba; Több ország (köztük Franciaország, Anglia, Amerika) mára kifejlesztett egyfajta "nemzeti stílust"; Itt különösen feltűnő a folklór és a népszerű elemek átvétele.

Anglia

A 18. század közepétől - a liturgikus kórusének megszakítás nélküli művelése alapján (lásd még: Evensong ) - Angliában megjelent a műfaji kórus és az orgona , amelyet csak jóval később fogadtak el Franciaországban és Németországban. Itt az alkalomtól és a lehetőségektől függően a kórusrész egyszerű és egyszerű marad (gyakran halk hangokkal) ( Edward Elgar ), de szimfonikus méreteket is ölthet ( Charles Villiers Stanford ). Jellemző a kiterjedt és gyakran zenekari orgonarész, amely jóval túlmutat a continuo kíséretén . Az angol orgonáknak ezért gyakran van saját kísérőkönyvük, amelyet kórusnak neveznek .

A vegyes kórusok mellett a fiú- és férfikórusok hagyománya még mindig nagyon elterjedt és művelt.

Franciaország

Az olyan zeneszerzőkkel, mint Maurice Ravel , Gabriel Fauré és Claude Debussy , Franciaországban általános zenei változás történt a 19. század közepétől a végéig. A fő műfajok a zongoradal, a kantáta és a zenekari dal voltak, a stílusilag impresszionizmus volt a meghatározó. Az 1855 -ös párizsi világkiállítást továbbra is befolyásolta az orosz, arab és ázsiai zene. Ez a kóruszenében is új harmonikus skálákon és néha szokatlan hangkezelésen (vokálok, ütős elemek) keresztül fejeződött ki.

Az egyházzene egyértelműen visszatért a gregorián énekhez a 20. század elején és közepén, a harmónia egyidejű továbbfejlesztésével. Különösen figyelemre méltó itt Maurice Duruflé , Francis Poulenc és Jean Langlais .

Fejlődés Európán kívül

Egyesült Államok

Az USA -t mint bevándorló országot mindig is befolyásolta az európai művészi zene; A kóruszene területén megmaradt a romantikus korszak, amelynek irodalmát és elképzeléseit a mai napig művelik.
A 20. század elején egyértelmű erőfeszítések történtek saját, független zenei kultúrájának kialakítására . Az első kísérlet Antonín Dvořák New Yorkba hívásával kudarcot vallott, mivel munkásságát nem az USA -nak tulajdonították. Csak az olyan zeneszerzőkkel, mint George Gershwin , Leonard Bernstein és Duke Ellington ért el nemzetközi áttörést az Egyesült Államok az 1930 -as években a művészi zenében, még akkor is, ha ez csak közvetett hatással volt a kóruszenére. Csak a negyvenes / ötvenes években alakult ki lassan a jazz kórus műfaja , amikor a big band kompozíciós technikái átkerültek az énekterületre. A területen az intézkedések a jazz és a pop kórusok, az USA-ban még mindig a vezető között.

Az egyházzene területén a fő hangsúly a romantika fenntartásán és továbbfejlesztésén volt, amely európai szempontból azonban szinte hazafias külföldi beszivárgásba torkollik.

Kóruszenei kiadások és gyűjtemények (válogatás)

Lásd még

Portál: Kóruszene  - A Wikipedia tartalmának áttekintése a kóruszene témában

irodalom

Kórusvezető

Szövegkimenet

  • Paul-Gerhard Nohl: Latin egyházzenei szövegek. 4. kiadás. Bärenreiter, Kassel 2006, ISBN 3-7618-1249-3 .

web Linkek

Wikiszótár: Kóruszene  - jelentések magyarázata , szó eredete, szinonimák, fordítások

Megjegyzések

  1. ↑ Vö. Például Edward Lowinsky : A modern irány az antwerpeni motet repertoárban. In: Az orlando di Lasso -féle antwerpeni motettakönyv és kapcsolatai a holland kortársak motettáival. Springer, Dordrecht 1937 ( DOI ).